Phil Spector – statutul de vedeta nu e floare la ureche

0
Producția americană pentru televiziune  se centrează asupra icon-ului anilor '60 – producătorul muzical al The Beatles și Tina Turner, Phil Spector, interpretat de Al Pacino. Filmul dezvăluie momentul în care Phil Spector, aflat la apusul carierei sale de succes, este suspectat de crimă, după ce corpul neînsuflețit al actriței Lana Clarckson este găsit în vila producătorului.

Acesta este doar începutul filmului, urmând desfășurarea efortului asiduu al avocatei Linda Kenney Baden, jucată de Helen Mirren,  pentru a încheia procesul de crimă în favoarea lui Spector.

Filmul se centreaza mai puțin pe acțiune în sine și mai mult pe relația dintre personaje, inspectând latura psihologică din spatele relației dintre artistul Phil Spector și apărătorul său, avocata Linda Kenney Baden. În plus, toate mărturiile fiind incriminatorii, singura apărare a avocatei este de a apela la empatia juraților, chemându-l la bară chiar pe Phil Spector, deja stigmatizat de public. Astfel, cei doi încearcă să găsească o metodă de a le arăta juraților adevărata față a unei celebrități care este vânată de mulțime odată ce a căzut de la înățimea ocrotitoare a succesului de care a dispus vreme îndelungată. 

Metoda lui Spector de a îndura disprețul oamenilor este de a se închide în propria sa lume în care este propriul său avocat. Chiar dacă, în mare parte, acțiunea se petrece la curtea de judecată și în birourile avocaților, filmul nu seamănă deloc cu un serial cu avocați. Doar se încearcă să se surprindă indignarea vizavi de ideile preconcepute ale oamenilor și încercările de a le combate care se petrec în culisele cu ușile închise ale procesului. 

Linda este singura care crede în vorbele neclare ale omului pe care îl apără la curtea de judecată. Fiind singură în acest joc periculos, aceasta este dispusă să îşi pericliteze cariera pentru a apăra un om nevinovat. 

Phil Spector (2013) este de fapt un film despre celebritate, prin încercarea de disecare a acestui caz real. A fi o celebritate, totuşi, nu e o muncă uşoară.

Le Ballon Rouge – copilaria e o acadea rosie, plutitoare

0

Sunt atâtea feluri în care această mică alegorie  a lucrurilor delicate poate fi interpretată, încât toate baloanele (indiferent de culoare) care au dat audiții pentru Le ballon rouge s-ar înroși brusc de ferbă, s-ar ridica la înălțimi amețitoare și ar face POC !

Scurtmetrajul (34 minute) clasic al lui Albert Lamorisse, premiat cu un Oscar și un Palme d’Or în 1956, este totodată o fabulă și un basm : Pascal (Pascal Lamorisse) și un balon roșu cu personalitate devin prieteni într-o dimineață când băiețelul mergea spre școală. Eliberarea balonului care își prinsese sfoara de un felinar stradal de către Pascal e naturală, ca îmblânzirea și aproprierea lucrurilor tipică jocurilor de copii – un fel de finders keepers, losers weepers, iar cei doi pornesc la drum.

Pascal nu este primit cu balonul în tramvai, așa că aleargă până la școală, unde un profesor îl pedepsește pentru giumbușlucurile „prietenului lui”. Intrăm astfel într-o lume în care convenția este fie că adulții sunt absurzi și lipsiți de simțul umorului, iar mai ales profesorii sunt caricaturizați și gravi, fie știu că jucăriile pot prinde viață, dar nu vor să audă nimic despre asta. Oricum ar fi, Lamorisse creează prin balon și prin aventurile lui Pascal prin Paris o madlenă gustoasă care amintește de copilărie, fără ca filmul să fie sentimental; secvențele nu reamintesc cu nostalgie de copilărie, ci o recreează, senin și cu puține vorbe.

Iar această lume a lucrurilor mici are, bineînțeles, dacă o buzunărim, toate experiențele în ea, numai că la altă scară. Prietenia este un lucru simplu și presupune joacă, loialitate și camaraderie: Pascal și balonul fac aproape totul împreună, iar când băiatul este ocupat cu treburi omenești, balonul îl așteaptă cuminte, dar nerăbdător, asemenea unui cățel. În acest basm cu iz de realitate, zmeii sunt deghizați în pui de om și îl urmăresc pe Pascal pentru a-i sparge balonul. Miza este atât de mare, încât și cel mai grav adult se poate surprinde încurajând balonul și spunându-i pe unde să plutească pentru a scăpa. 

