Runaway – Inainte de a vedea filmul regizat de Almodovar

Noul film regizat de Pedro Almodovar (Julieta) readuce în prim-plan lumea feminină plină de neprevăzutul ascuns în banal, atât de bine descrisă de Alice Munro în prozele din vomul Runaway (Fugara, Ed. Litera). Trei dintre povestiri – Chance, Soon, Silence – l-au inspirat pe cineastul spaniol, care o alege pe Julieta, protagonista a cărei viaţă este relatată în aceste proze, să reprezinte feminitatea modernă, dar captivă încă în dramele vechi de când lumea. Ecranizarea acestor trei povestiri este unul dintre motivele care te vor determina să citesti prozele scrise de Alice Munro. Vei înţelege mult mai bine profunzimea filmului şi te vei bucura de reprezentarea vizuală a unei lumi în care secretele şi enigmele din spatele acţiunilor plutesc discret.

Cele opt povestiri din Runaway sunt o celebrare a feminităţii surprinse la vârste diferite. Prin dramele comune, dar care iau o întorsătură ieşită din comun (dar nu mai puţin firească), Alice Munro prezintă o perspectivă asupra universului feminin explorat la 360 de grade în care dezamăgirile şi melancolia capătă profunzimea deghizată în farsele jucate de o forţă capricioasă a destinului, căruia nu i se pot opune. Totuşi, fatalismul este înlocuit de resemnarea în faţa insolitului prin manifestări discrete. Tocmai datorită acestei perspective adânci şi neobişnuite ai impresia că te afli de fapt în faţa unor povestiri care ajung să capete acea consistenţă psihologică şi temporală specifică mai degrabă unui microroman.

Fiecare povestire începe de la scenele simple, regăsite adesea în filmele anglo-saxone care prezintă melodramele petrecute în oraşele mici, unde nu se întâmplă mai nimic, iar cea mai mică indiscreţie sau greşeală devine un spectacol pentru cei din jur, care vor alimenta bârfele şi prejudecăţile trecute din generaţie în generaţie. Dar scoaterea la suprafaţă a secretelor este amânată prin detalii simbolice bizare, dar care le permit unor protagoniste să evite o expunere umilitoare. Cei din jur nu le vor afla tainele, iar acest detaliu îi dă cititorului impresia că participă la o confesiune neaşteptată, care în loc să clarifice, dublează autenticitatea emoţională cu stranietatea ce învăluie motivele care determină acţiunile personajelor.

Alice Munro se dovedeşte a fi o maestră a răsturnărilor de situaţie, doar că preferă să le prezinte în surdina discreţiei specifice secretelor dureroase, păstrate în tăcere mulţi ani. Aşadar, ce începe monoton, cu scenele unei rutine casnice, de pe veranda unei case de orăşel izolat, cu întâlnirea în prăvălia unui ceasornicar, cu pierderea unei poşete după o piesă de teatru, cu dialogul dintre o şcolăriţă şi angajata unui hotel sau cu dialogul dintre un pescar şi o timidă licenţiată în studii clasice, devine treptat o avalanşă de secrete dureroase, decizii neaşteptate şi explicaţii amânate. Toate acestea  ajung să favorizeze apariţia unor enigme în lanţul acţiunilor care leagă motivele de acţiunile care ajung să producă nişte cicatrici, dar şi nişte vindecări într-un mod neconvenţional.

Deşi aduce laolaltă femei din categorii sociale sau din generaţii diferite, Alice Munro nu insistă asupra conflictelor. Protagonistele ei nu sunt rivale, ci mai degrabă nişte complice, iar această complicitate afectivă devine şi mai eficientă atunci când abia se cunosc. În Runaway, o văduvă elegantă şi erudită o ajută pe o tânără debusolată, abia ieşită din adolescenţă, să-şi părăsească iubitul care o neglijea şi o domina psihologic, doar că marea decizie nu este influenţată de analiza profundă sau de schimbul de experienţă între două generaţii, ci de intervenţia unui element simbolic de la graniţa cu mitul, cu percepţia miraculosului camuflat într-un detaliu perceput dintr-o perspectivă suprarealistă (dar fără a brusca veridicitatea). Acelaşi dialog între femeia matură din clasa privilegiată şi tânăra vulnerabilă, din clasa de jos va avea urmări neaşteptate şi în povestirea Passion. Spre deosebire de Runaway, Passion are la bază o complicitate mută, în care lipsesc sfaturile, dar abundă acele dovezi subtile ale solidarităţii sudate de un inconştient feminin colectiv. În această povestire despre o fată inteligentă, dar prea săracă pentru a merge la universitate, care va fi prinsă între pasiunile trezite în doi fraţi vitregi, mărturisirile se inserează prin aluzii, mai puţin prin replici directe. Între tânăra care va tulbura apele în familia respectabilă şi mama celor doi fraţi rivali va exista un acord tacit, insesizabil pentru cei din jur, nicidecum un conflict între ispititoarea intrusă, care distruge solidaritatea fraternă şi acea cloşcă snoabă din upper class gata să apare cu orice preţ reputaţia familiei şi aparenţele.

