Cele mai ciudate 13 credinte si superstitii romanesti

Cred sincer că aduce ghinion să cazi pe fereastra spartă de la etajul treisprezece al unei clădiri într-o vineri. Recunosc, în felul ăsta, sunt un superstițios. O pisică neagră îmi dă palpitații mai mari decât o mină antipersonal. Dacă trec pe sub o scară, sunt în stare să merg înapoi în mâini, în timp ce îmi scuip în sân, dacă așa scap de repercusiuni. Nu mă pun cu universul, așa că atunci când am auzit de reeditarea cărții Credințe și superstiții românești, de către editura Humanitas, am alergat până la prima librărie ca un spiriduş beat în căutare de încă un Guinness.

 

1. De întâlnești popă e rău, iar de vezi iepure, rău de tot. De-ți iese însă lup în cale, atunci îți merge bine.

E de înţeles, popa poate să-ţi ceară bani, iepurele iese rapid de prin tufişuri, te sperii şi poate faci un atac de cord, pe când lupul te scapă de toate. De cap, de mână, de ce apucă prima oară.

 

2. Cică cine fură pe lumea asta bostani pe lumea cealaltă e pus să-i ridice pe un deal , bostanii fiind mai mari și mai grei, când vrea să puie piciorul în vârf, îi scapă la vale, iar pleacă să-i ia și iar îi scapă.

Oare nu e deprimant să afli că Sisiful nostru e un hoţ de bostani?

3Când plouă cu soare, se crede că sunt multe fete necinstite, şi atunci băieţii cântă aşa:

Plouă, plouă

într-o casă nouă;

ouăle de lut,

fetele se…”

Joacă! Perverşilor.

4. Când ți s-a pișa cânele pe păreți însemnează că unul din soți nu prea trage cu casa, cățaua vestește patima femeii, cânele, pe a bărbatului. Când câinii simt așa ceva, apoi la cel necredincios soț nu se gudură când intră în ogradă.

Aşa că atunci când vă pune nevasta/soţul să cumpăraţi un câine, să ştiţi că bănuieşte ceva.

5. Când se toarnă un clopot, pentru ca să sune frumos, trebuie să se scornească o minciună mare care să colinde multă lume și s-o minuneze.

Un gând bun de avut la sărbători, când auzi câte un clopot: Ding L-am cunoscut pe Napoleon. Dong Câinele mi-a mâncat tema. Ding Blugii ăştia nu te fac să pari grasă.

6. Se crede că dacă un copil noaptea nu poate dormi, apoi e bine a lua de la o scroafă cu purcei baligă de-a purceilor, și să se pună sub perna copilului, si apoi el va dormi așa de bine, cum dorm purceii.

              

7. Dacă cutare om freacă cu degetul dinții unui om mort și pe urmă freacă cu acela dinții proprii, nu-l mai dor dinții în veci.

 

E efectul formolului luat de la mort.

 

8Pentru a purcede grea bea boașele unui iepure și matca (uter) unei iepuroaicei, pisate mărunt și ținute nouă zile în rachiu la căldură. După a noua zi, bărbatul bea sămânță de iepure, iar nevasta, cea de iepuroaică.

Mexicanii au tequila cu scorpioni, noi avem asta.

9. Când feciorul pleacă la pețit sau la logodnă, mama aruncă pe el o pisică, ca să se țină fata de el ca pisica.

                    

10Când pentru întâia dată intri într-un oraș, să iei o piatră în gură.

Ca să simți gustul orașului.

11. Când se lasă post la 1 martie, să mături prin casă și să arunci gunoiul până la ziuă, pe la vecini, cu capul gol și dezbrăcată până-n brâu, ca să se ducă purecii, și să zici de trei ori: Marta la noi în casă, purecii la megieși.

Un soi de să moară capra vecinului, dar pe jumate dezbrăcată.

12Primăvara, când ieși dimineața afară fără să fi gustat ceva și auzi cucul pentru prima dată, te-a spurcat și-ți miroase gura. Asemenea, când te spurcă pupăza, îți miros dinții toată vara a cuibar de pupăză. De aceea e bine să iei măcar o firmitură pe limbă.

Sau să te speli pe dinţi.

13. Dacă se naște copilul cu testicule mari, i se pune în scăldătoare o nucă mică și scad. La fete se pune ca să nu le crească mari țâțele.

Cartea e plină de bijuterii de genul ăsta. Să o căutați.

                                                  

     Editura Humanitas

               După Artur Gorovei şi Gh. F. Ciauşanu

                     Ediţie de Irina Nicolau şi Carmen Mihalache

       

 

                                                   

A Field in England – Teatrul absurd e noul film cult

0

A Field in England este o lecţie de teatru absurd în cinematografie, după ce trece puţin prin viscerele unui realism isteric. Are toate calităţile unui film regizat de un copil teribil vizionar: nu ţine cont de regulile comerciale, este inovator, atipic până la aberant şi mult mai apropiat de zona experimentală, aşadar poate fi uşor catalogat drept ciudat de către amatorii de blockbustere.

Cunoscut mai ales datorită filmului Sightseers (2012), Ben Wheatley a vrut să împartă spectatorii în două tabere: a celor plictisiţi de încercările avangardiste cu pretenţii de filme cult şi a celor nostalgici după timpurile în care Jodorowsky sau Bunuel dominau a şaptea artă.

A Field in England se apropie de cinematografia pură, de amorul artei, aşa cum o percep cei pasionaţi de filmul experimental. Nu se ţine cont de o poveste coerentă, reperele spaţio-temporale sunt dinamitate, în schimb, imaginea şi mimica personajelor acaparează totul, oferind un spectacol alb-negru stroboscopic, halucinant, înspăimântător şi ermetic. În acest spectacol pus în scenă pe un câmp de luptă s-au întâlnit cinci bărbaţi, fiecare dintr-o altă regiune a marelui regat. Obosiţi de atâta război, se bucură de libertatea dezertorului rămas în derivă. Despre ce luptă este vorba? Ni se spune vag, prin menţionarea numelui de Cromwell. Filmul putea să fie turnat foarte bine şi într-un parc, jocul actorilor fiind suficient, la fel şi efectele auditive, ce imită sunetele unui tun sau visul unui paranoic.

