City-break in Timisoara – ce sa nu ratezi

Intotdeauna când ne gândim să evadăm într-un city-break ne gândim la un oraș din afara României, poate Roma, Londra, Paris, Praga. Și nu ne gândim, de exemplu, la Timișoara. Drumul cu avionul este, ce-i drept, la fel de scump ca un zbor într-unul din orașele menționate mai sus, dar asta pentru că se operează de Tarom și nu de o companie low-cost.

Însă, dincolo de acest aspect, toate cheltuielile sunt semnificativ mai mici (cazarea, vizitele la muzee, mâncarea etc). Să luăm în considerare și confortul faptului că ne simțim ca acasă, nefiind nevoie de nicio adaptare culturală la obiceiuri ale locului sau limbă. Dacă mai adaugi și aerul liniștit de oraș de provincie, cu un ritm mai calm, dar și arhitectura foarte reușită a Timișoarei, alegerea acestui oraș pentru city-break devine o opțiune foarte tentantă.

Revenind la transport, pe lângă avion, care cu Tarom costă în jur de 150 EUR dus-întors, ai și opțiunea trenului, care durează însă mult mai mult (10 ore), dar costă în jur de 125 lei la cușetă de 6 persoane și ajunge până la 250 lei la cușetă de două locuri per segment. Adică dus-întors transportul cu trenul poate costa de la 250 lei până la 500 lei la cușetă de persoană, în funcție de opțiunea aleasă.

Cazarea nu e fantastică în Timișoara, din ce-am experimentat noi: Hotel Continental (****) – la 75-95 EUR cameră dublă pe noapte cu micul dejun inclus – și Hotel Boavista (***) – 40 EUR cameră dublă pe noapte cu micul dejun inclus. Primul este curat și decent ca spațiu oferit, dar un pic prăfuit, în timp ce al doilea are dotări destul de ieftine și, în ciuda curățeniei, are un miros neplăcut impregnat în cameră. Mărturisim că nu ne-am documentat cu foarte mare atenție înainte de a face rezervările, cu siguranță dacă vreți ceva peste Continental sau Boavista veți găsi. Am primit de la timișoreni odată ajunși acolo ca recomandare Hotelul Boutique Casa del Sole, dar nu l-am încercat ca să vă spunem cum ni s-a părut.

 

1. Nu rata Piața Victoriei-Libertății

Ajunși la Timișoara ce poți face? Noi îți recomandăm în primul rând să dai o fugă în piața Victoriei. Este zona unde se întâlnesc cu predilecție timișorenii pentru a se plimba și pentru a sta la discuții la cafenelele care se află de o parte și alta a pieței.  Spațiile sunt foarte largi, e multă verdeață și vei lua primul contact cu arhitectura tipic timișoreană: clădirile sunt foarte influențate de art nouveau, dându-le un aer visător, parcă mai chic și subtil decât clădirile tipice din Transilvania, care sunt un pic mai greoaie și sobre. Dacă îți vei plimba privirea pe clăriri, vei descoperi detalii foarte interesante în același stil art nouveau.

Recomandari pentru weekend-ul 11 – 13 aprilie

Weekendul acesta se anunţă plin. Must see & go: expoziţia Otto Dix, cele două concerte şi festivalul Cinepolitica. Aşteptăm impresii de la evenimente.

În cinematografe va fi lansată animația Rio 2. Filmul prezintă continuarea poveștii lui Blu și Jewel care își părăsesc pentru moment viața din Rio de Janerio pentru a porni într-o expediție în jungla amazoniană. Anne Hathaway, Jesse Eisenberg, Leslie Mann, Rodrigo Santoro, George Lopez și Jamie Foxx fac parte din distribuția filmului.

Cea de-a doua premieră cinematografică a săptămânii este Sabotage, filmul care îl readuce în prim plan pe Arnold Schwarzenegger. Pelicula prezintă povestea unei trupe de elită din cadrul Agenției Americane Antidrog, care primește o misiune-capcană ce conduce la asasinarea, rând pe rând, a membrilor trupei. Poţi citi recenzia noastră aici.

Pe parcursul acestui weekend are loc și Festivalul Internațional de Film CINEPOLITICA, dedicat scurtmetrajelor și lungmetrajelor cu tematică predominant politică. Filmele aduc în discuție probleme globale, controverse și decizii trecute care au influențat semnificativ cursul istoriei. 

Când vine vorba despre muzică, weekend-ul acesta îți recomandăm concertul de post-rock / ambiental God Is An Astronaut sâmbăta aceasta în Club Fabrica. God Is An Astronaut este una dintre cele mai intense și creative trupe de post-punk la nivel internațional, în prestațiile lor live, combinând muzica cu efecte vizuale complementare puternice. Prețul unui bilet este 35 de lei pe www.myticket.ro  sau 40 de lei la intrare, în seara evenimentului.

Tot sâmbătă, la Hard Rock Cafe va concerta Iyeoka, cântăreața americană de neo soul și funk jazz. Stilul ei muzical combină elemente R&B, soul, rock, hip hop și jazz cu versuri ale poeziilor sale. 

Cei care vor să aleagă teatrul trebuie să ştie că  piesa Fata din curcubeu, un spectacol ce cuprinde mărturisirile unei prostituate (Tania Popa) care isi expune întâmplările pornind din copilarie, până la întâlnirile clandestine cu clienții, se va juca vineri, de la ora 20:00, la Teatrul Național București (Sala Mică).

