Foe – Meseria scriitorului este hoinareala

Ştim câtă hoinăreală înseamnă meseria scriitorului. Stăm, ne uităm pe geam şi un nor asemenea unei cămile trece prin faţa noastră şi, înainte să ne dăm seama, imaginaţia noastră ne-a şi dus până în nisipurile din Africa, iar eroul nostru (nimeni altul decât noi înşine deghizaţi) se bate în iatagane cu un tâlhar maur. Încă un nor trece prin faţa noastră, seamănă cu o corabie, şi cât ai clipi suntem aruncaţi pe ţărm, pe o insulă pustie, şi ne cuprinde disperarea. Pe Susan Barton, femeia pe care J.M.Coetzee i-o dăruieşte izolatului Cruso (varianta numelui din romanul Foe), nu insula unde ajunge după ce scapă cu viaţă de pe o corabie distrusă de o revoltă devine locul disperării, ci porturile unei lumi care se considera civilizată în comparaţie cu băştinaşii din colonii. În pustietatea înconjurata de ape, deloc turcoaz, aşa cum sunt cele din paradisul plin de palmieri ce răsar din nisipuri de un alb ireal, naufragiata Susan Barton găseste răgazul necesar pentru a-şi povesti viaţa în faţa unui Cruso taciturn şi ţâfnos, şi a sclavului Vineri, cu limba tăiată de vânătorii de sclavi mauri. Iar viaţa lui Susan este fecundă pentru o carte de aventuri. Plecată în Bahia pentru a-şi găsi fiica despre care i s-a spus că ar fi fost răpită de un corabier, devine martora unei lumi exotice, pline de bogăţii, de curiozităţi, de rase amestecate, dar şi de cruzime, apoi fuge în ultimul moment de pe nava care ar fi trebuit să-i asigure reintrarea în lumea “civilizată” prin Lisabona.

Dezgustată, dar şi atrasă de ursuzul Cruso, şi intrigată de misterul ce înconjoară tăcerea lui Vineri, după ce i-a cunoscut povestea devenită o prezenţă terifiantă în mintea ei din cauza mutilării suferite de acesta, Susan devine, în romanul scris de Coetzee, uterul capabil de a zămisli reflecţii despre legătura dintre supravieţuire, memorie, ficţiune, despre viaţă şi moarte, despre percepţia exoticului şi dificultatea occidentalului de a tolera, timp de secole, diferenţele culturale puse pe seama barbariei celor colonizaţi, despre adevăr şi minciuna vandabilă într-o literatură aruncată în mijlocul bursei unde se tranzacţionează scornelile captivante, despre nevoia de apropiere în prezenţa bunului sălbatic, despre adaptarea ca formă de îmblânzire a străinului şi despre singuratate.

Plin de pasaje sublime (în adevăratul sens al cuvântului) despre natura umană, dar şi de cruzimea revelată de muţenia sclavului african, Foe este un roman înşelător, cu mesaje insolite ascunse în spatele cuvintelor precum umbrele ce pândesc în abundenţa vegetală dintr-un tărâm necunoscut la care visau europenii în epoca marilor navigatori ce au deschis rutele spre Indii şi Africa. Până şi titlul este un miraj. La o prima citire, ai fi tentat să te rezumi la înţelesul negativ substantivului foe (vrăjmaş, adversar), ca apoi să îţi dai seama că, de fapt, ai de-a face cu adevăratul nume al lui Daniel Defoe înainte de a-şi cumpăra titlul nobiliar pentru a-şi masca originile plebee, acesta fiind un simplu fiu de negustor, aşadar inferior în ochii celor pentru care omul simplu rămânea un om simplu în ciuda priceperii de a le delecta imaginarul cu poveşti seducătoare despre aventurieri şi marginali ce-şi depăşesc, unii dintre ei, condiţia. După ce te-ai lămurit de unde vine Foe, te paşte o alta ispită a interpretării facile, care îţi spune că, de fapt, acest roman este o rescriere sau o continuare, în registrul unei parabole moderne, a romanului Robinson Crusoe, iar femeia care naufragiază pe insula lui Cruso, are o scurtă relaţie senzuală cu acesta înainte ca el să moară în timp ce se reîntorcea pe continentul natal, te face să-i dai crezare aceastei interpretări deoarece se duce ea însăşi la domnul Foe pentru a-l ruga să transforme într-un roman impresiile şi relatările ei despre zilele petrecute pe insula pustie alături de Cruso.

Dacă nici firul continuităţii postmoderne a unei opere clasice nu este de ajuns, atunci ai putea merge pe cel al unei reflecţii despre ascensiunea greoaie în lumea literaturii – protagonista Susan Barton fiind o deghizare metaforică a scriitorului debutant căruia reprezentanţii departamentului de marketing îi recomandă să adauge nişte detalii senzaţionaliste, aşa cum face şi Foe, care îi cere lui Susan să insereze nişte detalii picante despre şederea în Bahia sau despre canibalii de pe insula cândva locuită de Cruso (deşi ea nu văzuse vreo urmă de canibal). Mai mergi puţin către adâncul romanului ale cărui straturi simbolice, deşi aparent limpezi, sunt dense şi fecunde în interpretări precum o pădure tropicală, şi ajungi de fapt la modul în care fiinţa umană îşi reprezintă propria realitate când dă nas în nas cu exoticul, tradus prin sălbatic, miserios, înfricoşător, excentric, apoi încearcă să interpreteze folosindu-se de şabloanele culturale familiare lumea acestui străin.

Farmecul romanului este dat de veridicitatea oricărei interpretări alese de tine, iar, dacă îţi plac acele rescrieri ale romanelor consacrate şi care îţi oferă un spectacol al modificărilor perceptive asupra unei poveşti fluide precum imaginile din testul petelor de cerneală, atunci vei include Foe pe lista operelor fascinante, cu mesaje finale mereu în schimbare. La ispitirea cititorului a contribuit şi talentul lui Coetzee de a orna carnalitatea unei istorii cu priceperea unui negustor de poveşti din tărâmurile îndepărtate şi cu acel rafinament erudit ce permite îmbibarea festinului narativ de pasaje existenţialiste despre sensul vieţii redescoperit prin literatură. În acest roman ţi se dezvăluie un Coetzee a cărui scriitură, atât de frumos (şi migălos) tălmăcită de Irina Horea, capătă umbre candide şi lucirile unei duioşii enigmatice precum chipurile fiinţelor exotice dintr-un tablou de Henri Rousseau, în care perspectiva unei picturi naive permite desfăşurarea unei întunecimi tainice, puse pe seama începuturilor umane despre care se credea că au fost conservate în inima pădurilor din ţinuturile îndepartate, de unde venea şi Vineri, pe care Susan Barton, cu perseverenţa naivă a locuitoarei dintr-un regat ce posedă colonii şi inventivitatea unui pedagog excentric încearcă să-l înveţe noi forme de exprimare pentru a-i afla povestea din perioada în care a fost capturat de vânătorii de sclavi. Coetzee reuşeşte să reinterpreteze în cheie postmodernă un clasic ducându-se chiar în inima unei epoci apuse, pe care o explorează cu mijloacele unui povestitor din secolele trecute. Găseşti în Foe desfăşurarea unui imaginar flamboaiant al europenilor care vedeau pentru prima oară băştinaşi, pe care îi priveau ca pe nişte vietăţi exotice, având nişte trăsături străine calităţilor umane, dorind apoi să le îmblânzească de parcă ar fi animăluţele unui cabinet de curiozităţi pe care să le exibe în salonul extravaganţelor dintr-o vastă reşedinţă aristocrată, de parcă ar fi fost nişte obiecte decorative mişcătoare, spre a fi analizate, pipăite, apoi îmbrăcate în straiele civilizaţiei. Nu este ignorat nici apetitul epocii lui Defoe pentru acele poveşti, mai mult sau mai puţin reale, despre naufragii pe insule populate de canibali şi cărora le dau târcoale monştri marini.

După ce-ţi lasă apetitul pentru poveşti să îşi facă de cap în prima jumătate a romanului, Coetzee se ocupă şi de gusturile rafinate, care aşteaptă pasajele adânci, pline de reflecţii copleşitoare, sublime, şi de compasiune pentru fiinţa umană. Şi le vei găsi. Mai mult, te vei scufunda în ele ca-n mijlocul unor ape pe cât de stranii, pe atât de liniştitoare. Nefiind înstrăinate de restul poveştii petrecute în era lui Defoe şi a expansiunii coloniale, reflecţiile alimentează de fapt scenele de interior desprinse de timp, unde au loc dialogurile purtate de Susan Barton şi Foe, pe care aceasta îl roagă să-i scrie povestea pentru a câştiga suficienţi bani necesari supravieţuirii după reîntoarcerea pe continent, deşi adevăratul scop al scrierii unui roman este revelat treptat, într-un joc al transparenţei şi al ambiguităţii hrănite de contradicţiile psihologice, de căutarea unui sens al existenţei, al cuvântului scris, al experienţelor şi mai ales al criteriilor folosite pentru a delimita imaginarul şi autoamăgirea de realitate. După ce îl va întâlni pe Foe, viaţa lui Susan Barton va deveni o călătorie iniţiatică, din furnicarul gălăgios londonez până la Bristol, unde ar vrea să-l îmbarce pe Vineri pe un vapor care să-l ducă înapoi în Africa natală pentru a-i reda libertatea. Prin încercările lui Susan de a înţelege modul în care Vineri percepe lumea, de a verifica dacă este capabil să dezvolte un limbaj intern, Coetzee poate provoca dialoguri despre diferenţele perceptive asupra Binelui în funcţie de filtrele culturale, invitându-te să te reîntorci la titlul romanului pentru a găsi şi alte sensuri ascunse de scriitor în alagerea numelui Foe (sub care zace semnificaţia substantivului vrăjmaş) atunci când ai în faţă (şi) o poveste despre un străin provenit din lumea aşa-zişilor sălbatici (în ochii europenilor).

Această călătorie, plină de prezenţe fantomatice, iluzii, amintiri confuze menite să testeze limitele veridicităţii şi ale unei receptări lucide, are ingredientele unei naraţiuni îmbietoare şi jocul modern al perspectivelor multiplicate. În locuinţa lui Foe, Susan Barton îşi povesteşte dramele şi se povesteşte, se regăseşte şi apoi se pierde în propria memorie, iar Foe devine asemenea unui confident cu planuri ascunse, care jonglează cu mintea femeii rătăcite pe insule pustii şi tărâmuri necunoscute, făcând-o uneori să se îndoiască de autenticitatea experienţelor trăite, de fidelitatea reconstituirii lor odată rechemate la suprafaţă din adancurile memoriei. Oare chiar avea o fiică? Oare ce a văzut în Bahia putea fi real? A existat cu adevărat insula pustie a lui Cruso? De ce presăra Vineri petale peste valurile oceanului ca prins într-un ritual sacru? Să fie povestea lui Vineri atât de crudă pe cât şi-o imagina Susan, presărată cu vânători de sclavi şi copii răpiţi de lângă ai lor, din mijlocul pădurilor de palmieri? Cât de întinsă era de fapt Africa lui Vineri? Încurcată în păienjenişul întrebărilor ivite în preajma lui Foe, Susan pendulează între planul real, palpabil, şi cel interior, în care subiectivitatea hrănită de imaginarul ce ascundea pierderi şi temeri permite o deşirare a veridicităţii, încât ajuni să te întrebi dacă nu cumva toată viaţa protagonistei nu a fost de fapt o prizonieră a ficţiunii, o sclavă a unui imaginar răvăşitor ce s-a vrut de fapt un tămăduitor.

În dialogurile dintre Susan şi Foe găseşti poate unele dintre cele mai frumoase interpretări despre forţa, dar şi volatilitatea cuvintelor în relaţia cu Altul, cu propria conştiinţă, cu memoria colectivă, cu autodezvăluirea sedusă de ispita reinventării identitare prin transformarea propriei existenţe într-o poveste ce se revoltă împotriva naratorului precum nişte călători împotriva căpitanului de pe corabie. În mijlocul acestei meditaţii asupra menirii unui scriitor în relaţia cu necunoscutul, în medierea dintre lumea lui şi cea îndepărtată şi în alimentarea cu poveşti a vieţilor anoste care îi ies în cale, pluteşte relaţia dintre Susan şi tăcutul Vineri, care preferă să se comunice prin transa dansului chiar şi atunci când îmbracă pe ascuns veşmintele lui Foe. Este o relaţie însufleţită de compasiune, duioşie, curiozitate, dar şi de temeri, încât te întrebi dacă nu cumva pielea străinului de la tropice devenise pânza peste care occidentalii au pictat timp de secole bântuite de teroare, propriile fantezii întunecate, populate de fiinţe imaginare terifiante, care, prin canibalism, îi făceau să dispară, prin rituri păgâne, să uite de sine, prin abundenţă, să râvnească la tot ce le interzicea bigotismul propovăduit în catedralele copleşitoare, punând în cârca străinului toată povara unui imaginar interzis de civilizaţie, dar gata oricând să se dezlanţuie în mişcări exuberante pentru a sfida bunăcuviinţa care taie limba universului abisal colectiv prin condamnarea stranietăţii.