Personajele feminine din cartea lui Alice Munro îşi revizitează trecutul derulat sub forma unei retrospective amoroase. Unele cu scopul de a găsi răspunsurile privind înstrăinarea de propriul copil, aşa cum se întâmplă în tripticul dedicat Julietei. Altele se trezesc ameninţate de un alt personaj feminin care le cunoaşte secretele, cum se întâmplă în Trespasses. Mai există şi personaje care vor să afle, peste zeci de ani, motivul unei revederi eşuate (Tricks) sau de ce interesul unui bărbat care le-a atras cândva s-a îndreptat spre o altă femeie, considerată inferioară (Powers). Fie că poate fi pus ori nu pe seama hazardului sau a planului vindicativ, efectul întâlnirii cu trecutul este acelaşi: reinterpretarea propriilor erori, a deciziilor controversate şi a motivelor din spatele lor. Totuşi, în ciuda unui melanj de teme familiare, des întâlnite în literatura feminină anglo-saxonă, finalul şi mesajele se îndepărtează de aşteptări. Este greu să prezici reacţiile personajelor sau deciziile finale, iar acest detaliu te face să continui lectura chiar dacă primele scene par să se desfăşoare într-un stil monoton şi având nişte detalii afective pe care le-ai tot întâlnit în alte cărţi despre tragediile şi dramele din existenţa unor femei, cum ar fi abandonul, doliul, pierderea unui copil, înstrăinarea în propria familie sau autoculpabilizarea.

Alice Munro îşi trece personajele feminine prin dramele celei având nişte visuri înăbuşite în atmosfera tradiţionalistă a unui orăşel în care viaţa este prescrisă de lipsuri materiale şi de ritmul previzibil al ciclului început cu adolescenţa plină de speranţe şi curiozităţi, continuat cu mariajul dus până la capăt prin acele resemnări care permit dezvoltarea unui simţ al datoriei percepute a fi un sacrificiu al exuberanţei senzuale, apoi încheiat cu înserarea existenţială, marcată de revizitarea obsesivă a trecutului plin de ocazii pierdute şi de iubiri prohibite sau amânate. La final, în loc să le înece în propria neputinţă, Alice Munro le oferă nişte soluţii neaşteptate şi neverosimile pentru femeile care s-au mulţumit cu puţin. Aceste soluţii sunt primite cu entuziasmul celei ce i s-a luat o piatră de pe inimă, oricât de ciudate ar părea unele răspunsuri întârziate. Acest apetit pentru insolitul dublat de candoare se observă cel mai bine în povestirea Tricks, în care viaţa unei femei îndrăgostite de un străin exotic, gata să-i întindă o mână după ce şi-a pierdut poşeta în baia unui teatru, ajunge o parodiere a pieselor lui Shakespeare, dar şi a melodramelor televizate.

Pe lângă aceste soluţii care fentează platitudinea vieţilor în care s-au complăcut zeci de ani, Alice Munro le mai predă şi lecţia detaăării specifice libertăţii afective şi autoacceptării, atât de străine într-o lume închistată. Atunci când îşi dau seama că pot avea un prezent debarasat de tristeţea de altădată şi de acele drame tulburătoare din tinereţe, protagonistele îşi oferă şansa de a experimenta fără vinovăţie independenţa, autonomia în relaţie cu trecutul dominat de conformismul ajuns literă de lege în orăşelele fără prea multe posibilităţi, unde au renunţat la visuri pentru a se integra.