Tot vineri, de la ora 19:00, la Teatrul ACT poți urmări spectacolul Cont(r)ACTe. Piesa prezintă povestea Emei, o tânără absolventă, care descoperă la puțin timp după angajarea într-o multinaţională. 

Și la Unteatru, sâmbătă de la ora 19:00 se va juca piesa Poezia Visului semnată de Miriam Răducanu, al cărei singur protagonist este interpretat de Lari Giorgecu. Spectacolul îmbină poezia lui Emil Botta și muzica lui Franz Schubert cu artă teatrală.

În piesa Cel mai frumos roman din lume o scriitoare aflată în pană de inspirație este analizată de un psihiatru excentric. Sub aparenta acestei ședinte de terapie cele două personaje se unesc într-un joc al creației în care noi planuri ale realității se împletesc. Poți urmări spectacolul, duminică, la Unteatru de la ora 19:00.

Pentru acest weekend la categoria artă plastică îţi recomandăm expoziția de gravuri și litografii ale artistului Otto Dix, unul dintre cei mai importanţi reprezentanți ai noului obiectivism german, deschisă la Muzeul Național de Artă. Expoziția este deschisă între orele 10:00 si 18:00, iar tariful de intrare este 4 lei.

Dacă vrei să te relaxezi în buzz-ul unui târg tradiţional, printre produse autentice ţărăneşti, Târguri de Florii se vor deschide vineri la Muzeul Țăranului Român și la Hanul lui Manuc. Vei găsi obiecte realizate de meșteri populari, podoabe și artefacte din diferite zone ale țării, dar și diverse preparate culinare și dulciuri pentru toate gusturile. Biletul de intrare pentru târgul de la MȚR este 4 lei, iar pentru elevi, studenți și pensionari este 2 lei, iar pentru târgul de la Hanul lui Manuc biletul costă 10 lei, dar poate fi folosit ca voucher de cumpărături.   

Fetitele. Rude sarmane – Papusarul necrutator

Când scrie proză scurtă, Ludmila Uliţkaia se dovedeşte a fi un păpuşar camaleonic. De la ironia necruţătoare la compasiunea reţinută este doar o schimbare de perspectivă în galeria portretelor care, dintr-un anumit unghi, par inocente şi neajutorate, din altul, parşive şi crude.

Totuşi, au în comun o trăsătură: abilitatea de a regiza nişte ritualuri prin care obţin ceea ce îşi doresc, fie că apelează la umilinţă, intrigi sau tachinări intimidante. Volumul de povestiri Fetiţele. Rude sărmane surprinde două ipostaze: trecerea de la copilărie la adolescenţă (Fetiţele) şi de la pierderile din perioada adultă la resemnarea anevoioasă din ultimii ani de viaţă (Rude sărmane). Pe lângă tabloul vârstelor în Rusia stalinistă, Ludmila Uliţkaia mai surprinde o trecere: de la tihna mic-burgheză la degradarea omului în mahalaua postbelică.

Personajele autoarei sunt expresive, când melancolice şi visătoare, când schimonosite de ură, ca ultim stadiu al deznădejdii. Ceea ce te va impresiona este dorinţa nemiloasă de a-şi abandona protagoniştii în mijlocul dramelor izbucnite din întâmplări banale sau din premeditarea perversă începută cu lupta pentru putere din timpul jocurilor copilăreşti, nu înainte de a le bloca toate căile de ieşire din urzeala sumbră.

Schimbarea tonului afectiv din a doua parte a volumului este bruscă. Citind Fetiţele, întâlniţi o Ludmila Uliţkaia plină de luciditatea rece a observatorului capabil să asiste la pulsaţia vitală din curtea şcolii fără a schiţa simpatia faţă de inocenţa copilăriei sau indulgenţa pentru autorii unor şicane şi farse “nevinovate”. Dimpotrivă, Uliţkaia se detaşează asemenea unui cercetător obsedat nu de umanitatea ridicată la nivelul reflecţiilor, ci de aglomerările de instincte, orgolii, rivalităţi, lupte pentru supremaţie.

Fetiţele arată partea nevăzută a copilăriei, umbrele din spatele surâsurilor şi mugurii acţiunilor ce vor împărţi, mai târziu, oamenii în tabere: cea a sadicilor, a dependenţilor emoţionali, a despoţilor, a viclenilor, a mărinimoşilor. Imitându-i pe biologii care divid viaţa în specii bine definite, între prădători şi exemplare vulnerabile, între supravieţuitori inventivi şi perdanţi incurabili, Ludmila Uliţkaia le refuză copilelor din povestirile ei salvarea nuanţelor, a ieșirii din categoria unde ajung să fie captive. Refuzul de a le oferi o evoluţie de natură umanistă îţi aminteşte de acel Gogol nemilos din prozele Mantaua şi Însemnările unui nebun.

Dacă jocurile psihologice puse la cale de inocentele eleve ce au fost învăţate să îl iubească pe Stalin te-au şocat, portretele din Rude sărmane te înduioşează, aducând o brumă de umanitate peste cioburile ascuţite lăsate în urmă de copilăria spartă într-un acces de revoltă demitizantă împotriva drăgălăşeniei, care nu ţine cu oamenii săraci de la periferia moscovită. Personajele din Rude sărmane îşi adună fleacurile prin care îşi peticesc existenţa după naufragiul în mahalaua dezolantă. Îndură lipsuri, înjosiri sfâşietoare şi orizonturi închise, dar au o putere supraomenească de a le căra în spate şi de a ocoli un final dezumanizant, amintind mai mult de personajele din povestirile scrise de Shalom Alehem şi Danilo Kis.