Foe - copertaEditura Humanitas Fiction, 2016

 

 

Sirena si alte povestiri – Calatorie in inima Siciliei

Nu există memorii, scrise chiar şi de personaje insignifiante, care să nu conţină valori sociale şi pitoreşti de prim ordin. Faptul de a ţine un jurnal sau de a scrie la o anumită vârstă propriile memorii ar trebui să fie o datorie “impusă de Stat”, materialul adunat după trei sau patru generaţii ar avea astfel o valoare inestimabilă, multe probleme psihologice şi istorice, de care umanitatea este preocupată, ar putea fi rezolvate. Sunt cuvintele prin care autorul romanului Ghepardul, Giuseppe Tomasi di Lampedusa, membru al aristocraţiei meridionale aflate la apus, îşi începe derularea amintirilor şi a primelor impresii vizuale rămase din copilăria revizitată de parcă ar fi un paradis pierdut al încăperilor cu tapet de mătase, jocuri de lumini prelinse printre storuri în zilele cu arşiţă şi tablouri campestre din Sicilia livezilor de măslini, a piaţetelor gălăgioase, a trupelor de artişti ambulanţi, dar şi a grădinilor înmiresmate şi a râpelor sterpe. Publicate după moartea sa, într-un volum care includea şi trei proze scurte inedite, descoperite în manunescrisele sale – Sirena, Bucuria şi legea, Pisoiaşii orbi– aceste amintiri păstrează nu numai memoria intimă a unui mare scriitor ce a putut capta istoria zbuciumată din perioada însufleţită de modelul unui Garibaldi, a reunificarii Italiei, ci şi spiritul, psihologia şi imaginarul unei lumi sălbatice, nesupuse, unde nostalgia strălucitoare, lirismul, ambţia venală, impulsivitatea machistă, lăcomia pantagruelic- ostentativă, melancolia din amiezile toride, pofta de viaţă, legendele şi mizeria crâncenă se îngrămădeau pentru a imortaliza o Italie meridională adesea hulită de piemontezii ce au considerat-o multă vreme pântecul din care scăpau demonii barbariei.

Primele amintiri sunt mereu inundate de lumina care poate reflecta şi exprima intensitatea emoţiilor înainte de apariţia cuvintelor sofisticate, capabile de a reda întreaga coloratură a vieţii lăuntrice. Iar pentru Lampedusa, lumina primelor amintiri avea o localizare precisă. Era în acel tărâm al mării cu miresme aparte, dacă îi dăm crezare protagonistului din Sirena, deopotrivă locuit de zei şi de măgari, unde instinctele luau forme diverse, dar obiceiurile proaste nu se schimbau, în care miroseau atât mizeria, cât şi rozmarinul de pe munţii Nebrodi, mierea din Mellili, arborii de fistic şi livezile de lămâi şi portocali ce-şi trimiteau boarea până la Palermo. Aţi ghicit acea Sicilie rustică, picturală şi arhaică, dinaintea filmelor despre mafioţi şi gangesteri mărunţi, o Sicilie care l-a transformat pe Lampedusa într-un cameleon literar, devenit în Pisoiaşii orbi martorul lucid al ultimelor extravaganţe îngăduite risipitoarei aristocraţii meridionale ajunse la sapă de lemn şi ameninţate de rapacitatea plebeilor cu instinct de cămătari şi mentalitate de latifundiari, dispreţuiţi când se aflau în ipostaza de plăvani, şi capabil, în Sirena, de un lirism vizual ce i-ar face invidioşi până si pe romanticii având ştate vechi în descrierea contopirii dintre natură, miturile acvatice, reveriile pline de siluetele nimfelor de marmură şi iubirea nepământeană ce salvează primele incursiuni erotice de la vulgaritate. După ce te-ai lăsat purtat prin galeria imaginilor bucolice, inundate de inocenţa copilului visător ce preferă compania volumelor din biblioteca palatului preferat, descrise printr-o derulare senzorială a memoriei în care s-au păstrat peisajele Siciliei pline de contraste, vei avea parte de o incursiune abruptă în psihologia regiunii, prin cele trei proze scurte în care vei descoperi un aristocrat versatil atunci când se apucă de scris, capabil fiind să descrie veridic şi problemele spionoase din tabăra opusă, pe care le suprinde cu acuitatea unui psihanalist, dramatismul unui regizor neorealist, concizia şi duioşia unei nuvele cehoviene (în povestirea Bucuria şi legea) şi apăsarea unei drame sociale atât de sfredelitor captate în povestirile scrise de Pirandello.

Poţi simţi întreaga umanitate siciliană trepidând sau capitulând precum o jivină obosită, moleşită de soare şi de lipsuri, în povestirile scrise de Lampedusa, ce pare să fi netezit calea urmată de Pavese. Este o umanitate care îţi este revelată în straturi de vicii, miresme şi nuanţe, precum un festin local încărcat de sosuri grele, condimente şi arome stridente, sau în fastul decrepit al unor nobili faliţi, ce seamănă cu palatele din care strălucirea a fost alungată de multă vreme, dar se încăpăţânează să-şi mai lase amintirile în faţada impozantă, în statuile de marmură, în argintaria încă neamanetată, în rutina cinelor din grădina şi în jocurile decorative ale unui tapet de mătase decolorată. Ajungi să înţelegi mentalitatea arhaică din spatele rapacităţii şi a setei de putere şi influenza, adesea reprezentate simplist în multe filme despre mafioţi, atunci când parcurgi povestirea Pisoiaşii orbi, având consistenţa unui microroman ce ar fi putut fi transformat într-un roman-fluviu despre ciocnirea nobililor sărăciţi cu noii stăpâni ai locului ridicaţi din rapacitatea cumparării obsesive a moşiilor lăsate în paragină de oamenii de vază, sau într-o sagă despre înălţarea unei familii de latifundiari sicilieni ce râvneau la statutul aristocraţilor, propulsaţi in lumea bună de un pragmatism plebeu, considerat grosolan şi primitiv. Întâlnirea dintre aristocraţia decăzută şi noii stăpâni ai locului, fără de blazon, nu are nevoie de sute de pagini. Dialogurile amuzante dintr-o singură scenă îi sunt suficiente lui Lampedusa pentru a surprinde mecanismele construirii unor mituri locale, prin caricaturile distorsionate ale dispreţului şi nişte scorneli abundente precum un arabesc de bârfe.

Pe cât de necruţător este cu persoajele siciliene din Pisoiaşii orbi, pe atât de îngăduitor este cu protagoniştii din Sirena, doi bărbaţi din generaţii diferite, pe care vârsta şi epoca îi despart precum plăcile unei lumi interioare scindate între Erosul pulsiunilor de rând şi cel transformat în pasiunea pentru artă şi cultura antichităţii greceşti. Pe fundalul ascensiunii fasciste din anii ’30, un reputat elenist îşi rememorează tinereţea primilor zori ai erotismului printr-o poveste de iubire la graniţa dintre oniricul halucinant, bine hrănit de închipuirile însinguratului izolat în mijlocul unor mituri traduse şi reinterpretate cu fervoarea unui lingvist cu obsesii de arheolog, şi realitatea filtrată prin introspecţiile unui mizantrop erudit ce poate răspândi nişte reflecţii de o luminozitate nebănuită asupra naturii umane. Prin Sirena, Lampedusa pare să fi dorit purificarea imaginară a unei lumi ameninţate de sărăcie, brutalitate şi feudalism, amintindu-ţi că patria lui, Sicilia a fost cândva un loc al frumuseţii mitologice, luminoase precum fotografiile cu statui antice de marmură, ce tapetau pereţii din apartamentul modest al protagonistului. Sirena este reîntoarcerea la acea lume a poveştilor citite în palatul Santa Marguerita, bijuteria familiei Lampedusa, ale cărui ornamente, mătăsuri şi mobile formau jocuri de lumină pentru a transforma încăperile ascunse de arsiţa amiezii într-un sipet al zânelor.

Prozele şi amintirile fragmentate din acest volum sunt o incursiune reconfortantă, invadată de lumina meridională prăvălită peste ţărmuri şi valuri, o călătorie în Sicilia de altădată şi o radiografie colectivă sentimentală, perturbată uneori de nişte peisaje dezolante. Este o declaraţie de iubire pentru o regiune ademenitoare, dar şi aspră, care, prin fluxul memoriei afective, poate deveni cea mai frumoasă dintre lumile posibile tocmai datorită contrastelor umane greu de iubit în acelaşi timp, dar imposibil de ignorat într-un jurământ de fidelitate.

Sirena si alte povestiri - copertaEditura Humanitas Fiction, 2016

Cum să-ți crești banii mai repede decât dacă i-ai ține la bancă

În general când vine vorba de a pune un ban deoparte, ne gândim fie la a depune bani în bancă, fie la a pune banii “la saltea”. Vedem de obicei în filme, cum alții își investesc banii la bursă, de exemplu, sau au planuri de economisire și investiții pentru “retirement”. În România, trebuie să recunoaștem că mulți dintre noi nici s-au gândit la planuri de investiții pentru momentul în care vor ieși la pensie, în ciuda faptului că știm cu toții că sistemul de pensii este total dezechilibrat și sunt șanse mari ca la momentul retragerii din câmpul muncii lucrurile să stea chiar mai rău decât în acest moment.

Să investești pe bursă pare foarte complicat, e nevoie de cunoștințe specifice, să ai un plan de investiții pentru pensie pare o idee de unde nu știi de unde s-o apuci. Dar nu e atât de complicat precum pare. Finzoom ne oferă câteva idei de investiții pentru a obține o creștere mai mare la depozite de  0,45% – 1,75% cât primim de la bănci. De fapt la modul real, câștigăm chiar mai puțin decât această dobândă, chiar ajungând să pierdem bani din depozite, pentru că:

  1. Impozitul de 16%: Veniturile din dobanzi se impoziteaza de catre statul roman cu 16% – iar din 2016/2017, conform noului Cod Fiscal, se plateste si 5,5% contributia la asigurari de sanatate (CASS)
  2. Comisioanele: Constituirea unui depozit presupune deschiderea unui cont curent bancar, purtator la randul lui de comisioane: de deschidere si de administrare (lunar sau anual). Acestea pot ajunge impreuna si la 90 lei pe an.
    In plus, majoritatea bancilor mari din Romania practica un comision de retragere numerar (la ghiseu) de 0,4% – 0,5% din suma retrasa, chiar si in ziua scadentei depozitului.


Care sunt alternativele la depozitele bancare:

Conturile de economii

Acestea ofera flexibilitate – poti depune si scoate bani oricand, fara sa fii penalizat. Conturile de economii pot avea si dobanzi de 3% si comisioane zero (de exemplu conturi de economii pentru copii).

Titlurile de stat

Sunt emise si garantate de stat, sunt alternativa cel mai putin riscanta la depozitele bancare.
Avantaje:

  • Este un venit neimpozabil , nu se retine 16% impozit, ca in cazul castigului din depozite sau conturi de economii
  • Nu se pierde dobanda acumulata pana in momentul vanzarii titlului, inainte de termen – ceea ce nu se intampla in cazul depozitelor bancare (se pierde dobanda acumulata, daca se retrag bani din depozit inainte de termen)
  • Dobanda fixa de 2,15%, pentru 2 ani, in conditiile in care dobanzile bancare sunt in continua scadere

Dezavantaj: Valoare titlului de stat poate scadea prin tranzactionare la bursa chiar sub valoarea nominala (in acel moment titlul valoreaza mai putini bani decat ai dat pe el). Daca nu ai achizitionat titluri de stat in iunie 2015 (cand a avut loc prima emisiune de titluri de stat pentru populatie, dupa o pauza de 10 ani), le poti achizitiona acum doar de pe Bursa.


Fondurile de Pensii

Fie ca sunt cu contributii obligatorii (Pilonul II) sau facultative (Pilonul III), fondurile de pensii au avut anul trecut randamente de 7-8% (chiar 13% in 2013). Aceste randamente nu pot fi insa garantate.
Fondul de Garantare a Drepturilor din Sistemul de Pensii Private are rolul de a compensa eventualele pierderi ale beneficiarilor de pensii private.
Este insa o investitie pe termen lung, vei beneficia de roadele ei abia la batranete.