Fugara - copertaEditura Litera

The Second Mother (Que Horas Ela Volta?) – Fata menajerei incepe lupta de clasa

Poţi avea parte de mai multe situaţii inflamabile, bune de pus la baza unui scenariu incandescent, când o introduci în peisajul cartierului rezidenţial pe fata menajerei (Camila Mardila). Abia ieşită din adolescenţă, este precoce, sigură pe ea, cu aer de rebelă gata să răstoarne canoanele segregării dintre noii îmbogăţiţi şi plebea din favele. Nu se lasă umilită, este tenace, are capul pe umeri şi hotarârea celei cu planuri mari de viaţă. Ea ar putea fi tânăra zburdalnică pregătită să speculeze, în favoarea propriei ascensiuni sociale, răceala din cuplul conjugal de burghezi înstrăinaţi, în care fiecare preferă să îşi plimbe degetul pe ecranul telefonului decât să iniţieze un contact vizual în timpul cinei. Mai poţi conta şi pe modelul de film în care acest personaj feminin alege varianta mai fresh şi mult mai facilă a celui bun pentru a fi dus de nas: băiatul cuplului bogat, care pare interesat de prezenţa ei – cu adevărat exotică datorită unei neaşteptate pasiuni erudite pentru artă şi arhitectură – şi care vrea neapărat o tipă sigură pe ea, care să-l scape de virginitate.

Que Horas Ela Volta? (The Second Mother) reuşeşte să te ţină atent mai ceva decât un film hollywoodian. Are loc în Brazilia cea însorită şi promite un amestec între comedia cu tentă socială şi o intrigă explozivă bazată pe confruntarea dintre aroganta stăpână a casei şi tânăra mai săracă, dar şi mult mai ispititoare datorită isteţimii prin care îi taie macaroana, apoi îi ia locul. Regizoarea Anna Muylaert ar fi putut adopta clişeele din filmele în care familiile din cartierele privilegiaţilor sunt tulburate de personajul feminin venit din exterior. Un personaj care nu este, oficial, de nasul lor, dar neoficial îi ademeneşte pe toţi masculii respectabili din lumea bună. Dar Anna Muylaert a preferat un film amuzant, sensibil şi profund alegând o perspectivă modernă asupra fetei sărace, dornice să-şi depăşească statutul umil. Alege un personaj feminin emancipat, plin de sarcasmul şi de ironia exprimate mai mult prin gesturi decât prin replici tăioase, care înlocuiesc flirtul ca formă de seducţie. Plasează acest personaj feminin între fronda adolescentină, maturizarea timpurie şi tenacitatea amazoanei ascunse în pielea unei fete care alege învăţătura ca formă de luptă într-o lume în care studiile de arhitectură la care visează atâta sunt pentru copiii din familiile prospere.

După introducerea în film a Jessicăi, personajului feminin adolescentin ieşit din tiparele comercialului, regizoarea se mai foloseşte de atuul furnizat de neprevăzutul rezultat nu din răsturnările de situaţie şi din reacţiile explozive, cu gelozii şi amoruri interzise. Este un neprevăzut ivit mai degrabă din firescul dătător de umor, din reacţiile umane, duioase, comice şi bine dozate ale uneia dintre protagoniste – Val (Regina Case) mama Jessicăi. Val reprezintă perfect acea tipologie a menajerei devotate, aflate de peste zece ani în slujba familiei. Devine specialistă în anticiparea dorinţelor casnice ale fiecăruia. Coordonează la secundă ritmul culinar zilnic. Mai presus de toate, Val este mama disponibilă afectiv pentru băiatul stăpânilor, pe care îl mângâie până adoarme după o confesiune privind o nouă dezamăgire legată de fata perfectă şi căruia îi ascunde iarba.

imagine: www.agambiarra.com
imagine: www.agambiarra.com

Acest personaj feminin, interpretat cu o naturaleţe plină de umor, care trece dincolo de spaţiul ecranului, are un rol dublu în interacţiunile personajelor şi în ritmul poveştii. Este, prin răbdarea şi modestia servitoarei cu simţ matern din vremea burghezilor de altădată, atât scânteia care aprinde conflictul iscat de revolta fiicei care îi reproşează devotamentul exagerat şi respectarea unor reguli considerate semne ale unui servilism degradant pentru demnitatea umană, cât şi personajul care stinge conflictul, printr-o disponibilitate afectivă suportivă. Tocmai acestă disponibilitate afectivă devine elementul care împiedică ingredientele arhiprezente în filmele accesibile să se amestece într-o reţetă facilă a luptei de clasă.