Indiferent de temă, povestirile scrise de Ludmila Uliţkaia sunt apreciate mai ales de acei cititori dornici să detecteze pasajul ascuns ce duce spre partea subterană a fiinţei, unde zace un rău nedefinit, izvorât din instinct sau din angoase, care nu se dezlănţuie ostentativ, ci şerpuieşte în tăcere prin cotloanele sumbre ale fiecărui personaj.

Fargo

Un remake al lui Fargo? De ce nu? Produs chiar de frații Coen, cu o adaptare lejeră a scenariului de Oscar și prezentat sub forma unui serial de 10 episoade, Fargo se anunță interesant.

Lorne Malvo (Billy Bob Thornton Jayne Mansfield's Car, Parkland) prototipul vagabondului, își stabilește cartierul general în Bemidji, Minessota, unde tendințele lui criminale se fac curând remarcate. Influența lui Malvo se resimte mai ales în persoana agentului de asigurări Lester Nygaard (Martin FreemanSherlock), bazat pe personajul interpretat de William H. Macy în filmul original.

În serial apar și Colin Hanks (Band of Brothers, Dexter), Bob Odenkirk (Breaking Bad și spin-off-ul Better Call Saul) și Kate Walsh (Grey's Anatomy).

Interviurile PostModern – Cand se lasa jazz-ul peste Bucuresti, discutam cu Michel Portal

A spus inițial că interviul va dura 10 minute…s-au făcut 40, pline de o energie incredibilă, de o modestie ieșită din tiparele celebrității și de improvizații muzicale inserate savuros în cursul discuției. Chapeau, maître Portal!

Considerat unul din părinții jazz-ului modern francez, compozitor, saxofonist, clarinetist și maestru al improvizației, Michel Portal a susținut un mega recital în cadrul festivalului Jazz in Church, la Biserica Luterană weekendul trecut. Ajuns la vârsta de 79 de ani,  maestrul a acceptat o întâlnire cu echipa PostModern, într-o pauză din sesiunea de shopping bucureștean: ceramică românească și CD-uri cu Dinu Lipatti.

 

Despre București

 

Michel Portal: Prima vizită mai lungă despre care îmi amintesc s-a petrecut acum patru ani. Am mai vizitat în treacăt Bucureștiul în cadrul turneelor din Europa de Est, dar nu am reținut foarte multe detalii. Bucureștiul mi-a creat senzația unui oraș care vibrează pe prea multe frecvențe simultan. Este un oraș care își caută încă vocea și stilul. Sunt foarte multe clădiri frumoase aici, vechi și pline de personalitate care se pierd într-un melanj cosmopolit bizar. Moda uniformizează și șterge de pe harta stilului orașe precum București – riscăm să trăim într-o lume de copii – după Paris, după Berlin etc.

 

Despre locurile în care cântă

 

Michel Portal: Pentru mine nu este atât de important locul în care are loc concertul. Poate fi vorba despre o imensă sală de spectacole, de un stadion, de o catedrală sau de o cafenea cu câteva mese – ceea ce contează cu adevărat pentru mine este conexiunea pe care o simt cu spațiul respectiv. Dacă mă simt în largul meu și îmi găsesc inspirația, pot să improvizez muzică de calitate și asta mă face mulțumit.

Singurele probleme care pot apărea atunci când vorbim despre un spațiu neconvențional sunt legate de acustică – într-o biserică anumite sunete pot rezona deranjant – sau legate de temperatură. Revenind la legătura dintre anumite sonorități și potrivirea lor cu unele locații, am considerat întodeauna muzica lui Mozart extrem de potrivită pentru un recital într-o biserică. Ceva din solemnitatea și totodată puritatea celor două se îmbină minunat.

 

Despre muzică

 

Michel Portal: Creierul unui muzician se aseamănă foarte mult cu un computer – în el stau amestecate multe stiluri, multe ore de audiții, multe piese în diferite interpretări și reinterpretări, arii noi și vechi. Unele dintre aceste bucăți muzicale ajung să te obsedeze pentru mult timp, îți stăruiesc în gând și se transformă continuu. În capul unui compozitor este mereu muzică. Eu, deoarece improvizez pe scenă, încerc să păstrez zonele sonore care mă inspiră într-un cadru septic, puțin influențabil la orice stimul nou.

 

Despre inspirație

 

Michel Portal: Am descoperit acest lucru pe parcursul timpului – inspirația nu vine la comandă. Dacă ești obosit, trist, tracasat, sunetele se inhibă și atunci trebuie să recurgi la artificii tehnice, fapt care nu mă mulțumește. Noi, francezii, avem o vorbă : Tot ce e nou, e frumos (n.a – Tout nouveau, tout beau) și acest lucru este aplicabil și în muzică. Mă inspiră emoția primului contact cu o persoană nouă, un loc nou, o situație pe care nu am mai trăit-o. De aceea și pe scenă caut mereu noi colaborări, noi artiști care să mă scoată din zona de confort și care să îmi stimuleze creativitatea.