Recomandari pentru un weekend de vara – 26-28 iulie 2013

Bucureștiul se străduiește și în weekendul 26 – 28 iulie să ne țină ocupați pe aceia dintre noi care nu sunt în vacanță. Unii dintre noi poate chiar au rămas special în București special pentru festivalul – Rock The City la Romexpo. De departe cel mai important eveniment al weekendului, dar nu și singurul. Ne așteaptă și câteva premiere de film, un spectacol de teatru, un traseu pe la expozițiile care au rămas deschise și o petrecere la piscină.

 

Dacă ai așteptat până acum să-l revezi pe Hugh Jackman în rolul anti-eroului Wolverine, o poți face începând de vineri. Tot un film de acțiune, dar mai realist vine din Danemarca: Kapringen/ A Hijacking ne va spune o poveste cu și despre pirații din zilele noastre. Premierele sunt întregite de partea a doua a comediei Grown Ups, în care revin Adam SandlerSalma HayekSteve Buscemi sau David Spade.

 

Nu te tentează premierele? Îndreaptă-te atunci către Institutul Francez, pentru că la Cinema Elvira Popescu poți vedea sâmbătă și duminică de la ora 19:00 un film romantic semnat Leos Carax, cu Juliette Binoche și Denis Lavant (protagonistul din The Holy Motors): Les Amants du Pont-Neuf.

 

Daca te vei afla în zona Parcului Tineretului în weekend, poti trece si pe la Caravana Metropolis, unde vor fi proiectate în acest weekend A Royal Affair si Moonrise Kingdom. Citește recenziile Postmodern aici și aici.

Te-am invitat la film, dar dacă mergi la Rock The City, vei fi destul de ocupat sâmbătă și duminică, unde vor concerta nu numai Bullet For My Valentine și Rammstein, ci și Enslaved, Trivium, Heaven Shall Burn sau câteva trupe de metal din România. Programul și line up-ul complet le găsești aici.

 

La cafeneaua Godot ai ocazia să vezi sâmbătă o comedie de Lia Bugnar de care ți-am mai povestit – poți citi și recenzia Postmodern a spectacolului Noi 4.

La capitolul expoziții, îți reamintim că acestea sunt ultimele zile în care mai poți ajunge la The Human Body sau la Expoziția de Fluturi Tropicali Vii de la Muzeul Antipa, lucru valabil și pentru Comorile Chinei de la Muzeul Național de Istorie. Rămân deschise expoziția de grafică și design vintage de la MNAR semnată Lucian Bernhard, iar la MNAC te așteaptă, pe lângă Mircea Cantor, expoziția Good Girls, care reunește lucrările a 63 de artiste internaționale.

 

Ceva mai specială în această săptămână este ocazia de a merge la o petrecere la piscină, dublată de un performance muzical. Dacă te pasionează muzică electronică, probabil îi știi pe DJ-ii Todd Terje și Vakula care vor întreține atmosfera clubului La Plage (Otopeni).

 

Poiana Urbană continuă și în acest weekend, dar un pic mai altfel ca până acum:  sâmbătă și duminică, poți asista la meciurile din cadrul turneului de baschet Sport Arena Streetball (accesul este gratuit), pe lângă demonstrațiile de freestyle și concursurile de slam dunk. Ne așteaptă și un concert în cadrul evenimentului, susținut de Yellow & Friends.

Kapringen (Deturnarea) – Lungul drum spre sine

Recunosc că, ducându-mă la filmul danez Kapringen (Deturnarea) – în regia lui Tobias Lindholm –, mi-a fost puțin teamă să nu am parte de un thriller cu pirați, cu împușcături și alte elemente spectaculoase cu care, din păcate, ne-a obișnuit Hollywoodul atunci când tratează un subiect de felul acesta.