Fondurile de investitii

Acestea au randamente mai mari decat depozitele bancare, si de 6-10% pe an la lei. Fondurile de obligatiuni sunt si cele mai putin riscante, in timp ce la fondurile care investesc in actiuni poti avea profituri mai bune, dar pot inregistra si pierderi.
Atentie: sumele nu sunt garantate (ca in cazul depozitelor, sau conturilor de economii, care sunt garantate de Fondul de garantare a depozitelor bancare, sau titlurilor de stat, care sunt garantate de stat).

Investitii pe bursa

“N-am timp sa joc pe bursa, nici cunostintele necesare” spunea o cunostinta cand venea vorba de Bursa.
Castigurile din Bursa sunt de 10-15% anual, insa este nevoie de un broker autorizat (un intermediar) sau sa devii tu insuti trader accesand o platforma de tranzactionare online.
Iti trebuie sa aloci timp pentru a invata si a intelege piata, pentru a cumpara si vinde la momentul oportun.

Investitii in imobiliare: Sunt investitii pe termen lung, iar pentru anumite proprietati veniturile din chirii pot fi cu adevarat consistente, care pot aduce randamente de 6-7%. De exemplu, daca investesti intr-o gasoniera de 40.000 Euro si o inchiriezi cu 230 euro/luna, castigi aproape 7% pe an din chirii.

Așadar să urmăm sfatul indirect al lui Warren Buffet – I made my first investment at age eleven, I was wasting my life until then (Am făcut prima mea investiție când aveam 11 ani, până atunci mi-am irosit viața), cel mai cunoscut și de succes investitor din lume, și să începem să facem primii pași ca investitori.

Janis: Little Girl Blue – Fragila Janis Joplin pe care o iubesti

Împreună cu Amy J. Berg am (re)găsit-o pe acea Janis pe care o ştiam: gata să râdă cu toată fiinţa când îşi vede admiratorii în extaz care se abandonează dansului, apoi să simtă întreaga durere umană şi să o pulverizeze prin blues. Plină de viaţă şi de multă tristeţe, jinduind după iubire şi libertate. O eternă copilă poznaşă, dar având sufletul celui ce a simţit într-un sfert de existenţă cât alţii într-o viaţă. O voce pe care fie o adori, fie o consideri abrazivă, dar nu-i rămâi indiferent când o asociezi cu senzualitatea născută exact dintr-o nonşalanţă ce o plasează la graniţa dintre două etape decisive pentru formarea ei. La această graniţă se intersectează adolescenta ce-şi îneacă revelaţiile precoce (greu de purtat) în teribilismul provocărilor demne de o Calamity Jane, ce se ia la harţă într-un bar din sudul rasist, şi femeia a cărei maturizare însemna descoperirea muzicii şi a stilului artistic personal prin care îşi oblojea rănile unei inadaptări ivite exact în anii în care acceptarea şi confirmarea venite din exterior ar fi fost vitale pentru stima de sine. Urmărindu-i dezlănţuirea nu poţi decât să îi invidiezi pe bătrânii care în tinereţe şi-au făcut de cap în timp ce părinţii lor credeau că lumea o luase razna când Hendrix îşi făcea praf chitara pe scenă, iar Morrison era un şaman ce aprindea fantezii.

Janis, Little Girl Blue - chitarafoto: film/Janis Joplin site

Cei pentru care anii ’60 au însemnat tinereţea în care muzica rebelilor fisura Cortina de Fier prin forţa vinilurilor sau puştii de azi, ce visează la Woodstock-ul necunoscut ca la un paradis ce nu a mai avut răbdare ca ei să vină pe lume, au aşteptat cu sufletul la gură lansarea documentarului Janis: Little Girl Blue. Şi au avut şi de ce! Amy J. Berg nu a fost ovaţionată degeaba. A reuşit să se ridice la înălţimea aşteptărilor şi să o aducă în prezent pe acea Janis Joplin pe care o iubeşti dacă eşti fan sau o vei iubi, în cazul în care nu ai auzit până acum dar îţi plac blues-ul, folk-ul anilor ’60 sau vocile feminine puternice ale jazz-ului de abanos. Te va fascina dacă preferi cântăreţele dornice de a-şi pune sufletul în corzile vocale precum Amy Winehouse, adulmeci cu nesaţ legendele şi poveştile beatnicilor din generaţia lui Kerouac, sau şi te inspiră dezlănţuirea lui Jim Morrison sau a lui Jimi Hendrix.

Documentarul lui Amy J. Berg te face pur şi simplu să-ţi mişti picioarele (dacă nu poţi dansa cu tot corpul în sala de cinema, aşa cum şi-ar fi dorit zeiţa hippie) în ritmul instrumentelor ce acompaniau vocea electrizantă şi tânguitoare a lui Janis. Readuce în minte toate versurile preferate, într-un colaj sensibil, cu intensitatea unei avalanşe de trăiri, dar, mai presus de toate, aminteşte de acea Janis care a putut cuceri generaţie după generaţie prin talentul de a-şi pune sufletul în versuri, de a intra în aceeaşi transă cu spectatorii fermecaţi, de a muşca din viaţă cu toată forţa celei dornice şi capabile de a simţi fiecare tresărire interioară, pe care o expune prin irezistibilul ei amestec între umor, melancolie, durere, ghiduşia copilei ce încearcă să-ţi arate câte o şotie care să-ţi alunge amarul unei relaţii destrămate. Acel amar pe care îl exorcizează în versurile ei despre femeia care tot aşteaptă după ce a fost amăgita precum catârul ademenit de morcovul promis dacă îşi continuă drumul (o imagine-metaforă evocată într-un interviu despre iubire şi amăgire). Dar copila din Janis ştia deja că pentru ea nu există leac odată ce se instala tristeţea după ce părăsea scena şi ecoul fanilor se îndepărta. Pe scenă făcea dragoste prin muzica ei, dar în camerele de hotel, adulata regină a blues-ului şi a Woodstock-ului se trezea mereu singură.

Janis, Little Girl Blue - pe scenafoto: www.indiewire.com

Să faci un documentar despre Janis Joplin poate fi un demers copleşitor, mai ales când o asociezi cu personalitatea efervescentă a unei artiste devenite simbolul unei decade. Janis era o lume în sine. O apariţie ce îşi conştientizase unicitatea de timpuriu, sub care se ascundea o teamă feroce de respingere. Acea teamă a împins-o brusc într-un montagne rousse al trecerii de la energia molipsitoare de pe scenă, prin care îl putea face să danseze până şi pe cel mai sobru om de pe planetă, la clipele în care se prăbuşea în intimitatea securizantă, dar iluzorie, creată de amestecul dintre heroină şi discuţiile în care îşi deschidea un suflet plin de răni, acelaşi suflet ce pare să fi migrat de la începutul timpurilor în toţi outsiderii vizionari, ce şi-au depăşit epoca prin ideile despre libertate, digerate abia în decadele următoare. Dar Amy J. Berg nu pare intimidată de sălbăticia copilei răvăşite când s-a trezit neînţeleasă, aşa cum a fost Janis de sub masca zâmbetului de adolescentă poznaşă ce dă buzna pe scenă pentru a se simţi în sfârşit iubită şi acceptată după ce a ieşit din toate tiparele, inclusiv din cele propuse de grupul folkiştilor rebeli din San Francisco.

Regizoarea pune cap la cap scrisorile artistei, fotografiile, versurile, stările dezvăluite în ceea ce poate semăna cu varianta emoţională a unei operaţii pe cord deschis, precum şi imaginile din arhiva familiei Joplin, cu naturaleţea celei capabile să asculte mai întâi ce are de spus artistul din spatele imaginii iconice. În final i-a iesit un documentar ce poate fi luat drept confesiune, un periplu duios, în care imaginile explozive de la Woodstock sunt deposedate de tonul exagerat al unui reportaj spectaculos despre orgiile psihedelice şi degringolada pusă pe seama descătuşării sexuale din acea epocă. De asemenea, intensitatea mărturiilor oferite de apropiaţi şi detaliile morbide referitoare la actul final, marcat de supradoză, au fost domolite la timp, încât să poţi înţelege, prin empatie, lumea interioară a lui Janis fără a deveni tu însuţi un martor intruziv al supliciului autodistructiv ce-i răpeşte demnitatea unui artist atunci când ştirile despre moartea lui par să-i fi oprit timpul biografic doar la momentele în care se lăsa prada exceselor.

Janis, Little Girl Blue - adolescentasursa: Janis Joplin site

Modul în care Amy J. Berg alege să redea biografia lui Janis Joplin reflectă mărturisirile dezarmante din versurile ei, intensitatea unui performance având forţa unei autodezvăluiri în anii nebuni ai rebelilor cu o cauză grea cât o cruce, înţeleasă doar de cei din Sudul segregaţionist şi încă destul de conservator, în care s-a născut şi Janis. Peste toate suprapune acel talent de a îmbina pasiunea pentru documentare cu dorinţa de a înţelege trăirile unei artiste ce s-a lăsat mistuită de propriile-i versuri, fără a transforma documentarul într-o abordare sfredelitoare şi dezolantă, precum trecerea de la agonie la extaz, de la glorie la decădere, aşa cum par multe relatări cinice despre aşa-zisul Club 27, al celor ce mor tineri după ce le-au trăit pe toate mult prea devreme. Vei aprecia mai ales discreţia prin care alege să expună biografia ei astfel încât să nu te priveze de voluptatea versurilor, a imaginilor din timpul concertelor şi a interviurilor în care se dezvăluia în postura unei Janis aşa cum nimeni nu o bănuia când îi privea pozele cu mimici trăsnite şi haine de nomadă boemă. Abordarea se ridică la nivelul unui precedent creat de faimosul jurnalist al revistei The Rolling Stones, David Dalton, al cărui reportaj transformat într-o carte (Piece Of My Heart) a fost un etalon al jurnalistului care îl face pe artist să se dezvelească fără a-l expune dincolo de propriile limite ale confortului.

Janis, Little Girl Blue - copilfoto: Janis Joplin site

În acest documentar o vezi pe Janis şi în ipostaza vulnerabilă de adolescentă ce nu-şi găsea locul în Sudul în care drepturile civile pentru afro-americani erau tabuuri. Care, în ciuda unei voci pregnante, era dată afară de la cor din cauza refuzului de a se încadra în ritmul celorlalţi, şi care, înainte de a fi una dintre cele mai iubite artiste, a fost ţinta hărţuirii numite şi bullying, culminate cu votarea ei drept cea mai urâtă din liceu, într-un clasament al umilinţelor adolescentine dintr-un mediu deloc primitor cu oamenii curajoşi şi deschisi la minte. Pentru adolecenta având o personalitate ce ieşea din tipare, respingerea a fost urmată de o evadare în marile oraşe, unde putea cânta un amestec între folk şi blues-ul old school al Odettei (una dintre cântăreţele ei preferate), în schimbul a câtorva sticle de bere, asemenea multor artişti înaintea faimei.

Ambiţia, ce i-a şlefuit o voce de a cărei forţă a fost mereu conştientă cu acea candoare a visătoarei, nicidecum cu infatuarea starletei, a fost alimentata mereu de rănile ce au făcut-o să-şi dorească iubirea celor din jur în detrimentul statutului social. Când se referea la momentele dureroase şi umilitoare din orăşelul natal, Janis o făcea din spatele unor ochelari cu lentile fistichii, adoptând o seriozitate autoironică, zeflemitoare, întreruptă de un râs de zgâtie duioasă. Mai mereu, din spatele rebeliunii confundate cu inadecvarea, se iţeau un suflet bătrân şi o luciditate asupra propriilor trăiri şi asupra epocii sale, pe care nici substanţele nu i-o puteau diminua.

Fără a urma demersul unui terapeut, autoarea documentarului alege într-un mod empatic imaginile şi mărturiile despre copilăria lui Janis. Prezintă cu genul acela de tact plin de compasiune momentele în care ea aducea în discuţie relaţiile amoroase distruse, apoi culisele gloriei mereu pândite de ameninţarea singurătăţii ce dădea târcoale exact când Janis părea să revină din iadul heroinei cu forţa unor versuri noi şi a speranţei de a-şi fi găsit o alinare emoţională. Regizoarea ştie cum să lege nişte detalii autobiografice zguduitoare, fără a-ţi alunga plăcerea de a revedea iar şi iar imaginile din concertele ei. Vei asculta însă diferit versurile. Te vei gândi la modul în care opiniile toxice ale unor limitaţi gălăgioşi ar fi putut încuraja apropierea lui Janis de heroină, după cum o replică a lui John Lennon legată de moartea provocată de supradoză lasă de înţeles că societatea poate deveni apăsătoare pentru cei capabili de a simţi prea mult.