 

Despre muzica de film

 

Michel Portal: A existat o perioadă în viața mea când m-am simțit teribil de obosit de tot ceea ce presupune viața între două spectacole – multe drumuri cu avionul, multe orașe, multe țări într-un timp foarte scurt. Energia mea era la pământ și tot ce doream era să stau locului. Mi s-a propus atunci să fac muzică pentru filme și mi-am spus că merită încercat. Era un nou vocabular muzical cu care puteam experimenta.  Procesul de creație este diferit: pornești de la o imagine, de la o descriere, un scenariu și acel moment îți inspiră o anumită secvență sonoră. Spre exemplu, vezi o fată la fereastra unei clădiri albastre. Ar fi ridicol să-i asociezi acestui cadru o secvență de jazz (n.a – începe să fredoneze un solo energic de trompetă). Și atunci trebuie să gândești diferit și asta m-a atras cel mai mult.

 

Despre modă și timpuri

 

Michel Portal: Vin de la Muzeul Enescu, neschimbat de la ultima mea vizită, un loc superb, dar în care oamenii nu se înghesuie. Nu mai este la modă. Pățesc același lucru dacă inserez în repertoriul meu muzica lui Enescu – este frumoasă, mi se spune, dar publicul nu o cere. Traversăm o perioadă de criză în toate domeniile artistice, în care, din păcate, singura măsură a succesului a ajuns să fie dorința publicului. Dacă mergi într-un magazin de muzică, te sperii – ești înconjurat de teancuri de CD-uri, care, până la ora prânzului se dublează. Se produce masiv, tehnologia a simplificat totul – poți face remixuri cu Orchestra Sălii Radio din București și cu o fată din Bucovina care cântă o doină veche fără să te miști un centimetru din studioul tău de înregistrări din Paris.

Revenind, dacă îi vei cere vânzătorului din magazinul de cd-uri să-ți recomande ceva, vei primi cel mai firesc răspuns: Habar nu am! Nu am timp să ascult tot ce primesc, deci nu mai ascult deloc!

Borgman – soc, groaza si mult umor

0

Dacă te-ai plictisit de filmele obișnuite și te-ai săturat de frustrarea de a anticipa pașii următori ai scenariului, atunci trebuie să vezi Borgman.

Nu știi dacă e comedie sau dramă, nu înțelegi motivațiile personajelor și pretenția unei legături de cauzalitate logică este absurdă. Tocmai pentru că este atât de neașteptat și de misterios, Borgman este în același timp o revelație dar și o frustrare, pentru că te scoate din pasul de dans știut și te lasă fără repere.  Te vei trezi pufnind în râs atunci când vei vedea că orice anticipare de scenariu pe care o vei încerca îți este fentată.

Dacă vrei însă să te aventurezi în această experiență, oprește-te aici cu lectura, pentru că urmează spoilere. Dacă nu intenționezi să-l vezi, dar ești curios ce se întâmplă în acest film căzut în cap, continuă lectura (deși nu vei înțelege cu adevărat nebunia lui decât atunci când îți vei face timp să îl vezi).

Dacă ai putut suporta (sau chiar ți-a plăcut) Funny Games al lui Haneke, atunci s-ar putea să poți rezista și lui Borgman, filmul olandezului Alex van Warmerdam. Dacă în Funny Games torturile psihologice și fizice erau evidente, în Borgman, deși știm autorii, mecanismele prin care fac rău sunt vagi, ținând cel mult de sfera ocultismului.

La început, filmul poate trece drept o comedie; ni se relevă locuințele subterane ale unei găști aparent conduse de Camiel Borgman, un bărbat cu înfățișare de boschetar, hăituite de trei bărbați cu puști, printre care un preot. Locuitorii subterani se sustrag pericolului, iar Camiel pornește în căutarea ospitalității burgheze. Tot ce dorește de la cetățenii superiori socio-economic este permisiunea de a face o baie, pentru că se simte murdar. În cele din urmă, prin mecanisme subtile, care ne scapă, reușește să se strecoare în casa Marinei și a lui Richard, după ce este bătut și însămânțează o dispută între soți.

Marina și Richard au o familie și o casă perfecte, peste care planează spiritul de high-class occidental. În mod surprinzător, Marina îl acceptă pe Borgman, îl primește în casa de vară a familiei, îi dă un deget, dar Borgman îi ia toată mâna – de la simpla îngrijire a rănilor provocate de soțul ei, ajunge să îl hrănească și să îi permită să facă baie zilnic. Ca în 3-Iron (Kim Ki-Duk), Borgman se strecoară în casă, se sustrage atenției soțului, singurii conștienți de prezența lui fiind Marina, copiii și bona.

Jocul lui Borgman trece la un nou nivel: aspirațiile lui de a sta la masă împreună cu toată familia, de a nu mai fi ascuns par cel puțin ambițioase și stranii. Cu ajutorul echipei lui scapă de grădinar (și de soția acestuia) și revine la Richard sub o altă înfățișare: un aplicant serios pentru postul de grădinar, care are viziuni îndrăznețe legate de grădina casei. De aici, după ce răul este introdus în mod oficial și transparent în casă, evoluția întregii familii este descendentă.

Treptat, secta pe care o conduce se strecoară sub diferite roluri în locuință și ajunge să o împânzească. Toți membrii familiei intră în sfera aurei malefice pe care o emană această grupare, inclusiv Richard, dovedindu-se a fi cel mai ușor de păcălit. Totodată, ne scapă mecanismele prin care acționează acești intruși. Hipnoză, magie, telepatie, droguri sunt doar câteva ipoteze. Ideea e că în final jocul le iese și eu sunt devine noi suntem.