Fiecare personaj reprezintă un model social: diletantul secretar al unui nobil, care nu şi-a putut depăşi condiţia decât prin atitudinea submisivă în faţa stăpânului, ţăranul ce nu are timp să se uite la stelele despre care vorbeşte unul dintre camarazi, sadicul ce-i dirijează pe toţi spre o realitate psihotică, irascibilul slobod la gură şi cel dornic să cumpănească bine înainte de acţiune. În drumul spre aşezarea umană care să le ofere veselia unei berării după luptele crâncene, fac schimb de replici sumare, dar pline de umor cinic. Nu vei avea parte însă de clasica prietenie dintre oamenii lăsaţi de izbelişte în faţa războiului, dar nici de confruntări. Regizorul mizează mai mult pe atmosfera oniric-delirantă, iar dialogurile sunt eclipsate de expresivitatea actorilor ce au transformat filmul într-o scenă de teatru în aer liber. Clasicele decoruri au fost înlocuite de imaginile în care detaliile expandate sunt angrenate în vârtejul psihedelic, bine dublat de sunetele ce întreţin atmosfera ireală.

O incursiune în abisurile psihicului uman, o călătorie mistică prin infern, o parabolă contemporană despre conflictele interetnice sau o distopie camuflată abil? Toate şi niciuna. Acesta este şi farmecul peliculei. Îi permite spectatorului să umple cu propriile explicaţii şi proiecţii golul asumat de lipsa unui scenariu centrat pe acţiune. 

A Field in England este o experienţă care poate fi gustată doar de cinefilul dornic să meargă pe cărări mai puţin bătute. Îţi trebuie multă răbdare şi o apetenţă pentru vizual şi ambiguitate. Dacă vrei o poveste cu sensuri bine definite şi lecţii de viaţă, poţi ignora ultima ispravă a lui Wheatley, deocamdată…până va deveni un exemplu de creaţie memorabilă, trecută în mai toate antologiile despre filmele cult.

Pelicula a fost proiectată în cea de-a treia zi a Bucharest International Film Festival. La ediţia de anul trecut a B-IFF, regizorul Ben Wheatley a primit marele premiu rezervat celui mai bun scenariu pentru Sightseers.

Noe sau potopul de lacrimi

 

Dacă ai văzut „Pi”, „Requiem for a Dream”, „The Fountain” sau „Black Swan”, faptul că Darren Aronofsky abordează o temă biblică precum aceea despre Noe și Potop și o transpune într-o viziune 3D este suficient să te scoată din casă și să te ducă la cinema.

Înarmat fie cu o lectură proaspătă din „Geneză”, fie cu popcorn, aștepți cu nerăbdare începutul filmului, chiar dacă unele îndoieli te rodeau după ce îi văzuseși trailerul și îți trecuse prin minte că s-ar putea să fie încă un film hollywoodian și nimic mai mult. Dar cu filmele se poate întâmpla la fel ca și cu hainele: brandul și eticheta contează. Nu, nu vreau să spun că e un film produs în China și vândut la suprapreț doar pentru că are eticheta Aronofsky pe el. Spun doar că numele de Aronofsky nu sporește cu nimic valoarea reală a „produsului”.

Produsul este, recunosc, frumos ambalat, amintindu-ne de încercările – reușite – din „The Fountain”, în care poezia scenariului este susținută puternic de imagine și muzică. La fel și aici, în „Noah”, iluzia cinematografică este obținută și potențată de efectele speciale ale filmului. Numai că la atât se limitează întreaga contribuție a regizorului la tema biblică. Dacă a vrut să o ilustreze prin imagine, atunci nu pot spune decât că… a reușit. Adăugându-i iluzia 3D și mobilizând o armată de figuranți, Aronofsky oferă grandoarea necesară unei teme biblice. Îi lipsește însă găselnița sau chichița care să-l ajute să facă saltul așteptat dinspre filmul comercial „de acțiune” spre filmul de idei.

A existat, la un moment dat, o idee care ar fi putut salva întregul spectacol de efecte speciale: dilema morală provocată de abandonarea în afara arcei a atâtor suflete „potențial” nevinovate, care îl duce pe Noe, din nevoie de consecvență, la decizia de a sacrifica orice descendent uman, în speță cele două nepoate. Aici am crezut că ar sta miza filmului, dar Aronofsky a trecut ușor pe lângă ea, pentru a urma desfășurarea narativă deja cunoscută din „Geneză”. Desigur, regizorul nu putea rata ceva ce nu-și propusese. Așa că scăderea nu i-o găsesc neapărat aici, ci în compromisul fățiș în raport cu tot ceea ce a făcut până acum în cinematografie.

Dacă Aronofsky a vrut cumva să-i servească omenirii pervertite din secolul XXI o lecție morală, înfricoșând-o cu mânia Domnului și cu pedeapsa potopului, atunci ar fi mai indicată proiecția filmului pe zidurile sau pereții unei biserici. Drept-credincioșii ar avea astfel un divertisment duminical și ar putea arăta 4D cu degetul spre păcătoși, adunând câte un bețișor de prin parcuri, pentru o nouă arcă. De asemenea, filmul este bun pentru orele de religie din școli. Sunt doar câteva sugestii… 

Nelipsită este și aici coloana sonoră semnată de Clint Mansell, mereu gravă și capabilă să se muleze perfect peste imagine. Dar, spre deosebire de alte filme ale lui Darren Aronofsky, ea trece cumva neobservată în „Noah”, fiind doar o muzică de fundal și atât.