Janis, Little Girl Blue - colorfoto: www.contactmusic.com

În ciuda unei existenţe frânte mult prea repede şi a unei vieţi interioare adânci, pline de vitalitate, dar şi de cicatrici, documentarul este plin de lumină. Janis Joplin te contaminează cu pofta ei de viaţă de care se agăţa pe scenă, în ciuda singurătăţii ce îi invada lumea după concerte, încât ai impresia că o însoţeşti în turneu, că ţie îţi zâmbeşte cu toată faţa când se uită la cameră, iar vestea morţii nu e decât o interpretare a unui regizor molipsit de microbul distopiilor. Te va contamina energia unui road trip beatnic prin Califorinia hippioţilor şi vei aprecia genul de focusare pe dramatismul unei biografii tragice lipsit de indiscreţie şi de tentaţia de a pune sub lupă calvarul adicţiei, devenit deja un clişeu în documentarele despre starurile din lumea rock’n’roll-ului. Filmul este de fapt o celebrare a vieţii, cu zâmbete şi fragilităţi asumate printre pozele în care Janis scoate limba sfidătoare şi interviurile în care îşi face loc melancolia copilei maturizate devreme, care ştia că trebuie să plece la drum chiar dacă aflase înainte că nu va găsi ce a căutat…în afara versurilor prin care să se poată face iubită şi când vorbeşte despre tristeţe şi neîmplinire. La final nu auzi lamentări moraliste, ci doar cântecul de lebădă prin care Janis Joplin se agăţase de viaţă până în ultima clipă şi care a devenit destăinuirea celor ce tânjesc după ceea ce au pierdut, mai ales când aud versul preferat al piesei Me & Bobby McGeeFreedom is just another word for nothing left to lose


LYTE video

feature image: www.hollywoodreporter.com

Nuovomondo (Golden Door) – Mincinoasa Lume Noua

0

Pe vremea când oamenii nu-şi puteau da check in pe Facebook pentru a vedea rudele îngrijorate dacă au trecut cu bine Atlanticul, iar săracii erau atât de săraci încât nici nu aflaseră de existenţa atlaselor şi a enciclopediilor cu poze frumoase, nişte fotografii cu morcovi mari cât o colibă, măsline cât bolovanii, copaci din care începeau să cadă monedele precum fructele date-n pârg sau ţinuturile unde curgeau răuri de lapte în care se îmbăia femeia iubită nu erau considerate opera unui suprarealist, ci o imagine a realităţi. Pentru nişte sicilieni amărâţi şi uitaţi de lume la începutul secolului trecut, aceste fotografii însemnau promisiunea unei vieţi îmbelşugate, în care hărnicia lor să fie cu adevărat răsplătită. Şi unde altundeva puteau găsi Tărâmul Făgăduinţei promis acelor sărmani cărora le mai rămâneau iluziile dacă nu în America, denumită Lumea Nouă ? Imaginarul lor, ce amesteca naivitatea infantilă, deformarea prin entuziasm a realităţii celui ce nu mai avea nimic de pierdut şi gândirea magică a omului hrănit din prima zi cu superstiţiile bătrâneşti, transformă această Lume Nouă într-un tărâm exotic, în care doar copiii vrăjiţi de basme puteau crede. Azi, cei care se simt umiliţi de interogatoriul prin care sunt nevoiţi să treacă pentru obţinerea vizei de America nici nu-şi pot închipui cât de norocoşi pot fi pe lângă strămoşii care, pentru a intra în paradisul tuturor posibilităţilor, erau nevoiţi să treacă prin purgatoriul din Insula Ellis, vegheat de impasibila Statuie a Libertăţii ce nu se prea sinchisea de injsuta loterie a trierii imigranţilor care, în acest film, seamănă cu împărţirea unor detinuţi în mai multe categorii.

Nuovomondo - maslineleimagine: dicarlofilmblog.wordpress.com

Regizat de Emanuelle Crialese, filmul Nuovomondo (Golden Door), multipremiat la Festivalul de Film de la Veneţia în 2006, pleacă de la nişte drame reale, adunate într-un tablou în care disperarea este realistă, dar modul în care sunt percepute şi rezolvate problemele virează spre un suprarealism liric în care halucinantul este închis în bagajul sufletesc adus de imigranţii cărora li se refuză demnitatea. Totuşi, în ciuda scenelor cu pasagerii amărâţi înghesuiţi la clasa a III-a, care ajung să cadă unii peste alţii când începe furtuna, şi a degradantei trieri de pe insula Ellis, ce amitea de anticamera unui lagăr, viziunea poetică a lui Emmanuele Criesse îţi va răsturna expectanţele, în sensul bun. Dacă te aşteptai la o perspectivă neorealistă asupra mizeriei, candoarea şi imaginarul personajelor ce rezistă în faţa abrutizării la care sunt condamnaţi adesea cei umiliţi fac din tabloul dezolării o pictură naivă, o poezie delicată din pasiunea pentru o frumoasă rusoaică interpretată de o Charlotte Gainsbourg de nerecunoscut când nu apare în filmele lui Lars Von Trier, şi din interogatoriul pentru acceptarea în Lumea Nouă o piesă de teatru în care absurdul şi discursul umanist despre nevoia de sensibilitate vrea să se facă auzit într-un dialog al surzilor născut atunci când se întâlnesc două mentalităţi şi două civilizaţii având priorităţi şi valori diferite.

Nuovomondo - poza de grupimagine:www.corriere.it

Austeritatea călătoriei şi brutalitatea vieţii mizere nu sunt reflectate de acea carnalitate densă a unui film neorealist apăsător, şi nici de povestea romantică înfiripată între Salvatore Mancuso (Vincenzo Armato), sicilianul care vrea să-şi scape familia din mizerie, şi enigmatica străină Lucy (Charlotte Gainsbourg), care vorbea o engleză impecabilă, şi despre care celelalte pasagere ce se uitau curios la ţinutele ei rafinate, incompatibile cu sărăcia de la clasa a III-a, spuneau că ar fi fost de fapt nevasta unui aristocrat din Rusia ţaristă, pe care îl părăsise pentru un american, deşi ea făcea tot posibilul pentru a refuza nişte cereri în căsătorie insistente menite să-i asigure intrarea în America (numai femeile căsătorite erau primite). Întâlnirea dintre cocheta Lucy şi amărâtul sicilian inadecvat, ce putea fi luat drept un ţăran cam taciturn şi greu de cap, nu cunoaşte evoluţia spectaculoasă a idilei dintr-un film din categoria celor despre Titanic (deşi înghesuială de la clasa a III-a şi haosul din timpul unei furtuni amintesc de minutele ce prevesteau naufragiul unui pachebot). Ezitările personajajului masculin dezarmat de francheţea misterioasei seducătoare care-l cere de soţ uitând de cutumele machiste pentru a-i spune apoi că vrea doar un paşaport conjugal fals, de intrare în Lumea Nouă, iau forma unei apropieri emoţionale ce salvează până la urmă firescul din relaţiile umane în momentele dificile, dar pe care spectatorul ce îşi imaginează sudul nemilos, abrutizant şi pulsional din acea Italie descrisă în povestirile scrise de Pavese, s-ar putea să le considere nefiresc de candide, mai ales când stâlpul familiei renunţă la masca de patriarh aprig pentru cea de îndrăgostit răbdător cu femeia după care i s-au aprins călcâiele.

Nuovomondo, lăudat pentru forţa imaginilor de epocă şi pentru interpretarea actorilor capabili de a recrea versomil autenticitatea socială şi psihologică a unei perioade, este o alternanţă înşelătoare între disperare şi speranţă, între dezolare şi umorul plin de compasiune, între duritatea imaginilor ce reprezintă ruralul din sudul Italiei, desprins parcă dintr-un tablou de Le Nain, dar având sensibilitatea lui Murillo, ce-l salvează de căderea într-o variantă monstruoasă a naturalismului specific lui Zola, şi poezia vizuală suprarealistă ce descrie modul în care personajele ce nu vorbesc prea mult îşi reprezintă de fapt lumea din afara locului de baştină, pe care îl părăsesc pentru prima oară. Între superstiţiile unei bătrâne ce încă mai crede în riturile primitive care scot spiritele rele din femei şi imaginile onirice în care imigranţii plutesc într-un ocean de lapte, din care încep să răsară pălării Belle Epoque, taţi, fii, dar şi iubiţi care se caută din priviri, regizorul manipulează reperele spaţio-temporale şi prejudecăţile într-o estetică vizuală experimentală, în care inserează elementele unei coloane sonore compuse (şi) din hituri cântate de contemporani şi dialoguri aburde care, paradoxal, îi permit spectatorului să respire când situaţia personajelor i se pare sufocantă, mai ales că nu se vrea o redare fidelă a realităţii, ci extragerea unui mesaj pătrunzător atemporal despre acceptare, umanitate, speranţă si relaţia cu mediul străin.

Nuvomondo - morcovul

imagine: youtube.com

Tocmai alternanţa dintre imaginile cu tentă realistă şi cele aparţinând unei fantasmagorii onirice prin care putem intra în gândurile personajelor, ce nu par mintoase la început, devine imprevizibilă şi te poate ghida spre două perspective în interpretarea filmului. Una este perspectiva documentară din categoria Prin ce dificultăţi au trecut strămoşii nostri pentru a răzbi, care îţi poate trezi curiozitatea specifică unui istoric interesat de validitatea poveştii din film şi care începe să verifice dacă într-adevăr imigranţii deveneau subiecţii unor teste de inteligenţă deoarece nu se dorea un amestec între cetăţenii americani şi nişte străini cu IQ redus, dacă femeile nu erau primite fără a face dovada existenţei a unui soţ sau măcar a unui logodnic, sau dacă trierea era un proces degradant şi cinic precum cel din film. În schimb, dacă ai vrut să vezi filmul datorita imaginilor cu tentă suprarealistă ce promiteau o mai mare importanţă acordată experimentului cinematografic decât veridicităţii naraţiunii, atunci vei prefera o perspectivă simbolică asupra dramei cu mesaj atemporal şi vei aprecia mai mult scenele din cea de-a doua jumătate a filmului, în care dialogurile dintre evaluatorii ce par lipsiţi de empatie precum nişte dezumanizaţi preocupaţi de calitatea genetică, asemenea unor nazişti, şi ţăranii sicilieni luaţi de proşti, dar care dovedeau o profunzime afectivă provenită tocmai din modul simplu şi natural prin care puteau discerne între cruzime şi umanitate, între artificial şi firescul mers al vieţii. Tatăl ce şi-a îmbarcat familia spre Lumea Nouă face din piesele unui puzzle ce măsura înteligenţa o fermă, arătând cât de priceput şi bun este pentru a munci în acest nou tărâm, unde se vrea util. Prostie şi limitare în ochii celor preocupaţi de triere, seninătate, compasiune şi inocenţa omului simplu în ochii celor ce văd umanitatea din spatele unor aparenţe rudimentare. Gesturile şi replicile sumare ale protagonistilor ce intră perfect în pielea unor oameni ce nu înţeleg limbajul sofisticat şi inuman al celor ce îi iau la puricat (la propriu) devine o alegorie a incapacităţii de a-l percepe pe străin drept uman, fără suspiciuni şi prejudecăţi.

Dacă ignori partea narativă, sumară, şi păstrezi doar scenele de pe Insula Ellis, poţi considera Nuovomondo o reflcţie cinematografică universal valabilă, despre modul în care setăm filtrele percepţiei la întâlnirea cu străinul având obiceiuri şi valori diferite, despre a avea sau nu dreptul de a formula nişte criterii de respingere în funcţie de nivelul temerilor în faţa necunoscutului ce ne bate la uşă, despre legitimitatea de a-i cere să renunţe la anumite valori sau de a-i măsura intelectul în dauna zestrei emoţionale. Când îi este criticată mama, despre care se crede că ar fi înapoiată mintal deoarece nu înţelege rostul controlului corporal ruşinos şi al testelor de evaluare, ale căror cerinte i se par aberante, unul dintre protagonişti iese din tăcerea devenită o formă de autoconservare şi ţine un discurs despre căldura sufletească, despre importanţa familiei şi despre injustiţia de a nu înţelege dorinţa familiei sale de a putea munci într-o ţară unde se poate trăi decent, că doar oamenii buni la suflet şi cuminţi pot fi utili societăţii chiar dacă nu par deţinătorii unei inteligenţe sclipitoare. Oare nu poate deveni util un imigrant care aduce şi suflet în construirea unei naţiuni măreţe, sau viitorul este un trecut darwinist? Este genul de întrebare care va persista după finalul peliculei despre intrarea în Lumea Nouă, şi care îţi aminteşte de oamenii fugiţi de sălbăticia progresului în ţările considerate a fi populate de sălbatici, doar pentru a găsi o inocenţă pierdută, considerată primitivă sau o trăsătură a oligofrenilor în lumile dezvoltate.