Din punct de vedere vizual, filmul nu trece drept unul foarte violent. Singurele scene cu adevărat șocante sunt cele în care observăm metoda de operare a grupării: cadavrele sunt îngropate în apă, cu capul într-o găleată de ciment. De asemenea, din punct de vedere narativ, Borgman este un film convențional. Povestea este narată în ordine cronologică, iar pe măsura evoluției acesteia misterele și tensiunile se acumulează.

Regizorul nu are pic de milă față de spectator: nu ne oferă niciun indiciu cu privire la malefic; în definitiv, putem fi scuzați dacă vom trage concluzia că secta Borgman este de fapt o mascaradă.

Cu note puternic ironice, Borgman poate trece drept ruda apropiată a Funny Games, însă o rudă mult mai provocatoare și intolerantă.  

Sabotage – Ultraviolenta cu pseudoArnold

0

Primele două scene ale lui Sabotage ne introduc fără preambul în atmosfera seratelor video de odinioară: o femeie e torturată, apoi suntem martorii unei petreceri în care niște personaje despre care e clar că sunt negative par a fi de origine arabă.

Pe parcurs, promisiunile politically incorrect se dovedesc false. Filmul are un scenariu relativ coerent, cu replici cât de cât credibile, cu obiecte care sunt distruse și cu corpuri care mor potrivit legilor fizicii. În principiu, nu-i nimic în neregulă cu asta, doar că Sabotage e un shoot’em up cu Arnold Schwarzenegger în rolul principal, și încă unul extrem de dezamăgitor pentru fanii actorului de origine austriacă. Anii ’80 s-au dus demult. În loc să-i readucă la viață cu un film old school, regizorul și scenaristul David Ayer (End of Watch) preferă să semneze un film de acțiune comme il faut în Hollywood-ul de azi, dar cu un Arnold la 66 de ani, ceea ce nu prea văd pe cine ar trebui să intereseze.

Reușită sau nu, seria Expandables exact asta era, un film optzecist care se întâmplă să fi fost filmat în a doua decadă a anilor 2000. Pe de altă parte, un titlu precum recentul The Last Stand exploata mitul schwarzeneggerian nu fără autoironie, ba chiar și cu ceva duioșie. Vârsta lui Arnold și faptul că acesta se întorcea într-un peisaj cinematografic ale cărui blockbustere nu mai au nimic în comun cu filme ca Predator sau Commando, adică tocmai ceea ce ar fi putut reprezenta punctele slabe ale filmului, erau scoase în față, în loc să fie ocultate. Fostul guvernator al statului California interpreta un șerif în pragul pensiei în filmul lui Kim Jee-woon, adică un personaj cum nu se poate mai anacronic, în America de azi. În același timp, faptul că un actor născut în Austria, cu cetățenie austriacă și cu o dicție imposibilă până în ziua de azi juca un asemenea rol reprezenta o repunere în discuție a însuși conceptului de americanism (ceea ce nu înseamnă că filmului îi lipseau testosteronul și catchphrase-urile ca pe vremuri).

Or, în acest film care arată ca și cum a fost montat cu un topor bont, la concurență cu prepozițiile și conjuncțiile, cuvântul cel mai utilizat trebuie că este fuck, însă deși insulte concepute cu migală de echipa de scenariști Ayer/Skip Woods există din belșug, nu avem în Sabotage nicio replică memorabilă. John Wharton (A. S.) tace și le face (și le face atipic, adică tot nememorabil), fără să zică nicio frază care să-ți rămână în cap la ieșirea din cinema. În debutul filmului, soția lui John e ucisă de membrii unui cartel de droguri sud-american. John face apoi tot ce-i stă în puteri pentru a-și apăra colegii din echipa sa de intervenție rapidă, ceea ce prilejuiește, printre altele, un moment nostim în care Terminatorul de altădată ține un discurs motivațional de director de sucursală din care nu lipsește îndemnul Suntem o echipă!. La final, John își răzbună soția.

Pe parcurs, aproape niciodată nu avem sentimentul că urmărim parcursul unui vigilante. Răzbunarea nu e niciodată o prioritate pentru John, mai toate eforturile sale fiind îndreptate în direcția păstrării coeziunii echipei sale. Când colegii săi încep să moară, unul câte unul, eroul nu e filmat în prim plan, cu trabucul în gură, rostind o replică precum I’ll kill the son of a bitch, ci, cu fiecare nouă victimă, predică resemnarea: asta e, trebuie să ne vedem de ale noastre. Când în sfârșit încearcă să-și răzbune camarazii, unul din negativi moare nu de mâna lui, ci într-un accident de mașină, iar celălalt e executat sec, cu un glonte în cap: totul durează aproximativ jumătate de minut. Nu doar că personajele din anii ’80 ale lui Arnie nu s-ar fi mulțumit cu un simplu executant, ci ar fi șters de pe fața pământului întreg cartelul, dar ar fi făcut-o în stil mare. Spânzurat de palele unui elicopter în mișcare, șeful cartelului ar fi scăpat ușor; aici, un găinar e împușcat în cap și gata.

E cel mai violent film pe care l-am văzut vreodată cu Arnold Schwarzenegger (și cred că le-am văzut pe toate), are un turnir automobilistic, are scene de comando, are o căruță de victime. Sabotage e big, dar nu are balls.