În ciuda banalității abordării și a compromisului făcut filmului comercial, am fi nedrepți dacă nu am remarca jocul lui Russel Crowe, care întruchipează destul de potrivit actoricește patriarhul biblic care a salvat omenirea de la pieire. Masiv, încruntat și apăsat de sarcina ce i-a fost încredințată de Creator, Noe capătă o consistență convingătoare prin figura lui Crowe. O altă apariție notabilă este aceea a lui Anthony Hopkins, în rolul lui Matusalem. Dar nici el nu sporește calitatea filmului în ansamblu.

Film de cinema, pe care să-l vezi dacă n-ai altceva mai bun de făcut sau dacă nu te trage inima să citești primele pagini din „Geneză”, „Noah” este ceea ce este: un film-popcorn. Și dacă bocești un pic, poate iese și de un potop.

Recomandari pentru weekend-ul 28 martie – 30 martie

La acest sfârșit de săptămână aveţi ocazia să urmăriţi în premieră filme în cadrul Festivalului Internațional de Film București, dar avem pentru voi şi recomandări de teatru, concerte şi spectacolele de dans.

Weekendul acesta are premiera  în cinematografe filmul La Grande Bellezza, care a câștigat anul acesta premiul Oscar pentru cel mai bun film străin. Pelicula, foarte poetică şi extraordinar de frumoasă vizual, este regizată de Paolo Sorretino şi spune povestea unui jurnalist cunoscut, trecut de 60 de ani, determinat de împrejurări să își reconsidere stilul de viață boem și să acorde mai multă atenție alegerilor pe care le face.

Tot vinerea aceasta va fi lansat și filmul Noah, regizat de Darren Aronofsky (Black Swan, Requiem For A Dream, The Wresler), care reprezintă o adaptare a poveștii lui Noe din Vechiul Testament. Rolul principal este interpretat de Russell Crowe. Alături de el, din distribuție fac parte Anthony Hopkins, Jennifer Connelly, Emma Watson și Logan Lerman.

De asemenea, pe parcursul acestui weekend are loc și Festivalul Internațional de Film București – BIFF 2014. Pe lângă filmele proiectate în premiera în România, în cadrul acestei ediții a fost introdusă și o nouă secțiune, Focus, dedicată anul acesta cinematografiei chiliene. Programul festivalului poate fi consultat aici.

Concertul acestui sfârșit de săptămână este susținut de Akua Naru și va avea loc vineri în Atelierul de Producție. Cântăreața revine la București împreună cu trupa ei Digflo și va concerta alături de trei artiști autohtoni: Dj Sauce, Tru L și Ufe. Biletele pot fi achiziționate la intrare la prețul de 30 de lei.

Printre spectacolele care se vor juca pe scenele teatrelor  din București weekendul acesta se numără și spectacolul Hoți, o adaptare a textului scriitoarei germane Dea Loher, regizat de Radu Afrim. Piesa prezintă o lume în care oamenii își trăiesc viața ca niște hoți și este compusă din mai multe povești conectate între ele. Spectacolul se va juca duminică la TNB (Sala Studio) de la ora 19:00.

Tot duminica aceasta, la ArCuB, de la ora 19:00 se joacă piesa Vițelul de Aur, adaptată pentru scenă și regizată de Eugen Gyemant după o satiră scrisă de Ilf și Petrov. Povestea îl urmărește pe Ostap Bender (Tudor Aaron Istodor), un escroc care pornește într-o aventură în Uniunea Sovietică a anilor ’20 alături de Șura Balaganov (Cătălin Babliuc).

Vineri de la ora 20:00 va avea loc la Sala Etoile spectacolul Zaronia care deschide stagiunea din București a Cirque Etoile. Zaronia este un spectacol de dans, lumini, culoare, acrobații și efecte speciale, în care peste 30 de artiști redau lupta dintre două forțe care doresc să ia în stapânire un tărâm de legendă.

De asemena, expoziția de desene Rezist-Exist inspirate de acțiunile de protest de la Kiev, cele împotriva explotării de la Roșia Montană sau de Primavara arabă, a lui Dan Perjovschi este în continuare deschisă la Institutul Francez și la Clubul Țăranului. Și expoziția de artă interactivă Use at your own Risk de la MNAC va fi deschisă până sâmbăta aceasta.

La Grande Bellezza – Orasul ca petrecere privata

0

La Grande Bellezza fost prezentat drept un film recomandat mai ales celor îndrăgostiţi de Roma, fie că este vorba de Roma fântânilor, a nudurilor de marmură, a lui Fellini sau al nevroticilor amuzanţi ai lui Alberto Moravia.

Într-o oarecare masură, echipa de la marketing nu a minţit. Regizorul Paolo Sorrentino a pus Roma în centrul filmului său, dar a potolit clişeele ostentative când s-a referit la simbolurile culturale ale oraşului antic. Toate reperele prin care a devenit cunoscut în toată lumea sunt fie parodiate cu tact rafinat, fie omagiate subtil. Grădinile, statuile, palatele, operele de artă sau pieţele faimoase ale oraşului pătrund voalat în lumea personajelor, într-un mod nelumesc, pe alocuri burlesc, amuzant, melancolic, atemporal, dar nicidecum aşa cum sunt în realitate.

Roma e centrul universului pentru oamenii lui Sorrentino, iar în mijlocul cetăţii se află însuşi regele mondenilor, un nostalgic plin de umor şi de acel bun gust afişat cu nonşalanţa boemului incurabil. Este vorba despre Jap Gambardella (interpretat credibil de Toni Servillo), un bătrânel atipic, petrecăreţ ca un puşti de facultate şi relaxat ca un bărbat ce a văzut şi îngăduit multe la viaţa lui. Marea lui calitate? Este un visător al clipei prezente.