LYTE video

Cum iti faci viata mai usoara langa un sef narcisist

Te simţi sclavul unui şef care minimalizează orice activitate pe care o duci la bun sfârşit? Îţi respinge soluţiile în discuţiile face to face, dar le prezintă ca fiind ale lui în şedinţele cu alţi manageri? Se poartă amabil doar când are nevoie de rapiditatea şi de ideile tale în rezolvarea unui task? Ei bine, s-ar putea să ai un şef cu trăsăturile unui narcisist.

Cum recunoşti un şef narcisist

În vorbirea populară i se spune buricul Pământului. În mintea lui se crede sosia lui Donald Trump, imaginandu-şi probabil că el a recrutat compania pentru a lucra pentru interesele sale, nu compania pe el. Psihologii specializaţi în tulburări de personalitate au identificat nişte trăsături definitorii ale narcisistului.

Confirmarea superiorităţii în relaţiile cu toţi cei din jur, reflectată de nevoia obsesivă de a fi lăudat, de a fi centrul oricărei acţiuni sau eveniment şi, mai ales, de a i se accepta orice idee în detrimentul celor exprimate de tine sau de alţi colegi.

Asumarea succeselor ce nu-i aparţin şi exacerbarea importanţei acordate activităţii sale. Aşteaptă-te să-ţi fure ideile sau să ţi le critice în faţa tuturor pentru a sublinia corectitudinea soluţiilor găsite de el.

Rezistenţă scăzută la frustrarea provocată de critici. Dacă vrei să îţi ia în seamă ideile, fă-l să creadă că au fost inspirate de soluţiile propuse de el, mai ales în cazul în care vrei să aduci schimbări planului stabilit iniţial de acesta. Dacă vrei să faci totuşi nişte schimbări neaşteptate de el, pregăteşte-te să faci faţă unor riposte disproporţionate din partea lui.

Are pretenţii care nu au legătura cu fişa postului.Acest gen de şef consideră că totul i se cuvine în urma atribuirii unui statut preferenţial imaginar. S-ar putea să te transforme în asistentul personal, el fiind prea ocupat pentru a-şi face cafeaua sau pentru a cumpăra online nişte bilete la un concert pentru copilul său.

Folosirea secretelor în scopul ascensiunii profesionale.Nu îi dezvălui greşeli nesesizate de nimeni altcineva sau alte secrete, deoarece va considera că te are la mână! Nu are prea multă empatie şi nici scrupule atunci când vrea să avanseze, aşa că este ultima persoană în care trebuie să ai încredere!

Soluţii pentru interacţiunea cu un astfel de şef

Apără-ţi stima de sine în relaţia cu el. Dacă poţi, fugi mâncând pământul, deoarece este un şef toxic! Dacă nu poţi, atunci noul tău scop va fi apărarea stimei de sine, pe care narcisistul care îşi distruge concurenţa (reală sau închipuită) vrea să o atace.

Devino conştient de atuuri

Ideile şi munca ta sunt importante. Trece-ţi în revistă atuurile şi toate acele situaţii în care ţi-ai ajutat colegii în activităţile acestora, indiferent de cât de simple ţi s-au părut atunci. Dacă vrei, le poţi scrie sub forma unei liste pentru a le reciti ori de câte ori şeful plin de sine te face să te simţi o povară pentru companie.

Contabilizează rezultatele pozitive din activitatea ta

După ce ţi-ai descoperit calităţile, arhivează şi rezultatele pozitive avute. Atunci când îţi va spune că eşti inutil, accesează arhiva realizărilor şi a sarcinilor îndeplinite şi vei vedea cât de lipsite de realism sunt criticile sau reacţiile sale. Nu încerca să-l convingi de utilitatea ta, deoarece el nu caută argumente în relaţiile cu alţi oameni, ci motive pentru a-i supune. Important este să te convingi pe tine! Refuză ispita de a considera propriile rezultate ca fiind nişte detalii mărunte în activitatea complexă a companiei.

Verifică toate aşa-zisele critici puse pe seama altor colegi/manageri

Atunci când are impresia că şi-a pierdut credibilitatea în faţa ta, va încerca să îţi dea impresia că toată lumea este de fapt nemulţumită de tine. Ar fi o mare greşeală să-l crezi! Dacă ţi-ai ajutat colegii şi ţi-ai îndeplinit activităţile din fişa postului, este imposibil ca toată lumea să fie nemulţumită de tine.

Consolidează-ţi relaţiile cu alţi colegi

Narcisistul vrea să îţi impună viziunea lui despre lume şi viaţă, dar mai ales despre nivelul performanţelor tale. Dacă îi faci jocul, câmpul percepţiei tale privind legăturile profesionale din companie se va îngusta considerabil. Încearcă să îţi consolidezi relaţiile de colaborare cu alţi colegi şi manageri, chiar şi prin detalii mărunte, cum ar fi răspunsul rapid la o solicitare informală, dar importantă pentru confortul emoţional. Hrăneşte-te din relaţiile pozitive, sănătoase, avute cu alţi colegi pentru a-ţi întări stima de sine avariată în relaţia cu şeful toxic.

Pune accent pe calităţile admirate în relaţiile informale. Acceptă invitaţiile colegilor la masa de prânz, la concerte sau alte activităţi care pot consolida latura emoţională a relaţiilor profesionale. Ceilalţi te vor percepe aşa cum eşti, nu cum vrea şeful tău să rămâi în memoria colectivă a companiei.

Participă la climatul emoţional pozitiv din companie şi facilitează munca în echipă sau integrarea noilor angajaţi. Orice şef are la rândul său un alt şef, chiar dacă nu vrea să recunoască întotdeauna, iar acesta va şti mai bine să aprecieze sprijinul oferit prin implicarea ta.

Depistează cine mai este mulţumit de rezultatele şi calităţile tale, astfel încât să poţi migra într-un alt departament în cazul în care atmosfera creată de şeful tău devine insuportabilă.

Descoperă şi alte victime ale şefului, dar şi inamici

Şeful narcisist, atunci când îşi închipuie că îi este ameninţată supremaţia, riscând să piardă statutul de vedetă supremă, se poate comporta asemenea unui prădător. Cu siguranţă vei descoperi victime ce au preferat să nu vorbească despre abuzurile şefului tău, astfel încât îi vei înţelege mai bine comportamentul. În ceea ce-i priveşte pe inamicii lui, nu îţi spune nimeni să ţeşi intrigi pentru a-l răsturna de la putere, doar că s-ar putea ca rivalii săi să îţi ia apărarea când reacţiile lui vor fi considerate disproporţionate.

Nobila doamna din Yodo – In spatele oricarui luptator sta o femeie care iese la timp din castel

Titlul te face să-ţi imaginezi ceremonialuri feminine în care se revarsă chimonouri mătăsoase cu foşnet discret, paravane pictate, rivalităţi amoroase, chipuri machiate spre a fi perindate prin faţa bărbaţilor nelimoşi pentru a-i îmbuna sau răvaşe clandestine pline de versuri emoţionante. Vor apărea şi aceste detalii în romanul lui Yasushi Inoue, dar mai întâi trebuie să treci de scenele în care nu vezi decât bătălii, castele incendiate, nobili obligaţi să-şi facă seppuku pentru a muri demn, nu înainte de a scrie ultimele versuri, aşa cum o cere un ritual morbid ce arată că japonezul nu renunţă la estetic nici în momentele cumplite. Deşi este dominat de un personaj feminin ce a existat şi în realitate şi i-a stat alături în calitate de concubină preferată faimosului războinic Hideyoshi, cunoscut de cititori dintr-un alt roman al lui Inoue (Maestrul de ceai) drept personajul feudal nemilos ce i-a ordonat lui Rikyu, cel mai artist în ceremonialul ceaiului, să-şi facă seppuku, Nobila doamnă din Yodo nu este un roman scris special pentru un public feminin, şi nici pentru cei dornici de a găsi într-un roman japonez numai paradele unor chimonouri, monologuri introspective în grădini cu iazuri şi irişi, aranjamente florale, suspine şi iubiri imposibile. Personejele feminine din acest roman, majoritatea trecute în planul secund, nu au timp de toate astea. Sunt prinse în urgia luptelor şi a palatelor asediate, şi îşi acceptă pierderile cu mimica indescifrabilă precum o mască de teatru No, nu plâng după castelul în flăcări din care au ieşit la timp şi îşi asumă împăcate aceeaşi soartă cu a bărbatului războinic. Inoue a păstrat însă interesul niponului pentru vizual, pentru descriptiv, aşadar vei avea parte şi de nişte peisaje spectaculoase din regiunea lacului Biwa sau de forfota picturală a unei capitale imperiale. Totuşi, dacă ar fi să redai vizual întreaga acţiune din roman, îţi poti imagina mai degrabă un paravan cu mai multe scene de bătălie, care, odată desfăşurat, ajunge să-ţi dezvăluie, prinse între aceste scene de razboi, interioarele unui castel medieval japonez, în care stau femeile şi aşteaptă demne şi calme să li se hotărască soarta şi, din când în când, le cer doamnelor de companie să le aducă un chimonou frumos, apoi să pregatească lectica pentru a se duce la soţii lor pe front.

Nobila doamna din Yodo - Castelul OsakaConsiderat a fi unul dintre acele romane istorice de căpătâi ale celor interesaţi de cultura şi civilizaţia japoneză, Nobila doamnă din Yodo are consistenţa unei scrieri clasice, în care datele sunt bine documentate, şi densitatea unei cronici pictate, cu scene de bătălie, castele tradiţionale în fundal, culori vii şi aglomerări dinamice de personaje cu mimici încrâncenate în timp ce mânuiesc sabia. Uşurinţa şi naturaleţea prin care Yasushi Inoue descrie scenele de bătălie grandioase, fără a renunţa la estetic pentru macabru, îţi aminteşte de scenele dintr-un film-cult al lui Akira Kurosawa – Kagemusha, a cărui acţiune are loc în aceeaşi perioadă a conflictelor militare ce au dus până la urmă la unificarea teritoriilor nipone şi la tranziţia spre Epoca Edo, în care Japonia s-a aflat sub conducerea clanului Tokugawa, perioadă ce avea să fie asociată politicii izolaţioniste, militarizării şi dezvoltării artistice a teatrului Kabuki şi a picturii dominate de stampele cu femei seducătoare din cartierele plăcerilor, ce aveau să fie imortalizate de Hokusai şi Utamaro.

Dar cine este această doamnă din Yodo? În istoria Japoniei este cunoscută sub numele de Chacha, urmaşa unui important clan de luptători, ras de pe faţa pământului odată cu frumosul castel într-un mod sângeros chiar la ordinul viitorului său stăpân, Hideyoshi, unul dintre unificatorii ţării. Ajunsă concubina favorită a lui Hideyoshi, Chacha este aruncată în mijlocul unor conflicte militare ameninţătoare şi decisive, ce păreau fără de sfârşit, şi carea aveau să schimbe pentru totdeauna modul în care va fi guvernată Japonia până în era Meiji. Deşi Hideyoshi era vinovat de moartea părinţilor şi a oamenilor importanţi din viaţa ei, Chacha devine fascinată de prezenţa lui, descoperindu-i o latură sensibilă dincolo de cruzimea deciziilor prin care va dispune de vieţile celor din jur după bunul plac de parcă ar muta piesele pe o tablă de şah. Această latură a lui Hideyoshi, pe care doar ea o poate vedea, o va face să oscileze multă vreme între a se abandona acestei atracţii de neînţeles pentru cititorul indignat, şi dorinţa de a-l omorâ în timp ce doarme lângă ea după o prima noapte împreună, în care s-a desfătat cu trupul ei abia ieşit din adolescenţă. Iubirea care ajunge să o domine pe Chacha în preajma tiranului Hideyoshi, de care toată Japonia se temea, dar pe care Împăratul se baza, nu este singurul detaliu afectiv de neînţeles pentru cititorul occidental, care va găsi în romanul lui Yasushi Inoue suficiente contradicţii sufleteşti încât să-i pună la îndoială capacitatea de a înţelege umanitatea sau de a crea nişte personaje credibile din punct de vedere psihologic. Totuşi, cei care au mai citit despre mentalitatea japonezului medieval prins în mijlocul unor conflicte militare îi vor spune că, dimpotriva, Yasushi Inoue a redat perfect aceste portrete psihologice din roman, pe care, dacă vrei să le înţelegi, trebuie să adopţi o altă viziune asupra lumii, pentru a reuşi până la urmă să vezi o Japonie de altadată prin ochii lor.