Acorda-mi acest vals – One-hit wonder

Sunt o carte. Ficţiune pură, avea să declare, flirtând, Alabama, un alter-ego al Zeldei Fitzgerald, cunoscută, din păcate, datorită rolului de soţie petrecăreaţă a unui mare autor, mai puţin ca dansatoare, pictoriţă şi, înainte de toate, scriitoare promiţătoare.

Citindu-i singurul roman, scris în şase săptămâni, vei avea impresia că stai chiar în faţa Zeldei însăşi, atât de puternică este asemănarea cu protagonista, care păstrează numele statului american unde s-a născut partenera lui F. Scott Fitzgerald. Deşi nu este scris la persoana I, Acordă-mi acest vals creează iluzia unei destăinuiri, prin care vei deveni complicele unei prezenţe feminine acaparante datorită acelui amestec de îndrăzneală adolescentină, senzualitate devoalată prin ironii cu tâlc şi capitulare amânată în jocul ademenirilor ce însoţesc primele confirmări ale feminităţii în ochii celorlalţi.

Cititorii sătui de imaginea strălucitoare a celei mai populare soţii de scriitor din anii nebuni ai Erei Jazz, când faima se câştiga numai prin replicile spumoase precum şampania de la petrecerile oferite de Gatsby, au o singură întrebare. Merită Zelda-scriitoarea interesul iubitorilor de literatură, sau redescoperirea manuscriselor şi a picturilor ei cu iz de avangardă pariziană sunt doar urme lăsate de ifosele unei mondene ce nu mai suporta umbra soţului? Indiferent de opinii sau critici, nu îi poţi nega talentul de a observa tocmai acea umanitate întinsă între doi poli: feminin-masculin, tradiţionalismul din sudul Statelor Unite şi libertinajul cosmopolit din New York, femeia supusă normelor şi o flapper girl neruşinată. Acordă-mi acest vals poate fi considerat jurnalul camuflat în ficţiune a unei femei scindate între valorile unei societăţi ce nu s-a dezobişnuit să împartă lumea în contraste.

Atentă la cele mai mici zvâcniri contradictorii din personalitatea celor din jur, lăsată pradă exuberanţei senzualiste oferite de lumea trecută prin filtrul vizual, melancolică în secret, fragilă şi înzestrată cu arta unui sarcasm seducător, această Zelda-artistă deghizată în tânăra Alabama este un spectacol în sine. Pasionată de balet, dar prea “bătrână” pentru a-şi urma vocaţia, se vede prinsă în capcana femeii născute pentru a trepida continuu, prin senzaţii amplificate, în faţa imaginilor oferite de lumea din jur, dar fără a putea intra vreodată în lumea artiştilor.

Deşi talentată, sensibilă până la prăbuşirea interioară, Alabama este un foc viu obligat să umple numai şemineul frumos decorat din camera unor mondeni risipitori. Călătorește alături de partenerul ei prin Europa, iar pentru cei din jur nu reuşeşte să fie mai mult decât o companioană ispititoare şi o voce provocatoare ce irumpe în replici otrăvitoare chiar în mijlocul discuţiilor purtate de soţul ei, pictorul David (creat dupa chipul şi asemănarea lui Scott Fitzgerald).

Mamă chic, în ochii lui Bonnie, fetiţa ei, irezistibilă consoartă dezordonată, în ochii soţului artist, o fiică rebelă, în ochii tatălui ei, renumitul judecator din Alabama, şocat de numărul decoraţiilor capturate de aceasta la întâlnirile cu militarii seduşi. Protagonista romanului va oscila mereu între visătoarea din sud, care, după modelul lui Scarlett O’Hara, se vede copleşită de imaginea unui singur bărbat, în ciuda mofturilor cu pretenţii de cochetărie, şi femeia emancipată a marilor oraşe, unde morala este fluidă şi egoul subţire precum nişte pahare de cristal sparte în transa unei petreceri nebuneşti. Aceasta este imaginea Zeldei ascunse în Alabama, care, prin replicile pline de umorul deznădăjduitei ce preferă cuvintele usturătoare autocompătimirii, îţi va rămâne în memorie, fie că o placi sau nu.

Deşi este bântuit de prezenţa Zeldei, greu de ignorat, romanul nu are tonul dramatic al unei nefericiri. Este mai degrabă o galerie de imagini ale huzurului moleşitor din vara petrecută în sudul Franţei sau ale oraşelor încărcate, cum erau New York-ul sau Parisul cotropit de Hemingway şi Miller. Scriitura este picturală, Zelda fiind înzestrată cu acel talent rar de a transforma orice clipă sau decor urban într-o dilatare senzorială, imortalizată sub forma unui desen. Proza ei vobeşte cel mai bine despre visul neîmplinit de a deveni pictoriţă. Te vor impresiona descrierile nopţilor pariziene, ale siluetelor obosite, şi emoţiile trezite de corpul supus caznelor din timpul repetiţiilor pentru spectacolul de balet.

Citind Acordă-mi acest vals, roman scris în mediul auster al unui ospiciu din secolul trecut, vei fi tentat să-ţi imaginezi cum ar fi arătat evoluţia în plan artistic a Zeldei, dacă nu s-ar fi născut în conservatorul stat Alabama, atat de bine simbolizat de un tată rigid, ci în Parisul Tamarei de Lempicka şi al cuplurilor de artişti formate după modelul Anais Nin-Henry Miller.