Asemenea frumuseţii instabile a regatului său, unde fiecare monden îşi fabrică o identitate în funcţie de tema petrecerii sau de publicul ce trebuie sedus, Jap are o meserie incertă: jurnalist prin forţa împrejurărilor, scriitor al unei singure cărţi – de amorul artei, sau vedetă asumată a unor tabloide cu pretenţii de publicaţii artistice. Nu-l prea interesează o identitate clară şi, în ciuda personajelor stridente din jurul său, rămâne un hedonist meditativ, ce vrea să devină celebru prin distrugerea petrecerii, nu prin acapararea ei ca unic zeu al plăcerilor.

După ce împlineşte 65 de ani, însăşi viaţa lui Jap devine o petrecere, una în care tema principală este dispariţia unor prieteni, ce aleg să plece din oraşul său de suflet prin diferite căi. În locul lor vin alţii, din trecutul neclar, revenit prin flashback-uri ambigue, în care singura femeie iubită vorbeşte prin tăceri. Până şi memoria lui este o farsă jucată la genul de petrecere unde mulţi se duc pentru a da uitării prima dezamăgire sentimentală. Despre această dezamăgire îi aminteşte revenirea neaşteptată a unui vechi prieten.

Ajunse şi în lumea lui Jap, teama de moarte şi de singurătate nu capătă sfinţenia dramatismului cu iz de filosofie personală, ci devin un existenţialism poleit cu glamour-ul extravaganţei, apoi acoperit de paietele unei trupe de cabaret îmbătrânite, chemate la petrecere mai mult din milă.

În loc să prezinte un personaj trist, care îşi face ordine în viaţă, măcar la finalul ei, Sorrentino îl trimite din petrecere în petrecere, doar îl vrea sfântul inadaptaţilor şi al artiştilor neîmpliniţi. Un asemenea sfânt este mai catolic decât Papa în ochii unei calugăriţe misionare pasionate de literatură, ce urma să fie sanctificată, şi mai conştient de apropierea sfârşitului decât orice înţelept amorţit cu falca în palmă. Obosit doar când rămâne singur, Jap nu caută liniştea. Preferă să dilate prezentul, să reflecteze alături de amicul ce vrea să ascundă o girafă printr-un număr de iluzionism, să observe lumea de la balconul apartamentului ce dă spre Colosseum şi să vadă cele mai frumoase locuri secrete ale Romei, alături de o dansatoare şi de prietenul său ce deţine cheile de la toate palatele inaccesibile turistului.

În timp ce invitaţii dansează în şir indian la finalul petrecerilor date de Jap, acesta spune că are parte de cel mai frumos trenuleţ, deoarece nu are destinaţie. Exact ca într-un trenuleţ se vor simţi şi cei din sala de cinema, dar este vorba despre unul ce îi poartă lent prin marea galerie ce se numeşte Roma lui Sorrentino. O galerie abundentă, plină de grandoarea lăsată în urmă de familiile istorice, de care vrea să amintească, dar într-o notă de umor amar. La un moment dat, rămâne în urmă o menajerie absurdă, ale cărei zgomote se pierd în decorurile oraşului.

Între două petreceri cu excese de snobism şi prafuri, Jap trece şi el prin această galerie vie, eclectică, halucinantă. Este tot ce rămâne din povestea lui sumară, atunci când trecutul se fofilează precum artiştii-impostori ce îi trec pragul. Stăpân în propria lume, ţine la invitaţi şi le oferă de fiecare dată imaginea unei vieţi asemenea banchetelor din Antichitate, unde se făcea risipă de plăcerile întinse pe tăvile ce atrăgeau chefliii amatori de senzaţii, nu de obţinerea saţietăţii. La fel de lacomi, oamenii din jurul protagonistului maschează opulenţa senzualistă prin căutarea acelei mari frumuseţi, care să le ofere un loc în oraşul copleşitor.

Deşi la capitolul acţiune stă mai prost, La Grande Bellezza compensează perfect la cel privind imaginile şi jocul actoricesc. Filmul trimite spre zona reprezentaţiilor teatrale în care absurdul, compasiunea şi căutarea unui sens existenţial îşi dau mâna, dar nu pentru a îngândura, ci pentru a-ţi limpezi ochii.

Premiată şi ridicată în slăvi la marile festivaluri, creaţia lui Sorrentino poate fi noul film cult al spectatorilor ce vor să viseze, să colecţioneze imagini şi oraşe, nu neapărat poveşti de viaţă coerente. Să nu vă mire dacă prezenţa voluptoasă pusă de Fellini în  Fontana di Trevi (La Dolce Vita) va fi eclipsată de afişul acestui film, o sursă de inspiraţie pentru viitoare selfies fashionist-boeme cu statuile din Roma.

Vizionare, de Lars Saabye Christensen – Remix nordic la Mic dejun la Tiffany

Acum ceva vreme, într-o galaxie foarte foarte îndepărtată de România… numită Peninsula Scandinavă, un cuplu, el scenarist/ea art director publicitar, se plictisește de la atâta bunăstare, așa că, de dragul unui joc amoros mai picant, se decid să-și calce un pic pe morala protestantă păcătuind pe fugă, cu fusta ridicată doar de ajuns, pe podelele unor case de vânzare. Apoi apare unul care respira greu, pentru că îi urmărise prin ușa întredeschisă, și îi spune bărbatului că o să-i dea o grămadă de bani dacă scrie un film erotico-porno bazat pe fapte reale, pentru că e la modă acum, sunt mai inspiraționale. Dând dovadă de o coloană vertebrală exemplară și o lipsă totală de prejudecăți sau talent, Will acceptă şi fata dispare. Bine aţi venit la Vizionare.