Nobila doamna din Yodo - bataliasursa imagine: history.info

Trăirile lui Chacha, acceptarea senină a căsătoriilor aranjate pentru surorile ei mai mici rămase orfane, prietenia dintre concubinele aceluiaşi războinic, care îl însoţesc pe front fără a porni ele însele un mic război al geloziei, uşurinţa prin care se ducea la îndeplinire macabrul ritual seppuku, de parcă se compuneau nişte versuri sau se înşirau gânduri în faţa unui peisaj, îţi dau impresia că ai în faţă nişte protagonisti din altă lume, ce adoptă un alt cod emoţional decât acela din lumea ta. Şi într-un fel aşa şi este. Nobila doamnă din Yodo nu este doar o incursiune în istoria, obiceiurile şi ritualurile Japoniei militare din secolul al XVI-lea, ci o lecţie despre modelarea culturală a componentei afective. Personajele acestui roman explorează nişte trăiri care încep să capete o anumită coloratură greu de înţeles de către occidentali, dar fireşti în lumea lor. Indiferent de ura pe care o au faţă de seniorul care le nimiceşte familia şi ia hotărâri in locul lor fără să clipească, mulţi îi vor arăta lui Hideyoshi bunăvoinţa odată luaţi sub aripa lui protectoare, cum se întâmplă în cazul lui Chacha, dar fără a fi acuzaţi de ipocrizie. În relaţiile umane din această Japonie a samurailor şi a valorilor feudale, specifice Orientului Îndepărtat, nu ipocrizia declanşează calmul politicos în faţa unei persoane care a stârnit cândva ura şi dorinţa de răzbunare, ci o întreagă etichetă atât de bine absorbită de psihicul personajelor, încât ajunge să reglementeze toată succesiunea de gesturi, decizii şi manifestări comportamentale la care majoritatea cititorilor de azi nu se aşteptau. În Japonia protagonistei, fascinaţia unei concubine pentru războinicul ce reprezentase cândva o ameninţare, însoţită de un ritual prin care îi arată respectul şi acceptarea (considerate semnele unei revoltătoare supuneri de către alţii), nu era deloc nelalocul ei, iar Chacha este conştientă de valorile lumii ei şi de aceea îşi asumă sentimentele pentru Hideyoshi, chiar dacă nu poate uita nici moartea familiei sale de care acesta se făcea vinovat.

Prima jumatate a acestui roman, în care datele istorice legate de bătălii, de poziţionarea domeniilor feudale sau de ierarhiile militare abundă în detrimentul unor portrete adânci şi elaborate, te face să te întrebi unde este acel Inoue din Puşca de vânătoare, liric şi plin de sensibilitate. Pare să fi abandonat simţămintele şi gândurile personajelor, nepăsându-i dacă vrei sau nu să fii mai degrabă în postura de cititor empatic decât în cea de privitor detaşat al unei cronici pictate din secolul al XVI-lea. Încă de la primele pagini, asişti la succesiunea rapidă a unor fapte, confruntări şi înşiruiri de personalităţi militare care îţi pot îngreuna lectura dacă nu cunoşti multe informaţii despre istoria Japoniei, de mare ajutor fiindu-ţi însă notele de subsol, prin care traducătoarea Magdalena Ciubăncan îţi mai oferă şi date legate de ce se face şi ce nu se cade la un banchet nipon cu oameni de vază. Dacă ai răbdare, atunci vei avea parte de o desfăşurare umană de stări şi gânduri despre iubire, abandon, maternitate, rivalitate, gelozie, vinovăţie şi jocuri de culise puse la cale în acele încăperi ale palatului interzise privirilor indiscrete, doar că tot acest ritual feminin de câştigare a unui statut privilegiat în preajma lui Hideyoshi este subtil precum o pictură japoneză în care feţele personajelor par a fi de porţelan şi lipsite de cutele gata să trădeze crispări, patimi, revolte şi dureri interioare. Gelozia naşte schimburi de răvaşe pline de fraze evazive atunci când se aduc în discuţie amănuntele care tulbură armonia din încăperile feminine şi alimentează un şuvoi de cuvinte măgulitoare prin care temutul Hideyoshi potolea mieros temerile concubinelor sale, dovedindu-se un bun strateg şi în viaţa conjugală, nu numai în relaţiile diplomatice, abilitate ce îl pune într-o lumină curtenitoare şi nebănuită pe acest războinic despre care mulţi ar fi spus că toate sentimentele frumoase îi sunt străine.

Chiar dacă celor ce i-au descoperit pe clasicii japonezi prin romanele scrise de Kawabata Nobila doamnă din Yodo li se va părea auster, dar perfect pentru a fi oferit cadou unui apropiat pasionat de tacticile militare, gata să-l citească având şi o hartă alături, pe care să urmarească traseul parcurs de samuraii lui Hideyoshi, romanul are suficiente pasaje în care lirismul japonez să iasă la suprafaţă, dar mereu în constrast cu ameninţarea morţii, a separării brutale, cu tristeţea personajelor, cu pericolul.  Scena în care mama şi tatăl vitreg al protagonistei decid să îşi facă împreună seppuku pentru a avea parte de o moarte demnă în timp ce flăcările cuprindeau castelul asediat de Hideyoshi, îmbină, într-o manieră stranie, întunericul şi frumuseţea efemeră, atât de bine reflectate de nişte versuri pe care aceştia le compun înainte de a-şi lua viaţa, încât ajungi să afirmi că japonezul de altădată nu renunţă la poezie nici măcar atunci când terifiantul ameninţă să-i înghită întreaga fiinţă.

O-ichinokata a fost prima care şi-a scris scrisoarea de adio către lumea aceasta:

În noaptea aceasta de vară, la ceasul când era rânduit să punem geană pe geană, oare cântecul cucului ne cheamă spre tărâmul viselor ?

A fost rândul lui Katsuie să-i scrie răspunsul:

Cântecul cucului să înalţe spre nori numele ce va rămâne în faţa acestei vremelnice nopţi de vară.

Nobila doamna din Yodo - copertaEditura Humanitas Fiction, 2016

 

feature image: esacademic.com

Quaresma, descifrator – Cazurile detectivului Pessoa, fitness pentru minte

Pentru cei care s-au îndrăgostit de poeziile sale şi de reflectările din Cartea neliniştirii, dar care nu cunoşteau încă toate faţetele enigmaticului cameleon lusitan, vestea traducerii în limba română, de către Dinu Flămând, a prozelor poliţiste scrise de Fernando Pessoa a venit cu forţa unui breaking news. A scris Fernando Pessoa (şi) povestiri cu detectivi, anchete şi crime pline de mister într-o atmosferă în care mustesc suspansul şi personajele dubioase? Ei bine, talentul de a crea enigme nu l-a ocolit, dar l-a fructificat într-un stil propriu, apreciat mai mult de cei dornici de a găsi într-o anchetă mai degrabă o dezbatere asupra modului de a investiga o crimă, de la sortarea unor argumente, alegerea unui raţionament care să filtreze şi apoi să valideze probele până la discuţiile despre legătura dintre perceperea unei realităţi şi misterul ce îi conferă unei crime aura stranietăţii care sfidează legile coerenţei raţioanale, deşi punctul culminant al anchetei şi descoperirea vinovatului te uimesc tocmai prin găsirea unui punct logic şi cât se poate de lumesc în hăţişul unor fapte aparent inexplicabile. Fără a fi inaccesibil (mai mult, Pessoa te impresionează prin talentul de a concentra în mai puţin de cincizeci de pagini faptele pe care alţii le-ar întinde pe sute de pagini), volumul Quaresma, descifrator îţi pune totuşi două condiţii: răbdarea de a parcurge mai întâi pasajele destinate explicaţiilor privind metodele de investigare şi modul de alegere a unei anumite piste înainte de a te arunca direct în mijlocul anchetei suculente, şi apetenţa pentru logică în detrimentul căutării unor fapte senzaţionale prezentate într-o manieră spectaculoasă.

Petrecute în Lisabona începutului de secol XX, când străzile pline de case rafinate se puteau continua cu maidane şi scurtături periculoase, anchetele derulate de Quaresma nu conţin personaje cu iz exotic şi biografii care să te intrige. Modul în care sunt desfăşurate anchetele şi relaţiile dintre personaje seamănă mai degrabă cu un film de epocă minimalist, în care detectivul nu este de fapt un detectiv în adevăratul sens al cuvântului, ci mai mult un personaj misterios până la inadecvare, fascinat de însăşi activitatea de a descifra. Pe Quaresma nu-l interesează finalitatea morală a rezolvării unui caz, şi nici background-ul psihologic. Nu este un profiler (deşi cochetează serios cu ideea în povestirea Scrisoarea magică, în care se înhamă la o analiză psihologică avant la lettre pentru epoca lui), ci un detectiv de modă veche, pentru care o anchetă nu este motivată de o datorie civică exprimată bombastic în lozinci despre Adevărul apărat de oamenii legii, cum vezi în filmele americane. Quaresma tratează fiecare caz cu voluptatea lentă a celui gata să transforme căutarea făptaşului într-un festin al raţionamentului pur, iar absenţa unei intrigi bogate şi pline de ramificaţii este din plin compensată de acel element comun celor nouă proze incluse în acest volum: incapacitatea anchetatorilor de a-şi explica producerea crimei/dispariţiei/furtului de scrisori şi obiecte de artă când locul infracţiunii era securizat şi impenetrabil. Acest detaliu, ce ţine de inexplicabil şi pe care nişte locuitori ai Scoţiei l-ar pune în contul plin de acte reprobabile înfăptuite de nişte fantome, devine acel ceva prin care Pessoa te ţine captiv până la capătul anchetei fără alte artificii ce ţin de sfera senzaţionalului şi mai puţin de plăcerea de a reflecta asupra diverselor piste strict ancorate în zona raţionamentului, a gândirii.

Dacă te aşteptai la nişte povestiri pline de acţiune, s-ar putea să ţi se pară trasă de păr această manie a lui Quaresma de a-şi expune argumentele de parcă ar ţine o lecţie de logică sau o disertaţie ce împrumută farmecul maieuticii socratice, dar odată lămurit modul în care alege o anumită pistă în detrimentul alteia după ce a reuşit să analizeze cazul şi să trieze toate posibilităţile şi ipotezele ce le-au dat bătăi de cap altor anchetatori, vine partea plină de dinamism, în care misterul şi inexplicabilul sunt lăsate să-şi facă de cap înainte de a fi îmblânzite şi reduse la stadiul de raţionament concis. Pessoa, prin vocea protagonistului ce seamănă cu un alter ego al său, îşi asumă rolul unui îmblânzitor, care transformă fiinţele impetuoase, ce se află în spatele unor crime şi actele lor alimentate de pasiuni, lăcomii şi dorinţe de răzbunare, în felinele submisive ce ascultă calme expunerea unui argument ce a dus chiar la demascarea lor.

Un punct forte al volumului este selecţia celor nouă proze şi mai ales modul în care acestea se succed, amintindu-ţi de priceperea unui curator. Mai întâi îţi faci încălzirea mentală şi îţi pui neuronii să facă puţin fitness prin cele două povestiri de la începutul volumului – Cazul Vargas şi Pergamentul furat– în care te obişnuieşti cu modul de lucru al protagonistului, apoi te laşi răpit şi aruncat direct în miezul enigmaticelor infracţiuni, ai caror făptaşi par să se fi evaporat pentru a trece dincolo de pereţii unor camere bine păzite, să fi avut puteri herculiene (Moartea lui Don Juan), curajul unui gangster (Furtul din Conacul Viilor) sau mintea diabolică a celui ce a înscenat o sinucidere (Cazul camerei încuiate), şi ale căror victime au dispărut în drumul dintre uşa imobilului şi unul dintre etaje (Dispariţia doctorului Reis Gomes).