imagine: www.cinemamontreal.com
imagine: www.cinemamontreal.com

Prin gesturile ei umile şi capul plecat, îi dă apă la moară fiicei rebele. Aceasta are de partea ei  şi empatia spectatorului în tentativa de a o sfida pe snoaba ofticată şi parvenită, nimeni alta decât mama-stăpâna-casei, veşnic ocupată şi femeie de succes cu ifose ridicole, incapabilă de a-şi pregăti un sendviş fără ajutorul cuiva. Stăpâna casei este un amestec – perfect susţinut de interpretarea lui Karine Teles – între autoritate, infantilism histrionic şi parvenitism. Va rămâne singura care nu o va dori pe Jessica, fata servitoarei, în casa de lux. Ea va face totul pentru a o împedica să treacă dincolo de graniţele bucătăriei şi ale camerei de la subsol. Este locul rezervat servitorilor, unde este nevoită să locuiască o vreme până îşi găseşte un apartament în Sao Paulo, oraşul în care plănuieşte să studieze arhitectura.

imagine: www.filmcomment.com
imagine: www.filmcomment.com

Povestea Jessicăi nu are tristeţea Cenuşăresei. Ea nu vrea să îndure deloc supliciile amărâtei care se naşte şi moare în mizerie deoarece aşa stau lucrurile de secole, şi care suferă în tăcere, în subsolul destinat slugilor. Prin dezinvoltura ei se anunţă o câştigătoare, o favorită a sorţii. Nu are inhibiţiile servitorimii în fata autorităţii autoinventate. Jessica este înzestrată cu ambiţia celei pregătite să-şi urmeze visurile academice, luându-se la întrecere cu băiatul familiei bogate la examenul de admitere. În schimb, povestea menajerei seamănă cu dramele femeilor sacrificate din lumea a treia, nevoite să fie mame pentru copiii altora pentru a-şi salva proprii copii de la sărăcie. Are teama de a nu le face o impresie greşită stăpânilor, dar mai ales Donei Barbara (îi atrage atenţia Jessicăi asupra cuvântului Dona ca semn al respectului pentru o castă superioară). Venirea pe nepusă masă a fiicei, de care se înstrăinase când s-a mutat în marele oraş de unde îi trimitea bani lunar, o va pune pe devotata menajeră în postura de a declanşa scene ilare, dialoguri de un comic satiric (puţin amar) şi reacţii efervescente disproporţionate, dar expuse cât se poate de credibil. Toate încercările ei  de a-şi ţine în frâu adolescenta revoltată se transformă într-un dominou al reacţiilor amuzante, dar având o concluzie matură.

imagine: youtube.com
imagine: youtube.com

Lupta de clasă nu se duce prin înfruntarea celor două tabere (mama şi fiica nu sunt unite), ci prin intersectarea lor în spaţiul domestic, mai ales în zonele interzise celor din clasa de jos (livingul şi piscina). În locul unor conflicte şi revendicări gălăgioase, ai parte de nişte schimbări (efemere, ce-i drept) în dinamica familiei. Doar că nu se va trezi în faţa unei revelaţii privind respectul pentru celălalt exact personajul de la care te aştepţi. Nici proastele obiceiuri nu dispar peste noapte în urma unei lecţii de viaţă transformatoare, şi nici avansul erotic nu se înscrie în reţeta clasică. Ba mai mult, amorul interzis are o manifestare care îmbină comicul şi platonicul. De fapt, confruntarea finală dintre bogati şi săraci este amânată prin iniţierea unor dialoguri aprinse între mamă şi fiică din care ies la suprafaţă probleme vechi. Replicile devin un prilej de a exprima, prin concepţiile diferite privind raportarea la autoritate, reproşuri mocnite generate de înstrăinare. Sursa revoltei manifestate de fiică este de fapt absenţa mamei nevoite să plece în alt oraş pentru a o întreţine. Lecţiile de morală oferite de mamă ascund şi ele o revoltă, mai puţin conştientizată – a celei neputincioase, care se trezeşte vulnerabilă în faţa copilului gata să îi calce în picioare sistemul de valori.