Subiectul poate fi rezumat în câteva cuvinte: o navă comercială daneză este capturată de o bandă de somalezi, care cer bani pentru eliberarea echipajului; urmează o serie de negocieri încheiate cu succes. Spunând asta, nu am spus, în fapt, nimic despre pelicula daneză. Fiindcă nordicii știu să facă filme nu despre un eveniment, care devine secundar – mai mult, un pretext cinematografic –, ci despre o stare. E vorba despre starea de captivitate, atât fizică, cât și psihică, a celor care sunt de-o parte și de cealaltă a firului de telefon care intermediază negocierile. Subliniată și întreținută de planurile de interior ale navei – angoasante și întunecate -, captivitatea echipajului sticlește în priviri, în gesturi și în vocile gâtuite de nervozitate și deznădejde.

Bucătarul Mikkel Hartmann (interpretat de Pilou Asbæk), membru al echipajului captiv, iese în evidență prin firea reținută și temătoare, ca și prin dorul de ai lui, devenind cumva chintesența stărilor prin care trec toți ceilalți. În plus, el este și acela care participă, vrând-nevrând, la negocieri. De partea cealaltă a telefonului, în birourile la fel de claustrofobice precum nava luată prizonieră, se află managerul companiei care deține nava, Peter Ludvigsen (Søren Malling). Din orgoliu profesional, întreținut de succesele sale în negocierile firmei – trăsătură redată minimalist prin câteva scene, la începutul filmului –, Peter se încăpățânează să conducă el însuși negocierile cu pirații somalezi, refuzând orice ajutor din exterior. Ajunge astfel, ca într-o oglindă, prizonierul propriului ego, îndepărtându-și soția tocmai prin încercarea de a-i apropia pe cei captivi de propriile familii, care îi așteaptă acasă.

Deși implicat emoțional, Peter are de-a face cu un pariu profesional: trebuie să (își) dovedească competența pe care i le impun costumul perfect, cămășile și butonii scumpi – perfect antitetici cu tricourile murdare și transpirate ale echipajului ținut ostatic. Cum spuneam, nimic spectaculos și flamboaiant, doar o stare care se prelinge perfidă de-a lungul întregului film. Angoasa este amestecată cu așteptarea și cu un sentiment de claustrofobie, care tânjește după spațiile deschise ale libertății.

Filmul are un happy ending, dar acesta nu este eliberator deloc, pentru că are un preț: moartea unui membru al echipajului, dintr-o prostie aproape, chiar în momentul în care pirații părăsesc nava (nu vă dezvălui motivul însă). Iar ceea ce trebuia să fie o victorie, un sfârșit bun pentru toată lumea, devine o apăsare care umbrește întoarcerea acasă. Captivitatea ar fi putut fi tratată, uitată, însă moartea unui om rămâne un preț greu plătit după eliberare. Și astfel, filmul se încheie cu două planuri care dovedesc măiestria regizorală a lui Lindholm: pe de-o parte, unul în care bucătarul Mikkel, urmărit de imaginea morții, se află, în sfârșit, alături de familia atât de dragă, dar de care nu mai e în stare să se bucure, pe de alta, plecarea acasă (orice o mai însemna acest „acasă” pentru el) a managerului firmei, Peter, ca după o zi obișnuită de lucru, în care și-a făcut… meseria, cu tot profesionalismul de care a fost în stare.

La fel ca Jagten (Vânătoarea), Kapringen nu vorbește transparent despre subiectul pe care-l tratează, ci îl schițează, mai degrabă, construind stări pe marginea altora. Ceea ce te lasă o vreme meditativ.

Venea din timpul diez – Despre prezent la timpul trecut

Ne plac poveștile pentru că ne transpun în lumi imposibil de ajuns altfel și pentru că întotdeauna dau impresia că orice lume e posibilă. Bogdan Suceavă în romanul său, Venea din timpul diez, ne spune o poveste care, deși nu este produsul imaginației cît rezultatul unei observații critice a unui timp trecut, fascinează.

Venea din timpul diez devine oglinda unui spațiu temporal, după cum titlul îi spune, ce nu poate fi identificat cronologic; este un timp mitic, rupt de realitate, ce totuși nu poate exista în afara ei.