Cei obişnuiţi cu imaginea unor anchetatori care folosesc ultimele tehnologii pentru depistarea vinovaţilor, care îşi riscă uneori viaţa în căutarea probelor vitale pentru soluţionarea cazului, descoperă în imaginea lui Quaresma un protagonist atipic. Nu merge pe teren, nu filează persoanele suspecte, nu începe scormonirea prin dosarele cu informaţii ce ţin de viaţa intimă şi de tulburările psihologice ale posibililor vinovaţi (dar are o intuiţie ieşită din comun, folosită  pentru a depista simptomele unor tulburări), şi nici nu vrea să includă faptele într-un context social-politic pentru a trage  concluzie moraliste asupra epocii sale. În viziunea lui Quaresma, găsirea vinovatului nu înseamnă o reparaţie morală şi nici restabilirea echilibrului dintre Bine şi Rău. Pentru acesta, rezolvarea unor cazuri insolite şi complicate mai mult din cauza modului inexplicabil de a pătrunde în spaţiul infracţiunii (de cele mai multe ori aflat sub strictă supraveghere) are lejeritatea detaşată a unui joc şi abstracta stilizare a unei probleme de logică, dar în care lupta ipotezelor ia o formă ludică. Nu se arată niciodată contrariat, nu dă (imediat) în vileag criminalul (Complici sau Tribunalul, Scrisoarea magică), fără a fi el însuşi un amoral, ci doar un detaşat, care, asemenea celor dependenţi de jocurile de cuvinte, se distrează punându-şi mintea la contribuţie. Doar că jocul preferat de el constă în a testa limitele propriei inteligenţe prin rezolvarea unui cazuri înşelătoare, ce sfidează logica, pe care alţii le-ar fi pus pe seama unor fenomene oculte.

Departe de a fi un detectiv charismatic şi aventurier, pregătit să înfrunte primejdiile pentru a intra în mediile sociale care l-ar obliga să iasă din zona familiarului, Quaresma rămâne un discret, care preferă să rezolve crima din fotoliu, apoi să-şi expuna argumentele sub forma unui dialog la graniţa dintre logică, eseul filosofic şi estetică. De fapt, ai fi tentat să crezi că ai de-a face nu neapărat cu nişte rezolvări ale cazurilor, ci mai degrabă cu nişte reflecţii asupra modului în care sunt rezolvate cazurile, de cele mai multe ori considerate o fisură ce-i permite insolitului să se infiltreze în familiar, creând iluzia unei rupturi de natură logică, vinovatul semănând cu artiştii capabili de a manipula detaliile unei compoziţii pentru a regiza o iluzie optică (nu şi pentru Quaresma, pregătit să proclame triumful logicii în orice situaţie şi până-n pânzele albe). Indiferent din ce unghi le-ai privi, cele nouă proze te determină să treci dincolo de toate detaliile şi expunerile abundente ale unor ipoteze pentru a putea admira prelegerea despre estetica investigaţiei logice admirate de un descifrator care priveşte spectacolul vieţii cu detaşarea lusitanului senin ce admiră un apus printre străzile vechi deasupra cărora se înalţă turnul unei catedrale renascentiste. Doar că-n situaţia lui Quaresma, acel saudade potolit doar cu suspinele unui fado se tranformă într-o contemplare a modului în care logica poate expune de fapt toată forfota unei umanităţi neliniştite, plină de patimi, dar este o logică din ţara nostalgiei luminoase precum apusul de pe un ţărm portughez cu oraşe vechi, aşadar departe de a fi una rece şi străină firii umane, pe care emoţiile o aruncă într-o dezordine impetuoasă. La final, îţi rămân în minte vorbele ce aproape nu mai fac posibilă diferenţierea între Pessoa şi personajul său:

Am încercat întotdeauna să fiu doar un spectator al vieţii, fără să mă amestec în ea. […] Faţă de viaţă manifest doar interesul unui descifrator de şarade. Mă opresc, descifrez, apoi plec mai departe.

Quaresma, descifrator - copertaEditura Humanitas Fiction, 2016

 

 

feature image: portretul lui Fernando Pessoa, realizat de Jose de Almada Negreiros; wikiart.org

Axolotul. Povestiri cu cronopi si glorii – Lui Cortazar i se permite orice

Când ajungi să citeşti ce-i trece prin cap lui Cortazar, te întrebi dacă nu cumva face parte dintr-o castă specială, a privilegiaţilor cărora li se permite orice în relaţie cu limitele unei realităţi înţelese ca verosimil şi coerent. El are voie să pară aberant în prozele sale, să se ia la trântă cu logica precum un copil sfidător ce inventează orice pentru a reuşi să atragă atenţia asupra lui fără a provoca stupoare, ba mai mult, ajunge chiar să fie luat în serios ca nimeni altul, apoi să fie pus în galeria oamenilor mari ce au făcut din avangarda sud-americană ceea ce este şi azi: un izvor nesecat de inspiraţie pentru experimentele ajunse în zona realismului magic sau a suprarealismului bine deghizat în real. Julio Cortazar scrie cu atâta convingere şi nonşalanţă despre fiinţe imaginare, tablouri celebre interpretate nastruşnic, bizarerii amuzante, ritualuri casnice halucinante, cu tigri şi reuniuni ciudate, sau despre o Romă personală bizară, ameninţată de furnici, încât ajungi să-l crezi pe cuvânt atunci când povesteşte despre transformarea omului într-un axolot, o vietate despre care puţini au auzit, dar el susţine că o vede oricând vrea la un acvariu din Paris, sau despre nişte fiinţe cu apucături opuse, numite cronopi şi glorii.

Prozele adunate în volumul Axolotul. Povestiri cu cronopi şi glorii devin un deliciu pentru fanii lui Julio Cortazar, dar şi pentru cei dornici de a citi despre o realitate răsturnată fără ca suprarealismul să fie intruziv şi flamboaiant ca în scrierile unui novice (abia când îl citeşti pe Julio Cortazar îţi dai seama că răsturnarea unei realităţi cu fundu-n sus este o artă şi nu oricine îşi permite fără a se face de râs şi a-l irita pe cititorul gata să creadă că-şi pierde timpul cu aberaţii). Ori de câte ori scrie despre fapte ieşite din comun sau despre vieţuitoare inventate, Cortazar se foloseşte de o naturaleţe a insolitului obţinut prin modificarea subtilă a unui detaliu bine ancorat în real, încât suprarealismul nu-ţi explodează în faţă, ci mai degrabă se prelinge în amănunte ce stârnesc râsul odată ce ritualul cotidian este parodiat într-un cabinet de curiozităţi devenit o galerie a rutinei familiale ironizate, sau te fascinează prin vizualul poetic desprins de stereoptipurile asociate unui mare oraş, precum Buenos Aires, Roma sau Paris.

Chiar şi pentru cei familiarizaţi cu acel ritual prin care Julio Cortazar glisează între aberant şi banalul cotidian, scrierile din acest volum sunt ameţitoare şi înşelătoare dacă unor cititori le vine cumva ideea neinspirată de a verifica existenţa fiinţelor sau faptelor pomenite. Ajung să fie derutaţi, încât iau realitatea drept plăsmuire (cum se întâmplă în cazul vietăţii reale botezate de azteci axolotl) şi plăsmuirea drept realitate. Confruntarea universului în care argentinianul supareal se mişcă în voie dăunează grav lecturii, mai ales plăcerii şi relaxării obţinute prin alunecarea într-o lume unde până şi logica se mai odihneşte, iar calculele obiective se dilată în povestiri despre fobii comice şi tulburări ce s-ar putea diagnostica sau, la fel de bine s-ar putea să existe în afara oricărui compendiu de psihiatrie. Halucinantul nu devine un simptom în lumea din care Julio Cortazar îşi alege personajele cărora le permite să se manifeste în voie, ci o lege a firii atâta vreme cât vrea să extragă ficţiunea pură folosindu-se chiar de aparenţele plate şi rutiniere ale realităţii. Zecile de povestiri şi fantasmagorii când amuzante, când înfricoşătoare prin stranietatea deghizată uneori în suspansul imprevizibil de la finalul unui ritual domestic ieşit din comun, precum scena unui teatru absurd, şi ale cărui motive sunt ţinute în tăcere, devin greu de relatat dacă le scoţi forţat din acel cadru în care sunt conservate voluptatea insolitului, poezia cotidianului suprarealist şi farmecul satirei bine camuflate într-un joc nebunesc. Pe Cortazar nu-l povesteşti, ci îl citeşti în metrou, în drum spre job, când stai la coadă pentru plata impozitelor sau în drum spre o rubedenie agasantă pe care trebuie să o vizitezi, dar ai grijă, hohotele de râs provocate de personajele ce s-au angajat la poştă sau mirarea stârnită de frica unei mătuşi din lumea lui inventată s-ar putea să nu fie privite cu ochi buni de oamenii serioşi din jurul tău.
Pentru cei seduşi deja de proza lui Cortazar şi de modul în care sud-americanii au adaptat binefacerile suprarealismului la propria moştenire culturală, miniaturile din volumul Axolotul. Povestiri cu cronopi şi glorii nu au nevoie de prezentări ample, deoarece apetitul pentru ieşirea din previzibil este deja treaz. În schimb, dacă n-ai auzit încă de jocurile lui Cortazar, poţi începe să citeşti aceste povestiri în drum spre un festival de film experimental. Vizualul bizar şi poetic în acelasi timp, deturnarea previzibilului plin de stereotipuri, deformarea realului ca într-o piesă de teatru absurd şi manipularea unor arhicunoscute repere, simboluri şi arhetipuri pe care le aduce în zona unei stranietăţi amuzante cu sclipiri de satiră pot face din fiecare proză inclusă în acest volum un scenariu de film avangardist, în care spectatorul nu este însă forţat să se scufunde brusc în adâncurile inconştientului pentru a încerca să înţeleagă ce a vrut de fapt artistul să reprezinte, ci se poate menţine la suprafaţă, deoarece îi vor fi suficiente imaginile de pe ecran pentru a intra în jocul regizorului ce poate jongla cu orice reper al cotidianului fără a-l deforma, ci doar prin modificarea unor succesiuni de gesturi fireşti sau a locului ocupat de un anumit element în tabloul banalului pe care nici nu-l mai bagi în seamă odată ajuns obişnuint. Tocmai acesta este marele talent al lui Cortazar: obţinerea suprarealismului prin introducerea unui element nemodificat vizual într-un ritual cotidian în care nu ar fi avut ce să caute, dar pe care actorii acestui ritual îl primesc asemenea unui dat al firescului, sau prin inventarea unor fiinţe – cum ar fi cronopii şi glorii- cărora le atribuie gesturi şi comportamente umane, încât să pară mai degrabă purtătorii unui mesaj satiric despre ordinea pragmaticilor şi dezordinea vieţii de artist, despre seriozitatea rolului de adult şi pofta de contestare demnă de niste adepţi ai ludicului, ce nu vor să se ia în serios, deşi rezistenţa lor este cât se poate de serioasă. Poţi comanda acest volum de pe Cărtureşti
Axolotul - copertaEditura Art, 2015
feature image: Rene Magritte, Homage to Alphonse Allais, wikiart.org

Eisenstein in Guanajuato – Eros si Thanatos in Mexic

Filmul care a închis cea de-a şasea ediţie a Festivalului de Film Experimental (BIEFF) –Eisenstein in Guanajuato– nu te menajează deloc dacă îţi repugnă poveştile amoroase (fie ele şi lirice) având ca protagonişti doi bărbaţi. În schimb, dacă nu ai probleme în a vedea şi partea afectivă dincolo de scenele unei relaţii carnale ce i-ar face pe haterii huligani să rupă scaunele din sală (norocul spectatorilor că aceştia nu au auzit de BIEFF), atunci vei avea parte de un film nonconformist şi plin de umor despre căutările şi rătăcirile unui artist inocnic.  Sexualitatea, miturile precolumbiene despre iniţiere, viaţă şi moarte sau căutarea inspiraţiei artistice în ţinuturi exotice urmate de transformări interioare benefice creaţiei se amestecă într-o abordare candidă şi ludică a relaţiei dintre sexualitate, excentricitate, artă şi tabu.

Regizorul Peter Greenaway nu pare să aibă vreo reţinere şi exprimă exact ce-i trece prin minte când vrea să abordeze partea iconoclastă din psihicul unui artist devenit monument, cum este şi zeul filmului mut sovietic. Nu poţi avea decât două tipuri de reacţii la vizionarea filmului. Să te bucuri de caricatura deloc umilitoare ce pare mai degrabă o umanizare plină de compasiune a statuii rigide construite de un mit al societăţii comuniste. Să guşti umorul bine alimentat de intepretarea actorului Elmer Back şi să apreciezi modul în care Greenaway a jonglat cu stereotipurile culturale şi sexuale încât să nu-ţi provoace repulsie. Totodată, dacă faci parte din tabăra celor oripilaţi de scenele incandescente, ai putea să deteşti protagonistul tocmai datorită unei viziuni ce leagă actul creaţiei de subteranele unei sexualităţi tabu, greu de acceptat încă în ţara lui Eisenstein (şi nu numai). Indiferent de ce parte ai fi, dacă alegi să rămâi până la sfârşitul filmului, nu poţi nega tonul neaşteptat de sentimental şi nostalgic. Datorită acestui ton, vezi din alt unghi metamorfoza relaţiei ce nu promitea să depăşească stadiul carnal. Legătura dintre marele cineast şi un intelectual mexican şarmant se transformă într-un dialog referitor la relaţia dintre mit, erotism şi întâlnirea cu stranietatea păgână a sălbaticului simbolizat de ieşirea din zona de confort a familiarului asociat cu spaţiul cultural al ţinutului de baştină.