Probabil, Zelda Fitzgerald ar fi strălucit datorită personalităţii efervescente şi a sensibilităţii devenite arma femeii cizelate. Profunzime avea, spiritul de observaţie îi era un bun aliat, iar analiza psihologică era consistentă, după cum dezvăluie chiar primele pasaje ale romanului, unde acea descriere a tatălui sobru prevesteşte drama femeii-artiste din perioada interbelică, mereu divizată între confortul oferit de protecţia masculină şi drumul incert al unei libertăţi volatile.

 

Recomandari pentru weekend-ul 4-6 aprilie

Agenda sfârșitului de săptămână cuprinde noi concerte, piese de teatru, premiere de film și o expoziție. În plus, weekend-ul acesta ești invitat să iei parte la experiența cinematografică oferită de noua ediție a Festivalului Internațional de Film NexT.

A Long Way Down este o dramă care va avea lansarea vinerea aceasta. Filmul este o nouă ecranizare, după Fever Pitch, High Fidelity și About A Boy, a unui roman scris de Nick Hornby. Povestea urmărește patru oameni care aleg același bloc pentru a-și pune în aplicare planurile sinucigașe. Personajele principale sunt interpretate de Pierce Brosnan, Toni Collette, Aaron Paul (Breaking Bad) și Imogen Poots (Jane Eyre, Filth).

De asemenea, Captain America şi distracţia cinematografică în stil Hollywood revin pe marile ecrane începând cu acest sfârșit de săptămână. La doi ani de la evenimentele din The Avengers, Steve Rogers este implicat într-o situație misterioasă ce pune în pericol siguranța globală. Chris Evans, Scarlett Johansson și românul Sebastian Stan se regăsesc în rolurile principale.

Pe parcursul acestui weekend se desfășoară și cea de-a 8-a ediție a Festivalului Internațional de Film NexT. Pe lângă competiția internațională, care anul acesta cuprinde 26 de filme, și secțiunile deja consacrate, festivalul vine anul acesta cu programe și secțiuni noi, printre care una dedicată cinematografiei româneşti. Programul evenimentului este disponibil aici.

La capitolul muzică, weekendul include ediția a 2-a a Festivalului Jazz in Church desfășurat la Biserica Luterană. Printre artiștii invitați se numără Irene Schweizer (pian – Elveția) și Pierre Favre (tobe, percuție – Elveția). Una dintre suprizele festivalului este proiectul muzical prezentat în premiera de britanicul Ambrose Field pentru vocea lui John Potter, susținută de un cvartet de coarde.

Sâmbătă, de la ora 21:00, în Fabrica are loc concertul trupei Jaya The Cat, a căror muzică este rezultatul unei combinații interesante între raggae și punk. În deschidere vor cânta Hefe și Mike (din California), Pistol cu Capse și Basska, iar atmosfera de la after party va fi asigurată de Selector Lazy Face (Jamaica Air Force Radio Show din Sofia, Bulgaria). 

În ceea ce privește teatrul, weekend-ul acesta se joacă piesa Dumnezeu iubește, regizată de Ioana Petre, care se va juca la Teatrul Bulandra și spune povestea a patru rusoaice care se intersectează în salonul unei maternități.

De asemenea, vineri și sâmbătă, de la ora 19:00 la Unteatru, poți urmări spectacolul Blackbird după un text de David Harrower. Piesa prezintă reîntâlnirea dintre o fată de 27 de ani și un bărbat trecut de 60 de ani, care a abuzat-o cu ani în urmă. Până la final, spectatorii sunt liberi să decidă cui aparține, de fapt, vina.

Sâmbătă și duminică la TNB se joacă piesa Revizorul, o adaptare contemporană a textului omonim al lui Gogol, semnat de Felix Alexa. Un primar corupt și acoliții săi intră în stare de alertă când se răspândește vestea că un revizor din Capitală le va face o vizită ’’sub acoperire”. Distribuția îi cuprinde pe Marius Manole, Mihai Constantin, Ana Ciontea, Irina Movilă, Claudiu Bleonț și Mihai Calotă, iar pe coloana sonoră se regăsește Lacul Lebedelor de Ceaikovski și Lacrimosa lui Mozart.

La Teatrul Act, duminica aceasta, are loc piesa COCKOȘI de Mike Bartlett, în regia lui Horia Suru. Spectacolul prezintă relația de lungă durată a unui cuplu gay și descrie eșecul despărțirii acestora. În 2010 piesa a câștigat premiul Laurence Olivier, cea mai importantă distincție britanică de profil, iar în scurt timp a fost montată și pe Broadway.

De curând s-a deschis o nouă expoziție la Galeria IX, care găzduiește o retrospectivă a mișcărilor de stradă din toamna lui 2013. Expoziția include instalații foto și video, muzică, live act și DIY promo. Participanții sunt încurajați să vină cu propriile bannere, pancarte și lucrări artistice legate de protestele din toamna anului trecut.  

Dansul realitatii – Memoria, cea mai buna fictiune

Mulţi dintre cei care au văzut iconicele Muntele Sacru sau El Topo şi-au dorit revenirea lui Alejandro Jodorowsky, cel care a transformat cinematografia într-o purtătoare de simboluri şi arhetipuri reinterpretate. Anul 2013 a însemnat o reîntoarcere spre rădăcinile marelui regizor, puternic impregnate de realismul magic altoit cu viziunea transgeneraţională. Ultimul său film, Dansul realităţii, a fost prezentat şi la B-IFF, în prezenţa actorului din rolul principal, nimeni altul decât fiul regizorului.