imagine: cinemaeargumento.wordpress.com
imagine: cinemaeargumento.wordpress.com

Regizoarea gestionează credibil acest conflict al mentalităţilor dintre mamă şi fiică. Mai întâi elimină previzibilul. Nici rebela nu alege calea uşoară, şi nici mama nu o ţine pe a ei la nesfârşit, mai ales după ce află un secret legat de motivul fetei de a veni la Sao Paolo pe neaşteptate, rupând orice legătură cu tatăl. În al doilea rând, zâmbetele spectatorilor sunt provocate de nişte situaţii de viaţă cât se poate de fireşti şi bine dozate când sunt expuse în scenele filmului. Prin această autenticitate dulce-amară, a vieţii aşa cum e, regizoarea se fereşte de capcana scenelor pline de umor artificial, optând pentru comicul involuntar. Un comic dublat de sensibilitatea care îi faceloc şi acelei profunzimi psihologice din spatele satirei, oferindu-i o candoare deloc forţată, sprijinită de interpretarea actriţelor Camila Mardila şi Regina Case.

Există un echilibru al reacţiilor, fie ele şi pătimaşe, prin supapa oferită de mimică, astfel încât să nu existe un manierism al exteriorizării afective puse pe seama popoarelor sud-americane. Isteria este anulată de comicul involuntar, care decurge natural din situaţiile prezentate, iar motivele din spatele reacţiilor nu sunt usor de citit. Nu îţi dai seama de ce mama prevăzătoare îi zice fiicei să nu accepte invitaţia de mânca la masa din living adresată de şeful ei, care se pretinde interesat de pasiunea Jessicăi ei pentru desen şi arhitectură. Şi nici nu-i înţelegi tonul vehement prin care îi interzice să se bălăcească alături de fiul stăpânilor. Poate ar vrea să o protejeze. Să îşi păstreze locul de muncă. Să o înveţe de mică resemnarea prin acceptarea unui anumit statut în lumea celor bogaţi (un fel de lecţie de înţelepciune oferit de omul simplu şi răbdător care vrea să aibă o reputaţie neştirbită – singura lui avere) sau pur şi simplu este mânată de invidia slugii faţă de cel dornic să-şi ceară drepturile. Te întrebi dacă nu cumva mama îşi critică fata rebelă deoarece vrea să deturneze în direcţia ei toată acea furie îndreptată spre propria neputinţă de a-şi depăşi condiţia prin înfruntare, prin cererea unor drepturi naturale.

În ciuda subiectului inflamabil – revendicarea unor drepturi pe fondul inegalităţii sociale – filmul nu capătă forma unui manifest, a unui studiu sociologic adaptat cinematografic. Există ce-i drept o delimitare vizuală a zonelor aparţinând celor două tabere şi o zona tabu pentru servitorime: piscina interzisă personalului şi frigiderul stăpânilor, care o tentează pe Jessica deoarece acolo se află cutia de îngheţată din gama de lux, destinată exclusiv prinţisorului răsfaţat mai ales de mama ei, care îi dă peste mână propriului copil atunci când se apropie de cutia cu îngheţată scumpă. Aceste spaţii ale desfăşurării conflictului de mentalităţi dintre mamă şi fiică, mai puţin dintre stăpâni şi fiica servitoarei, sunt singurele amănunte clişeistice ale filmului. În rest, toate aşteptările sunt date peste cap, una câte una, mai ales prin delegarea mamei servitoare pentru a reprezenta legile stăpânilor în faţa Jessicăi. Mama are datoria de a sta cu ochii pe fiica rebelă, ce trebuie pusă la punct, nu susţinută datorita unei solidarităţi care îi uneşte pe cei aparţinând aceluiaşi mediu .

imagine: jc.ne10.uol.com.br/blogs
imagine: jc.ne10.uol.com.br/blogs

Celelalte personaje sunt mai puţin conturate din punct de vedere psihologic, dar inspirat adăugate în arhitectura scenariului. Par, ce-i drept, construite după anumite stereotipuri. Îi regăseşti pe băiatul de bani gata, care ia note mai mici decât fata săracă, pe mama snoabă cu aere de scorpie invidioasă, ajusă în lumea bună datorită averii moştenite de soţul ei, pe tatăl-artist şi pierde-vară cu visuri de boem pierdut într-un cartier al bogătaşilor, mai mult absent şi apatic, şi care se simte neînţeles. Acestea sunt nişte personaje mult mai simplu construite, dar ale căror acţiuni declanşează nişte decizii greu de prezis.