 

Romanul celui mai cunoscut autor norvegian, Lars Saabye Christensen, ce a vizitat recent Bucureştiul – la iniţiativa revitalizatei edituri Univers –, este un remix nordic după Mic dejun la Tiffany a lui Truman Capote. Zăpadă, întuneric, melancolie – ingredientele nordice – plus un câine-metaforă, Ca De-obicei, în loc de pisica lui Holly Golightly, un personaj feminin de meserie Călătoare, frumoasă, plină de secrete și alunecoasă. Ca un Belmondo în A bout de souffle, ce se modelează după imaginea din postere a durului Humphrey Bogart, personajul principal din Vizionare își aranjează moaca în oglindă după figura frumușică a lui George Peppard. Nu știți cine e? Exact de asta rezonează Will cu el. Partenerul de ecran al lui Audrey Hepburn, în ecranizarea micro-romanului lui Capote, e de meserie ușor de uitat.

 

Will suferă de un adevărat sindrom al parvenitului. Patologia lui e dusă până la o formă de schizofrenie socială. Orice ar zice oricine îl bănuieşte de un dublu înţeles. Iubita lui este mai bogată, iar el nu uită niciodată asta. Prietenele ei îl iau peste picior, părinţii lui sunt dezamăgiţi de fiul lor, părinţii ei îl dispreţuiesc pentru că atârnă de ea, tipul de la casa de producţie ce îi finanţeză scenariul îl consideră un scenarist ratat numai bun de manevrat; cazat la un hotel scump, are impresia că tot personalul îl privește cu suspiciune, de parcă cu toții ştiu că are o gaură în pantofi, că nu are ce căuta acolo.

 

Există un exercițiu în scrierea creativă în care ești învățat să-ți imaginezi cum ar fi să existe o cameră deasupra ta permanent, să reușești să te detașezi de tine pentru a te putea observa, pentru a-ți observa ticurile, manierismele și reacțiile la ceilalți. Christensen se folosește de jobul de scenarist a lui Will pentru a-l face permanent conștient de POV (point of view), întâmplările sunt disecate cu ajutorul unei lentile de cameră în direct, de către personaj. Ceea ce poate fi uneori foarte enervant pentru cititor. Pentru că te rupe din poveste și te duce pe teritoriul detaliilor inutile. Ca un copil de trei ani care îți pune încontinuu întrebarea: De ce? E amuzant pentru o vreme, te simți mai deștept decât e cazul, dar apoi ai cam vrea să înceteze, până nu te face să-ți pierzi mințile cu totul.

 

Temerea lui cea mai mare este cea a tuturor artiștilor postmoderni: Că nimic din ce-mi venea în minte nu-mi aparținea de fapt. Toate scenariile sunt un: Bergman combinat cu Buster, Woody combinat cu Strindberg. Arta lui e supusă îndoielii că plagiază fără să-şi dea seama, pentru că totul a mai fost făcut. Aşa că se hotărăşte să se inspire din viaţă până la litera ei, asta venind cu dezavantajul blamării de către cei despre care scrii. Un subiect ce este la modă chiar acum în Norvegia de unde a răsărit un Nou Proust- al câtelea? – venit să dea fiorduri- nu m-am putut abține- pe şira spinării lumii literare occidentale. Karl Ove Knausgaard a scris o serie de 6 cărți autobiografice (My Struggle – poate titlul vă sună cunoscut dacă îl traduc în germană, Mein Kampf) ce i-au alienat familia şi prietenii, dar i-au adus o faimă extraordinară, vânzând un număr imens de cărţi şi făcând-o pe Zadie Smith să exclame că îi aşteaptă următorul volum tradus în engleză ca pe cocaină. -aviz editura Univers

 

Revenind la norvegianul pentru care ne-am adunat, Vizionare este garanția faptului că dinspre nord literatura de calitate vine mână în mână cu valul înfricoșător de rece al literaturii polițiste noir tradusă în ultimii ani și la noi în cantități industriale.

 

 

                                                              Editura Univers, 2014

          

Iubire – Cunoscuti in noapte

Iubire, una dintre cărţile reprezentative pentru literatura norvegiană contemporană, trezeşte reacţii extreme în rândul cititorilor, scoţând la iveală două percepţii total opuse privind imaginea femeii moderne.

Unii o vor considera pe Vibeke (protagonista) o mamă iresponsabilă, nepermis de visătoare şi libertină. În loc să renunţe la propria identitate pe altarul pregătit mamei-cloşcă, aşa cum ar trebui  în viziunea tradiţionaliştilor, Vibeke îşi permite şi momente de trândăveală. Retrasă în baia ticsită cu loţiuni, fantasmează în cadă la privirea inginerului ce-i face ochi dulci în timp ce ea îşi expune proiectele culturale, în noul rol de consilier municipal.

Chiar în timpul unui astfel de moment dedicat răsfăţului personal, în care a neglijat dorinţa fiului ei de-a merge împreună la bâlci, se declanşează evenimentele, ce urmează firul minimalist al romanelor centrate mai mult pe viaţa interioară a personajelor. În spaţii intime şi în decoruri nocturne, Hanne Orstavik lasă detaliile să vorbească în locul faptelor.

Cititorii toleranţi cu “metehnele” femeii contemporane, vor încerca s-o înţeleagă pe Vibeke, prinsă în acea luptă pentru a păstra echilibrul între femeia-mamă-singură, centrată exclusiv pe nevoile copilului, şi femeia-amantă, ce nu se vrea trecută cu vederea şi nu se teme de propriul erotism, în spatele căruia se ascunde o mare foame de afecţiune. Un moment de visare, când mama vrea să rămână singură cu propriile gânduri, devine o breşă în relaţia dintre Vibeke şi Jon, fiul ei. Acesta pune în aplicare, inconştient, un plan de răzvrătire împotriva refuzului ei de a-l duce în parcul de distracţii chiar în ajunul zilei în care va împlini nouă ani, şi merge, în secret, la bâlci.