Einsenstein on Guanajuato - scheletulDar cine este Eiseinstein? Regizorul îţi dă de înţeles că n-ar trebui să te ruşineze această întrebare într-o lume în care istoria cinematografiei este ignorată în programa şcolară. De aceea are grijă, prin alăturarea unor imagini de arhivă, să-ţi prezinte pe scurt (fără să afecteze ritmul alert al filmului) identitatea acestui personaj atât de important. Descoperi un Eiseinstein curtat de producătorii de la Hollywood, apreciat de Charlie Chaplin, zeificat în Rusia lui Stalin pentru contribuţia la triumful cinematografic al socialismului prin filmul dedicat revolutiei, dar primit ca un nabab al imperialismului în Mexicul unde amintirea tovarăşului Troţki este încă vie.

Eisenstein in Guanajuato - camera de filmatEisenstein este nimeni altul decât titanul filmului mut, care şi-a permis luxul de a sparge felinarele capitalei sovietice încât să le dea de lucru angajaţilor de la salubritate, doar pentru a reproduce furia şi răzvrătirea furibundă a popurului asuprit şi eliberat de Lenin. Filmul său despre revoluţia lui Lenin, al cărui titlu a fost tradus în engleză prin Ten Days That Shook The World, i-a purtat faima până în Mexic. Doar că, în ţara cactuşilor şi a lui Pancho Villa, cineastul rus îi va aduce un omagiu lubric revoluţiei prin ruperea cu propriul trecut pudic. Un trecut ascuns, necontaminat de frenezia erotică decât atunci când putea fi sublimată în creaţiile cultural-artistice apreciate de tovarăşul Stalin care, în cele din urmă, îi dă voie să plece în Mexic pentru a se bucura de acele zile ce aveau să-l schimbe. Zile pline de explorări ce nu puteau fi subiectul unui film care să ruleze şi în URSS.

Venit din lumea unei încrâncenări mohorâte şi a unui limbaj de lemn sărăcit de teroare, Eiseinstein, pe care Elmer Back îl transformă într-un copil mare şi într-un sentimental adorabil ascuns în spatele unui teribilism adolescentin, va cunoaşte binefacerile unei alte lumi, una îndepărtată şi însorită. Nu vei găsi un bolşevic aprig, ci un excentric ludic, pe care nici autorităţile ce-şi trimit avertismentele prin secretara lui rămasă la Moscova nu-l pot face să revină cu picioarele pe pământul revoluţiei, după ce în Mexic se întâlneşte cu tentaţiile a tot ceea ce este străin şi frenetic, departe de tentaculele cenzurii şi ale gulagului.

Eisenstein-in Guanajuato - ei si scheletulÎn Mexic, unde spera să se inspire din cultul morţilor păstrat de urmaşii aztecilor din oraşul Guanajuato, Eiseinstein este readus la viaţă prin întâlnirea cu Palomino Canedo (Luis Alberti). Bărbatul specializat în istoria religiilor, dar impresiona mai mult prin alura unui dansator de tango decât a unui profesor exigent cu elevul străin. Cel ce-i va servi drept ghid îşi va îndeplini menirea înţeleasă într-un sens ezoteric-iniţiatic. Se va implica personal în călăuzirea erotică a cineastului prins cu o vastă galerie de reproduceri fotografice ale nudurilor masculine din istoria artei când i-a fost percheziţionată valiza. Ghidul intuieşte teama lui Eisenstein de a-şi asuma fizic propria orientare sexuală fără a mai sublima erotismul în glume fără perdea, ce-ţi amintesc de acel regizor din romanul lui Alberto Moravia, care se temea de irosirea energiei creatoare în actul sexual. De aceea profesorul mexican îi oferă o iniţiere bruscă, şocantă pentru anumiţi spectatori, dar salvată de la scabros prin replicile pline de umor cu trimiteri la cucerirea precolumbienilor şi la triumful revoluţiei bolşevice.

Prin întâlnirile erotice, personajele încep să parodieze toate lucrurile sacre, de la simbolurile propagandei sovietice la dramele băştinaşilor supuşi de conchistadori, de parcă sexul ar fi un performance subversiv ce deturnează manifestul politic gata să acapareze orice act de creaţie în societăţile totalitare. În istoria secretă a vieţii lui Eisenstein, aşa cum o redă Greenaway, evenimentele au un alt deznodământ. Europeanul este cucerit de urmaşul precolumbienilor, devenit simbolul a tot ceea ce este liber, viril, curajos, vital, întunecat şi necunoscut. Protagonistul mexican transformă prima întâlnire cu timidul Eisenstein, ce mimează teribilismul unui copil mare cu aere de excentric, într-o scenă care aminteşte de comediile despre ezitările unui virgin nimerit din greşeală în Tijuana, unde este asaltat de avansurile unei profesioniste. În ţara unde miturile sunt la ele acasă, pe străzi şi în fiecare discuţie, iar moartea un ritual de trecere, până şi ideile freudiene despre sexualitatea reprimată, sublimare, artă şi refulare iau forma unei metafore contaminate de interpretările magice ale riturilor de iniţiere.

Einseinstein in Guanajuato - procesiuneaAr fi nedrept să reduci Eisenstein in Guanajuato la o tentativă de răzvrătire cinematografică împotriva limitelor moralei tradiţionale printr-o prezentare a explorărilor homosexuale din lumea secretă a lui Eisenstein. Peter Greenaway se foloseşte de acest detaliu tabu -deloc subtil în filmul său ce prezintă o expunere incandescentă a relaţiei dintre cineastul sovietic şi profesorul mexican ce-i servea drept ghid – tocmai pentru a transforma erotismul carnal într-o reflecţie asupra dificultăţilor de a face un film de autor provocator când libertatea artistului este limitată de finanţare, cenzură sau de contextul istoric nepregătit pentru o viziune nonconformistă, experimentală.

Eisenstein in Guanajuato este de fapt cronica unei aventurări într-o lume necunoscută, unde graniţele între halucinant şi real, între modern şi ancestral sunt ambigue. O lume în care autodescoperirea dublată de găsirea unor noi surse de inspiraţie devine o călătorie iniţiatică în universul arhetipurilor şi al simbolurilor. Acestea nu sunt decodificate prin explicaţii enciclopedice. Sunt în schimb prezente în imaginile unei procesiuni felliniene cu măşti şi costume tradiţionale, în plimbările printr-un muzeu al mumiilor ce amintesc de sacrificiile din legendele aztece şi în discuţiile cvasiamuzante despre legătura dintre pierderea virginităţii, asumarea identităţii sexuale prin infruntarea fricii şi întâlnirea cu partea ascunsă a psihicului, ce-i permite erotismului neasumat, care induce teama de sine, să se manifeste prin evocarea miturilor. În filmul lui Greenaway, lumea de dincolo este mereu invocată prin adaptarea la simbolistica precolumbiană a teoriei despre Eros şi Thanatos, cele două dimensiuni ale psihicului ce nu permit negocierea. Deghizarea simbolurilor culturale occidentale în culorile exuberanţei locale ce dă în clocot sub soarele arzător al Mexicului ar putea fi comparată fantezist cu apariţia lui Freud în mijlocul detaliilor aztece dintr-un tablou al Fridei Kahlo, deşi regizorul nu recurge la vizualul unor cadre onirice, rămânând într-un registru ce se apropie mai degrabă de acele tentative de recreere a unei imagini de epocă.

Eisenstein in Guanajuato - cafeneauaNu vei găsi în acest film reprezentări ale insolitului care să capete o nota aberantă demnă de o metamorfoză suprarealistă sau de realismul magic, în ciuda referirilor obsesive ale personajelor la miturile precolumbiene ce leagă sexualitatea de moarte şi de călătoria iniţiatică. Realitatea, cel puţin în aparenţă, rămâne la locul ei. Ba mai mult, ea este împănată cu imaginile familiare pe care publicul larg le atribuie Mexicului din vremea Fridei: urmaşi ai lui Pancho Villa, cu sombrero şi poncho, gata de a răpi nişte celebrităţi pentru o recompensă, ca într-un western, discrepanţa socială între autohtoni şi urmaşii conchistadorilor, fantomele colonialismului, casele în culori tari, întinse de-a lungul străduţelor înguste, faţadele unor biserici hispanice rămase de pe vremea lui Cortes, ţinutele vesele şi detaliile ce luminează cadrele prin nuanţele prezente în florile din părul Fridei. Nici un clişeu nu lipseşte din acest Mexic împărţit între lumea exterioară de sub soarele orbitor şi luminile aurii din somptuoasa cameră de hotel rezervată lui Eisenstein, ce seamănă mai mult cu sala unei opere în stil baroc, tocmai bună pentru a fi prădată şi devastată de bolşevicii din filmele sale. Dar Peter Greenaway ştie cum să oprească avântul clişeelor dincolo de rolul lor în a facilita o familiarizare a spectatorului cu o lume ce s-ar putea să conţină şi elemente sau referinţe culturale necunoscute.

Regizorul transformă fiecare detaliu iconic într-unul ce poate fi exploatat pentru a face trecerea către mit sau pentru a face din extravaganta cameră de hotel a lui Eisenstein decorul unui performance subversiv şi amuzant cu trimiteri la Hamlet. Personajele ajung să gliseze către o lume a inconştientului prin interpretarea ideii de siesta ca formă a unei scufundări ce permite amorţirea vigilenţei necesare autocenzurii, autocontrolului. La rândul său, amantul exotic începe iniţierea prin cultul siestei, ce permite împărţirea zilei în două printr-un somn ce alungă epuizarea provocată de arşiţă, fiind atât de aproape de călătoria mitică într-o altă lume.

Eiseinstein in Guanajuato - subteranCe vezi de fapt? O incursiune în etapa în care un cineast îşi caută inspiraţia şi noi sponsori pentru a-i oferi fondurile necesare (că tot suntem în zona filmelor nonconformiste fără potenţial de blockbuster)? Un dialog vizual cu simbolurile culturale şi reprezentarea lor cinematografică, sau cu modul în care cinematografia manipulează percepţia (prin împărtirea ecranului în trei imagini, unele color, altele alb-negru, care prezintă unghiuri diferite asupra unei scene similare)? O reverie carnală în culorile din ţinutele Fridei Kahlo? O reflecţie asupra relaţiei dintre autodescoperire, creaţie şi erotism, trecută prin universul magico-religios al precolumbienilor? O satiră nemiloasă. Un spectacol cinematografic gata să dea de pământ cu statuile de pe soclu? Poate un alt film prin care Peter Greenaway îşi face de cap, fără a-i păsa de indignările celor din jur, de regulile îmbălsămării enciclopedice prin care se scot organele ce-l leagă pe artist de plăcerile vulgare pentru a rămâne ţeapăn când este canonizat? Sau o joacă fără noimă cu ipocrizia ce vrea să asaneze biografia unui artist inconic? Poţi crede exact ce vrei, Peter Greenaway nu se sinchiseşte să te conduca pe un anumit drum al interpretării oferite filmului său. Nu are pretenţii elitiste, deşi trebuie să fi citit măcar câteva rânduri despre teoria lui Freud şi despre psihanaliză, sau măcar despre miturile aztecilor, pentru a-i înţelege filmul.

Eisenstein in Guanajuato este accesibil datorită locurilor comune expuse vizual, dar fără a deveni comercial. O singură condiţie îţi pune Greenaway: aceea de a respecta (dacă nu poţi accepta) dreptul unui artist de a fi el însuşi, de a se bucura de un scurt episod în care degringolada simţurilor şi a Erosului devine singura oază de libertate ce uneşte corpul de imaginaţie, permisă unui artist ce a depins totuşi de arbitrarul politicului din lumea guvernată de un dictator paranoic.

Pelicula Eisenstein in Guanajuato a închis ediţia din 2016 a Bucharest International Experimental Film Festival (BIEFF).

Sursa imaginilor: Films Boutique


LYTE video

Ultimele articole