Răspunzând la întrebările publicului, Brontis Jodorowsky a făcut lumină în universul artistic al tatălui său, dezvăluit într-o notă intimă. Scenariul a fost creat după cărţile semi-autobiografice scrise de Alejandro Jodorowsky. Acesta dezvăluie o copilărie marcată de imaginea unui părinte autoritar, într-o societate machistă, sufocată de teroarea instaurată de preşedintele Ibanez şi de sărăcie. Un film atipic în cariera lui Jodorowsky, Dansul realităţii este mai puţin ermetic, dar păstrează aceeaşi forţă a simbolurilor puternic vizuale, ce scot la iveală angoasele umanităţii, tabuurile şi evadarea spirituală. Ţinând cont de pasiunea regizorului pentru misticism, dramaturgie şi lumea inconştientului (doar s-a format în spiritul avangardei franceze, puternic ancorată în psihanaliză), filmul poate fi considerat o formă de art-terapie mascată, prin care s-au exorcizat traumele mai multor generaţii.

Dansul realităţii este o călătorie tipic sud-americană prin memoria unei familii. În centru este un tată obsedat de modelul virilităţii autoritare şi primitive, impus fiului său, iar, undeva, în planul secund, este prezenţa maternă, care îşi arată puterea când trebuie sa vindece rănile celor din jur printr-o viziune magică asupra existenţei. Copilul din film, un alter-ago al regizorului, devine povestitorul mai multor generaţii ale unei familii în care bizarul, relaţiile toxice şi împletirea istoriei personale cu invazia memoriei colective iau o turnură suprarealistă.

Alejandro Jodorowsky vine din spaţiul cultural unde până şi memoria poate deveni ficţiune, mai ales cea transgeneraţională. În această ficţiune, copilul speriat şi copleşit de un tată dur, rece şi admirator al tăriei de care au dat dovada revoluţionarii comunişti, ajunge să îşi creeze propria realitate, dar nu una paralelă, deoarece el nu fuge, ci doar acoperă observaţiile înfricoşător de lucide şi brutalitatea represivă prin forţa imaginilor-simbol, bine sudate în ceea ce se numeşte psihomagia în viziunea lui Jodorowsky.

Regizorul foloseşte din plin forţa conceptului inventat de el – psihomagia, care devine o formă de exteriorizare a durerilor şi traumelor prin reprezentaţii dramatice, prin creaţie şi prin imaginaţie. Dansul realităţii vorbeşte despre o lume ameninţătoare, care a fost redusă la dimensiunile unei memorii personale, ajunsă la dispoziţia copilului plin de fantezie. Prin ochii protagonistului-copil se derulează povestea lui Jaime Jodorowsky (părintele regizorului), un imigrant evreu din Ucraina, ajuns în Chile. Tatăl devine un personaj dominator, ce vrea să-l răstoarne pe dictatorul fascist Ibanez, îşi căleşte băiatul ezitant prin metode aspre, demne de o cazarmă, şi vrea să mascheze originea evreiască pentru a se integra mai rapid în orăşelul sărac, unde veneticii prosperi erau detestaţi. Această poveste a tatălui dur se leagă de imaginea dictatorului Ibanez, dar şi a lui Stalin, printr-un cordon ombilical demn de reprezentaţiile absurde, halucinante, care ascund pactul tăcut al societăţii cu stăpânul deghizat în modelul patern autoritar, sacralizat în mitologia familiei.

Aplecarea lui Jodorowsky spre misterul inconştientului, ridicat la nivel ezoteric, spre forţa simbolurilor şi spre curentul suprarealist adaptat într-o manieră personală se reflectă cel mai bine în imaginea Sarei, mama protagonistului. Spre deosebire de soţul autoritar, Sara nu crede în ordinea exclusiv raţională, în cenzurarea simţurilor. Ea reprezintă cheia inconştientului familial, de unde scoate fantoma unui tată pe care îl crede reincarnat în fiul său.

Ajunsă în orăşelul unde familiile de evrei puteau fi usor privite ca intruse, această mamă deţine propriile soluţii de-a alunga fricile copilului. Ea pune în scenă un mic dans menit să ţină departe coşmarurile şi teama de întuneric, devenită metafora unei abundenţe feminin-materne ce poate profita de călătoria tatălui pentru a pune stăpânire, în formă oedipiană, pe lumea fiului ei. Abia în scenele în care forţa imaginativă a mamei se dezlănţuie poate fi înţeleasă cel mai bine viziunea psiho-magică, ce defineşte creaţia lui Jodorowsky şi întreaga inovaţie adusă cinematografiei.

Deşi lumea oraşelului sărac din film este plină de acea umanitate abrutizată, violenţa unor imagini este domolită de intervenţia unui plan estetic spiritual, tămăduitor pentru memorie. Pasiunea lui Jodorowsky pentru arta dramatică s-a păstrat mai ales în interpretările actorilor Brontis Jodorowsky şi Pamela Flores, care au avut de refăcut povestea mitizată a părinţilor acestuia.

Dansul realităţiieste un film despre triumful creaţiei şi a istoriei subiective, ce pot schimba sensurile amintirilor. Iubitorii literaturii vor găsi în ultimul film regizat de Jodorowsky un mix ce îi va duce cu gândul la Marquez, Llosa şi toate acele influenţe ale avangardei europene, prezentate în cheia suprarealismului mistic şi a inconştientului adus la suprafaţă prin vizual. 

Ultimele articole