În timp ce Jon rătăceşte prin zăpadă şi întâlneşte câteva personaje bizare, Vibeke se îndreaptă şi ea către bâlci, fiind sigură că el s-a refugiat cuminte în atmosfera caldă a camerei sale. Noaptea le-a rezervat fiecăruia momente în care să-şi proiecteze nevoia de iubire, visând cu ochii deschişi la ce nu pot avea, deocamdată.

Pentru Jon, afecţiunea capătă imaginea unei mame ce pregăteşte un tort-surpriză pentru ziua lui, măcar atât, dacă tot nu-i poate cumpăra trenuleţul dorit. Încercând să reziste frustrării de a se simţi exclus din anumite clipe în care mama lui vrea să rămână singură cu ea însăşi, Jon apelează la mecanismul gândirii magice, bine activat în copilărie: pleacă de unul singur la bâlci pentru a-i permite lui Vibeke să-i pregătească surpriza, îşi imaginează tot felul de scenarii SF apocaliptice în timp ce rătăceşte în drum spre parcul de distracţii improvizat. La un moment dat caută o încăpere secretă când se plimbă atent prin casa unei fete întâlnite pe drum, apoi începe să deruleze scene din universul cotidian al mamei sale odată ajuns în maşina femeii ce-i oferă prima ţigare.

La rândul ei, Vibeke doreşte să uite de singurătate în mijlocul bâlciului. Asemenea lui Jon, apelează la imagini desprinse parcă din gândirea copilului hrănit cu iluzii. Întâlneşte un bărbat având joburi ce-l predispun la o viaţă nomadă, pe care ea şi-l doreşte într-un scenariu al stabilităţii amoroase. Imaginaţia pusă în mişcare de nevoia de afecţiune, ce ignora posibilităţile oferite de realitate, începe să furnizeze nişte lentile prin care un străin devine un personaj de-al casei în viitorul derulat prin mintea lui Vibeke.

Aventurierul ce-o agaţă la bâlci, apoi o invită la o cafea şi la o seară petrecută în barul oraşelului, primeşte destul de rapid un rol de partener securizant şi, în acelaşi timp, misterios, iar Vibeke apelează la trucurile autoamăgirii de-o noapte, acea noapte în care defectele unui necunoscut pus pe flirturi devin calităţi, datorită închipuirilor. Aici se desfăşoară talentul Hannei Orstavik, ce-i permite să exploreze întregul proces feminin prin care protagonista îşi creează iluziile. Dacă lui Jon îi plac scenariile SF, ea preferă să vadă profunzimi emoţionale, ataşament şi continuitate exact în prezenţa unui bărbat abia întâlnit, pentru care acestea ar fi, probabil, elementele unei lumi paralele.

Iubirepare un film bazat pe întâmplările unei singure nopţi, în care mama şi fiul se îndreaptă spre acelaşi loc. Departe unul de celălalt, urmăresc o singură ţintă – iubirea primită de la Altul, devenită un sentiment căruia fiecare îi dă o altă semnificaţie. Mama şi fiul se caută prin noaptea îngheţată, dar fără să conştientizeze această căutare, pe care o deturnează spre alte destinaţii afective. Fiecare ajunge, în felul său, vulnerabil, şi trece de la tristeţe la speranţa născută din voluptatea aşteptării. În timp ce noaptea are un traseu clar în mintea de adult a lui Vibeke, pentru Jon are deghizări stranii, în care se topesc, rând pe rând, limitele realităţii, încât ajungi să te intrebi dacă persoanele întâlnite de acesta există cu adevărat.

Graniţa dintre periplul său şi cel al mamei nu este bine trasată în structura cărţii, de aceea trecerea de la un pasaj dedicat lui Vibeke la unul în care Jon este urmărit pas cu pas a fost realizat printr-un detaliu-punte, ce se regăşeste atât la finalui unei scene, cât şi la începutul următoarei. Hanne Orstavik tachinează astfel cititorul dornic să afle dacă mama şi copilul se vor întâlni sau dacă Jon se va rătăci.

Hanne Orstavik a scris romanul Iubire în primul rând pentru cititorul răbdător, capabil să parcurgă multe pasaje lipsite de acţiune, în care descrierile stărilor emoţionale şi ale impresiilor sunt lungi precum o noapte scandinavă. În cazul în care te consideri un iubitor al naraţiunii lente, vei fi răsplătit, la finalul romanului, cu discuţii contradictorii legate de greşelile şi calităţile femeii nonconformiste, întruchipate de Vibeke.

imagini: free-images.gatag.net/www.dagbladet.no

Editura Univers, 2012

Interviu Postmodern cu actorul George Costin

0

 

Un interviu cu intrebari si raspunsuri alt fel.

Actorul George Costin a castigat premiul UNITER pentru cel mai bun actor in rol principal in 2013 pentru rolul din Familia Tót la Centrul Cultural pentru UNESCO „Nicolae Bălcescu" Bucureşti. Joaca de asemenea in spectacolele "Ingeri in America" (Teatrul Metropolis), Furtuna", „Scene din viața insectelor" (ambele la Centrul Cultural Nicolae Bălcescu) și în „Dom Juan" (la ArCuB).

Multumim Voila Bistro pentru atmosfera.

Jeune & jolie – tanara si prostituata

0

Tema prostituției nu reprezintă o noutate pentru cinematografie. Cea mai veche meserie din lume este, dimpotrivă, bine reprezentată în filme. Mulți regizori, printre care Fellini, Bunuel sau Godard, au fost fascinați de prostituate. De remarcat că toate târfele (sau majoritatea) din filmele de până în prezent, de la prostituata intelectuală, care se prostituează din plictiseală și curiozitate, la prostituata din obligație și nevoie, sunt adulte sau au cel puțin 20 de ani.