Romanul apărut în 2004 la editura Polirom și reeditat șase ani mai târziu e cronica Bucureștiului anilor ’90; cronică despre care s-au scris numeroase altele, cu iz critic, scoțând la iveală intepretări și chei de lectură. S-a scris despre romanul lui Bogdan Suceavă mult prea mult și e puțin probabil că ceea ce aș putea spune în urma unei lecturi diletante să nu dea impresia de „deja spus”. Totuși, o lectură rămâne întodeauna un act intim și personal, care naște impresii de lectură unice, indiferent de lector.

E posibil ca pentru cei are au trăit în Bucureștiul contemporan romanului acesta să fie o confirmare și o oglindire a acelor timpuri. Cei aflați în diacronie față de timpul romanului pot privi cu un ochi străin și curios un timp ce nu le aparține, dar pe care e posibil ca încă să-l trăiască.

O ficțiune istorică, chiar dacă e ficțiune, poartă o oarecare doză de veridicitate, iar istoria, de multe ori, folosește drept oglindă și spațiu de căutare. Poate de aceea, într-un ton sarcastic al unei satire scrise pentru gustul rafinat, Bogdan Suceavă ne împărtășește printr-o poveste câte ceva din cum am fost.

Ce se întâmplă în roman e destul de simplu de rezumat. E povestea unor oameni care vor să convingă majoritatea că ei dețin răspunsurile căutărilor oamenilor. Trei grupări diferite se perindă în lupta pentru câștigarea simpatiei poporului, promițând fiecare un tip diferit de „mântuire”. În acest joc de opinii și grupări, se reflectă în fond o neputință: aceea a poporului român de a renunța la nevoia de a fi condus de o ideologie și de o iluzie care nu îi aparține și pe care nu o cunoaște. Aici autorul însuși afirmă: „În România se va spera pururea, fără acoperire și fără înțelpciune, fără luciditate și cu o oarecare știință a mințirii de sine.”

E mult simbol, mult spectacol și discurs persuasiv, în nevoia de un mântuitor și de o credință în Venea din timpul diez, iar prin acestea cartea diagnostichează societatea românească de atunci. Însă, dincolo de simbolistica romanului, dincolo de ce a vrut sau nu autorul să spună, rămâne ideea de literatură. E un roman ce ne arată, precum Rebreanu mai demult, viața românului, nu la sat, ci la oraș, corupt de propriiile-i patimi.

Bogdan Suceavă reușește să ne amuze, scriind o „comedie” în stilul lui Caragiale, subliniind moravurile și neajunsurile firii umane, de această dată crescute în spațiu balcanic. E o plăcere a lecturii ce se naște în timp ce întorci paginile romanului, mintea citirorului fiind cea care alege ce linii de câmp să traseze,  întocmind hărți de sensuri.

Top 3 + 1 romane cu si despre droguri

Simbol al rebeliunii, combustibil pentru creativitate, inductor de amnezie și apatie, experiență aproape religioasă – consumul de droguri și galaxia de personaje ce gravitează în jurul lui a fascinat scriitorii dintodeauna. Există un bloc solid de literatură a dependenței de narcotice, din care am ales câteva așchii mai strălucitoare, 3 cărți clasice + o recomandare personală.

1. Spaime și scârbe în Las Vegas – Hunter S. Thompson

 

 

O relatare în stil gonzo a călătoriei alter-egoului lui Thompson, jurnalistul Raoul Duke, și a avocatului său samoan, Dr. Gonzo, în Las Vegas, cu ocazia cursei de motociclete Mint 400, se transformă într-o examinare halucinatorie a ideii de vis american. Un portbagaj plin de droguri dă viață tuturor spaimelor unei generații americane ce în anii '70 se simțea înșelată de eșecul promisiunilor contraculturii din anii '60 și panicată de spectrul războiului din Vietnam. Filmul-cult în regia lui Terry Gillian, cu Johnny Depp și Benicio del Toro în rolurile principale, a popularizat romanul apărut și la noi la editura Polirom.

 

2. Junky – William S. Burroughs

 

 

William S. Burroughs a scris două romane clasice despre droguri, Junky și Prânzul dezgolit. Am ales Junkie pentru accesibilitatea lui, dar vă recomand și nebunia avangardistă cu efect narcotic ce guvernează textul cărții Prânzul dezgolit – adaptat pentru ecran de David Cronenberg în filmul cu același nume.

Junky își trage seva din experiența lui Burroughs ca opioman și dealer. Romanul a fost scris la insistențele poetului Allen Ginsberg și a văzut lumina tiparului în 1941 semnat cu pseudonimul William Lee. În stilul Generației Beat, Burroughs ne conduce pe un drum prin închisorile din Kentucky, lumea underground a New York-ului și Mexico City, totul în căutarea următoarei doze care să stingă setea celulelor dependente de heroină.

Roman apărut la editura Polirom.

 

3. Trainspotting – Irvine Welsh

 

 

Dacă primele două recomandări analizează lumea drogurilor din America, a treia face pasul peste ocean în Leith, Edinburgh – Scoția.

Împărțit în șapte părți , cu o intrigă non-liniară, romanul lui Irvine Welsh descrie existența dezolantă a unui grup format din consumatori de heroină și alcoolici. Mark Renton, Sick Boy și Spud au devenit personaje cult, după lansarea din 1996 a adaptării romanului pentru marele ecran, realizată de Danny Boyle.

Roman apărut la editura Polirom.

+

Albastru nemărginit, aproape transparent – Ryu Murakami

 

 

Scris de Ryu Murakami când încă mai era student la Universitatea de Artă, Albastru nemărginit, aproape transparent a câștigat unul dintre cele mai râvnite premii literare din Japonia, premiul Akutagawa.

Romanul, narat într-un stil ușor poetic și cu un aer autobiografic de personajul principal în vârstă de doar 19 ani, Ryu, urmărește un grup de adolescenți japonezi din anii '70 timp de o săptămână. Aceștia trăiesc lângă o bază militară americană într-o continuă stare de intoxicare și dezinteres față de lumea reală. Amnezia existențială le este întreținută de orgii, consum de droguri și rock&roll-ul anilor 60 (The Rolling Stones,The Doors) ce asigură soundtrack-ul acestui roman de excepție,  ecranizat chiar de autor.

Roman apărut la editura Polirom.

Așteptăm și recomandările voastre.

Pasolini

0

Este deja confirmat: cunoscutul actor Willem Dafoe se va reuni cu regizorul-scriitor Abel Ferrara pentru a da naştere unui film despre influentul regizor, romancier, poet şi filosof Pier Paolo Pasolini.

Denumit simplu Pasolini, filmul îşi propune să spună povestea ultimei zile din viaţa regizorului italian printr-un caleidoscop de imagini legate de viaţa, fanteziile, filmele şi proiectele sale.

Pasolini a fost ucis înainte de lansarea controversatului său film Salò, sau Cele 120 De Zile ale Sodomei. Pe 2 noiembrie 1975, a fost găsit mort, bătut şi călcat în repetate rânduri cu propria maşină. Crima a fost pusă pe seama lui Giuseppe Pelosi, un adolescent al străzii, dar în 2005 tânărul îşi retrage mărturisirea, susţinând că o semnase sub presiunea ameninţărilor de violenţă asupra familiei sale.

Filmul va marca cea de a patra colaborare dintre Dafoe şi Ferrara, completând o listă de precedente reuşite ca: 4:44 Ultima zi pe Pamant, Go Go Tales şi New Rose Hotel. Casa de producţie franceză Capricci Films a semnat deja pentru producţia filmului ce urmează să fie turnat la sfârşitul acestui an. 

Ferrara va trece la mult aşteptatul film biografic îndată ce va termina producţia filmului Welcome to New York, bazat pe recentul scandal sexual în care a fost implicat politicianul francez Dominique Strauss-Kahn.

The best offer – o oferta irezistibila de film

0

The Best Offer este genul de film pe care trebuie să îl vezi atunci când simţi nevoia să îţi exteriorizezi o pasiune şi nu ştii cum. Filmul are o atmosferă veche, însă este ca un vin vechi de 50 de ani, păstrat în butoiaş de stejar: este de valoare şi se degustă numai la ocazii.