François Ozon, a cărui filmografie este cel puțin variată ca stil și tematică, face un film despre o adolescentă prostituată. Isabelle are 17 ani și, după ce-și pierde virginitatea într-o vară la mare, începe să se prostitueze. Nu din plăcere, nici din lipsă de bani. De fapt, nu ni se face cunoscut motivul din spatele noului ei hobby, iar regizorul nu ne ajută cu prea multe indicii.

Jeune & Jolie este împărțit în cele patru anotimpuri, delimitate de muzica lui Françoise Hardy. Fiecare anotimp are ceva deosebit – vara este anotimpul dezvirginării, toamna Isabelle este cea mai productivă din punct de vedere al noii sale vieți, iarna secretul său este devoalat, iar primăvara Isabelle pare să fi deja renunțat la prostituție (finalul este deschis, însă continuarea ne este insinuată). Din punct de vedere temporal, așadar, filmul urmărește dispunerea cronologică firească; este important să fim martorii evoluției ascendente (sau descendente) a lui Isabelle.

Deși tema filmului invită la scene perverse și explicite de sex, François Ozon recurge la o abordare mai soft. Scenele de sex, destul de puține, nu sunt sordide sau degradante, ci realiste. De altfel, scopul lor nu este de adaptare la un public avid de nud și pornografie, ci de a afișa reacțiile neutre ale Isabellei la partenerii de sex și la act în sine. De asemenea, ea se adaptează dorințelor clienților, le îndeplinește fanteziile, le provoacă plăcere, dar este incapabilă de a simți vreuna. Georges, deși bătrân, este singurul client în raport cu care Isabelle simte o oarecare conexiune. Întâlnirile lor sunt mai tandre, nu mecanice precum celelalte, iar Georges o ajută să descopere plăcerea, intimitatea și erotismul. Tocmai datorită acestei apropieri, decesul lui Georges o dezechilibrează, punând capăt (cel puțin pentru moment) celei de-a doua sale vieți.

Prin intermediul prostituției, François Ozon explorează de fapt adolescența. Această vârstă la care schimbările fiziologice sunt maximale este profund emoțională și hormonală, iar regizorul vrea să evidențieze tocmai acest ultim aspect. Isabelle întruchipează adolescentul în formarea unei identități proprii și în descoperirea propriei sexualități. Iar sexualitatea ei nu se leagă încă de emoție.

Începutul dualității sale se insinuează încă din momentul pierderii virginității, când pe tot timpul actului rămâne placidă, chiar inexpresivă. De altfel, reacțiile sale expresiv-emoționale sunt rare, cu precădere în timpul actelor sexuale, pe care le întreprinde mecanic. De asemenea, nu vorbește foarte mult, întregul personaj Isabelle fiind un mister pentru public și însuși pentru regizor, care nu face decât să o urmărească și să fie cu un pas în urma ei.

După cum afirmam și înainte, motivele comportamentului său nu ne sunt clare. Nu duce lipsă de bani și nici nu are probleme în a supraviețui de pe o zi pe alta. Simte mai degrabă o nevoie viscerală pentru a se prostituia, iar cel mai mult o stimulează riscul, aventura, angajarea în activități ilicite care întrerup monotonia existenței sale. La fel de bine ar fi putut să se apuce de droguri sau să devină anorexică. O altă posibilă cauză ar fi lipsa tatălui biologic, iar perspectivele psihanaliste ar îmbrățișa din plin această ipoteză. Cu toate acestea, nu știm și nici nu ne ajută această informație.

Dualitatea lui Isabelle are repercusiuni și asupra celor din jurul ei – frumusețea și senzualitatea ei, la care se adaugă noul statut de târfă, le provoacă griji femeilor din jurul ei, deși acestea sunt doar în mintea lor.

François Ozon se face responsabil de descoperirea actriței Marine Vacth pentru care Isabelle a fost primul rol principal. Frumusețea ei este mai degrabă misterioasă, fragilă, ne incită și ne face să ne dorim să știm mai multe despre ea. Regizorul o folosește din nou pe Charlotte Rampling, care a apărut în alte filme ale sale, în roluri transgresive, întruchipând femei senzuale, sexuale.

În definitiv, Jeune & Jolie nu este un film exclusiv despre prostituție și nu cade în perversități vizuale și sexuale. Adolescența așa cum o percepe Ozon nu este idealizată. Este o vârstă tranzițională, iar Isabelle este o adolescentă care își mulează propria sexualitate și identitate. Prin prostituție, da.

Divergent – Manualul de distopie, clasa a XIIa

Deși muzica e compusă de Junkie XL, nu prea am avut parte, în timpul acestei ecranizări după un roman de Veronica Roth, de a little less conversation.

Cel puțin trei din probele pe care eroii lui Divergent trebuie să le treacă prilejuiesc rostirea sintagmei You have to face your worst fears. Tris (Shailene Woodley) are frica personajului interpretat de Tippi Hendren în The Birds, în timp ce Four (Theo James) suferă de fobia personajului lui James Stewart din Vertigo. În ceea ce mă privește, și eu am luptat din greu cu proprii mei demoni, unii deloc hitchcockieni: în stânga am avut trei domnișoare care au conversat întruna (de altfel, în ciuda oricărei evidențe, una dintre ele și-a înștiințat telefonic mama că se află în imposibilitatea de a vorbi), în rândul din spate, un anumit crainic radio i se confesa periodic, de la un scaun gol distanță, unei anumite senior editor port.ro, iar în dreapta mea era colega Loredana Ghidarcea, ai cărei cercei zornăitori nu prea obișnuiesc să tacă.