Într-o perioadă în care se merge numai la sigur prin tradiţionala poveste în care răul este învins de bine, în care există fântâni fără fund de efecte speciale (90% din film fiind făcut pe calculator), iar personajele sunt ori umane cu puteri supranaturale, ori fiinţe magice cu trăsături umane, regizorul italian Giuseppe Tornatore devine un excentric apelând la opusul acestui stereotip de film, adică un film al cărui sfârşit nu îl ghiceşti din primele 10 minute şi care face uz de replici inteligente, acţiuni subtile şi pline de şarm, mesaje cu dublu înţeles, personaje care nu sunt aşa cum par. Trebuie să citeşti printre rânduri sau, în cazul nostru, să priveşti dincolo de tabloul înfăţişat de film.

Începutul filmului îți induce un fel de transă prin urmărirea rutinei adjudecătorului Virgil Oldman, jucat fără cusur de Geoffrey Rush. Totul se petrece în viaţa acestuia conform unor condiţii şi mai ales a unor tradiţii prestabilite cu o punctualitate de ceasornic. Orice abatere de la acest stil de viaţă este desfiinţată dintr-o singură privire morocănoasă şi plictisită a lui Virgil. Mănâncă mereu la acelaşi restaurant, nu îşi uită niciodată mănuşile, îşi vopseşte părul periodic şi nu lasă pe nimeni să interfereze cu programul său strict. Rutina acestuia poate fi întreruptă doar de un singur lucru: pasiunea sa pentru artă, pe care o intuieşte mai mult decât o vede, şi pentru care ar face orice. Virgil Oldman are doar 2 prieteni: Billy Whister, interpretat de nonşalantul Donald Sutherland şi Robert, un tânăr genial maşinist care, în loc de suport financiar pentru serviciile sale, cere clientelor întâlniri în oraş – interpretat de englezul Jim Sturgess.

Un artist ratat de fapt, Bill are o strânsă legătură cu colecţionarul de tablouri, Virgil Oldman, prin faptul că îi "furnizează femei"; însă nu orice femeie, ci portretele armonioase şi perfecte ale femeilor din tablouri semnate de pictori celebri. În seiful său mare cât o sufragerie, sobritetatea adjudecătorului dispare pentru a face loc pasiunii pentru formele fluide ale femeilor realizate prin pensulă. Tandreţea lui pentru aceste forme desenate n-a fost cunoscută niciodată de o femeie reală, pentru că Virgil nu are iubită sau soţie. Portretele de femeie sunt singurele lucruri cu formă umană care îl acceptă aşa cum este şi cu care acesta se simte în largul său.

Robert, pe de altă parte, este un tânăr înflăcărat de muncă sa de a repara şi a studia mecanismele tehnice, al cărui principiu în viaţă este că oamenii sunt ca dispozitivele: ajung săs e potrivească la fix unele cu altele după o perioadă îndelungată de conexiune împreună.

Un al treilea personaj va pătrunde însă în viaţa lui Virgil Oldman exact prin tradiţiile în a căror comoditate s-a complăcut timp de 35 de ani. Virgil păstrează cu sfinţenie obiceiul de a răspunde personal la primul telefon primit în ziua aniversării sale. Ceea ce ar fi trebuit să fie doar o simplă formalitate de schimburi de replici printr-o conversaţie telefonică, se transformă pe nesimţite în ceva fără formă și tainic. Vocea tinerei Claire de la capătul celălalt al firului îi stârneşte curiozitatea intransingentului colecţionar de artă şi acesta se lasă prins în misterul din jurul acestei femei, având drept momeală setea sa de a descifra ceea ce se ascunde dincolo de o impresie generală.

The Best Offer decurge apoi într-un mod obsesiv, ajungându-se chiar la stadiul în care personajul principal îşi uită de toate codurile setate de el însuşi, înlăturându-le din viaţa sa pentru a crea spațiu elucidării misterului în care singur s-a implicat.

În ansamblu, filmul îmbracă metaforic povestea de viață  în dilema artei falsificate: cum distingi originalul de fals şi, totuşi, cât de valoros este un fals, având în vedere faptul că, în ciuda scopului său de a imita autenticul, falsificarea are ceva original în geneza sa? Această idee artistică îşi găseşte suportul atât în tehnica de filmare, care lasă impresia că fiecare scenă poate fi o fotografie în sine, cât şi prin coloana sonoră creată de Ennio Morricone.

Ultimele articole