Din drepturile de autor pe fraza Lets get ready to rumble!, prezentatorul american Michael Buffer a câștigat peste 400 de milioane de dolari. Tocmai de aceea, nu înțeleg de ce nu înregistrează nimeni expresiile You have to face your worst fears sau I’mnot gonna let that happen, aceasta din urmă spusă de către un ins protector unei persoane de sex feminin care a fost amenințată cu concedierea, bătaia sau gâdilatul. Sunt sigur că s-ar face bani frumoși din asta.

La cum sunt filmate unele din scenele cu împușcături ale filmului, personajele ar putea la fel de bine să țină în mână, în loc de tradiționalul pistol futurist, un săpun Cheia, un inbus de la IKEA sau o legătură de leuștean: oricum nu se vede nimic.

Oamenii viitorului sunt împărțiți, în filmul lui Neil Burger, în cinci caste. În cadrul unui ritual de trecere destul de primitiv (candidații lasă să cadă un strop de sânge într-un bol), tinerii aleg din ce castă să facă parte. Tris nu prea ar vrea să facă parte din nicio castă, drept urmare, te aștepți să nu aleagă nimic (iar această non-alegere a ei să ducă la izgonirea ei din Chicago-ul utopic cvadri-cameral, undeva unde ar urma să pună bazele unei noi ideologii, cu revoluția ei aferentă). Refuzul ei ar fi însemnat însă ca filmul să fie văduvit de foarte multe scene în care se practică nobila disciplină a parkour-ului, așa că Tris alege facțiunea care îi e ei cea mai simpatică: cea a forțelor de ordine.

Într-o distopie care nu prea e distopie (adică perspectiva unui asemenea viitor nu e chiar atât de înfricoșătoare, doar rotația castelor lasă un pic de dorit), activitatea principală a acestor jandarmi e cățăratul pe clădiri și săritul în și din trenuri în timp ce acestea sunt în mișcare.

Tris are ghinionul de a fi un pic mai complexă decât semenii ei unidimensionali, ceea ce o face divergentă, adică periculoasă. În esență, ea are de suferit de pe urma faptului că e altfel decât ceilalți. Mitului alesului, al celui care, adesea pe fondul unei predispoziții, e chemat de o instanță superioară, indiferent care, pentru a-și mântui semenii (Matrix), Divergent îi opune mitul marginalului, a celui care schimbă fundamental societatea tocmai prin aceea că e diferit, ceea ce probabil că sună destul de bine pentru adepții curentului emo, atâția câți mai sunt, sau pentru hipsteri, definiți tocmai prin opoziția față de majoritate. De fapt, nici nu trebuie să faci parte din vreo subcultură pentru ca Divergent să vorbească pe limba ta, adică pe Neînțeleseză: ajunge să fii tânăr.

Altfel, e interesant că personajele negative fac aproape toate parte din casta Erudiților. Aparent, nici în viitor, inteligența nu va fi din cale afară de cool în ochii celor mulți; noi sărim, nu gândim.

Când Tris o întreabă pe Jeanine (Kate Winslet) dacă e de părere că natura umană e un rău care trebuie combătut, iar aceasta îi răspunde că da, mai mulți spectatori mândri de umanitatea lor au răspuns prompt cu Ooo-uri dezaprobatoare. Pe aceia, îi bănuiesc că ar face și ei parte dintr-o facțiune, dacă nu cumva sunt de-a dreptul roboți.

Din punct de vedere narativ, filmul se blochează undeva la început. Tris trebuie să aleagă o tabără, în ceea ce constituie prima probă a filmului. O dată intrată în facțiunea Neînfricaților, pe aceasta o așteaptă o grămadă de alte probe: primul salt într-un tren în mișcare, primul salt de pe un bloc, prima luptă din ring, Four exersează aruncatul cu cuțite în timp ce ea servește drept țintă și trebuie să stea neclintită, a doua luptă din ring, cucerirea unei redute (capture the flag), prima luptă cu fricile ei, lupta cu fricile lui, a doua luptă cu fricile ei, care e totodată proba finală. Toate aceste probe se întind pe aproape întreg parcursul filmului. În tot acest timp, Tris arată semne de gândire independentă, dar cu măsură. De la alegerea inițială (a intra într-o facțiune), trecând prin încercările ei disperate de a urma această alegere până la capăt (excluderea din facțiune, evitată cu orice preț), Tris nu e niciodată altcumva decât obedientă. Când totuși e rebelă, rebeliunea ei e una prin excelență conformistă, adică regulile care guvernează sistemul nu sunt niciodată puse la îndoială. Sistemul devine fundamental rău doar atunci când oamenii răi dintr-o facțiune încearcă să-i elimine pe oamenii buni din altă facțiune, care se întâmplă să fie cea a părinților ei, ceea ce oricum se întâmplă extrem de târziu, adică în ultima jumătate de oră a acestui film de peste 140 de minute.

Până atunci, toate aceste probe funcționează ca un preludiu prea lung, care nu are cum să nu te piardă pe drum deoarece e clar că, mai devreme sau mai târziu, Tris va chestiona status quo-ul (și cel mai probabil va reuși să-l și schimbe). Explicația expozițiunii imposibil de lungi stă în faptul că filmul nu e, de fapt, un action futurist al cărui act doi începe la final, ci o dramă de liceu cu epilog. S-o fi petrecând Divergent în viitor, dar asta nu schimbă faptul că avem de-a face cu foarte mulți tineri care concurează unul împotriva celuilalt într-o structură de învățământ, cu bullies și aliați, cu profesori buni și profesori răi, cu o zi de absolvire în care cei buni primesc coronița, iar cei răi sunt pedepsiți. Graduation day vine cu puțin înainte de generic, ceea ce e extrem de târziu pentru un SF (și firesc pentru un teenage movie), dar asta nu face din Neil Burger un repetent. Fără să strălucească, filmul său are o calitate cu care nu multe distopii recente se pot lăuda: e ne-penibil.

Ultimele articole