The Second Mother (Que Horas Ela Volta?) este un exemplu de amestec echilibrat între povestea de viaţă cu mesaj adânc, tabloul caricatural oferit de ciocnirea unor valori apărate cu preţul reacţiilor absurde, umorul care amplifică intensitatea emoţiilor necesare unui ritm alert şi acea compatibilitate între personaje şi actori, necesară unei autenticităţi psihologice.

Filmul a fost proiectat în cadrul primei ediţii a festivalului Pelicula, dedicat cinematografiei sud-americane.


LYTE video

Bridget Jones insarcinata – Cine ai vrea sa fie tatal?

Ce-i mai lipsea lui Bridget Jones? Un copil! Ai crede că în sfârşit relaţia cu Mr. Darcy a intrat pe un făgaş normal şi vor trăi fericiţi într-o perfecţiune amoroasă la care ea a visat mereu. Dar nu e chiar aşa. Începutul unei vieţi de vis trece prin proba testului de paternitate după nişte nopţi în doi (cu parteneri diferiţi) datorate mai mult hazardului decât unei relaţii stabile.

Acum, când ai aflat despre noua ipostază a lui Bridget Jones – cea de femeie rămasă însărcinată accidental – nu-ţi mai rămâne decât să-ţi alegi favoritul în competiţia declanşată de testul paternităţii, de parcă ai urmări finala vreunui concurs de talente cu voturi prin care se contabilizează simpatia publicului exprimată prin SMS-uri, vorba ironicei ginecoloage din film. Apasă tasta 1 dacă preferatul este nesuferitul (dar sensibilul) Mr. Darcy (Colin Firth) şi 2, dacă ţii cu simpaticul (şi mai ales charismaticul) rival interpretat de Patrick Dempsey. Dar până la momentul adevărului, te vei delecta cu o suită de întâmplări ilare, cum numai această protagonistă are parte, mai ales că noul episod al seriei confirmă evoluţia dozajului comic administrat în precedentele episoade, menţinând acel mesaj optimist al greşelilor.

Nu mai ai nici o îndoială că Bridget Jones este un omagiu adus tuturor femeilor imperfecte (adica nu încap în standarde). Anul acesta marchează revenirea personajului care le dă glas celor care o tot dau în bară şi care îşi asumă cu nonşalanţă existenţa în viaţa lor a unor probleme comune cu ale unor adolescente veşnic nemulţumite de silueta lor, veşnic stânjenite în prezenta oamenilor serioşi, dar, mai ales, veşnic în căutarea sufletului-pereche a cărui prezenţă să devină confirmarea maturizării şi a depăşirii unor complexe ancestrale.

imagine: imdb.com
imagine: imdb.com

Ultimul film al seriei le dă dreptate acelora care o consideră pe Bridget Jones adorabilă chiar şi în ochii elitiştilor ce se feresc de mall-uri. Pur şi simplu interpretarea lui Rene Zellweger şi noile peripeţii amoroase puse la cale de regizoarea Sharon Maguire te remontează şi îţi ridică nivelul stimei de sine dacă faci parte din categoria femeilor bombardate de părerile conservatorilor pesimişti, care îţi spun că de la treizeci de ani ceasul biologic al maternităţii ticăie mai tare, iar vremurile în care îţi făceai de cap toată noaptea în Centrul Vechi sunt periclitate de legile firii care o aşează chiar şi pe o veterană într-ale petrecerilor la casa ei. Revenirea lui Bridget Jones pe marele ecran îţi dă o veste bună! Poţi amâna travaliul naşterii după vârsta de patruzeci de ani şi mai poţi avea norocul de a-ţi sărbători împlinirea a 43 de ani de existenţă făcându-ţi de cap la un mare festival, unde se celebrează spiritul liber al anilor ’60 în haine rămase parcă de la Woodstock.

imagine: imdb.com
imagine: imdb.com

Dacă ai văzut afişul, pe lângă anunţul apariţiei unui copil în viaţa lui Bridget, vei mai primi o veste şocantă, dar care îţi va prinde bine dacă ţi s-a acrit de rutină: lipseşte acel playboy interpretat de Hugh Grant într-un mod în care le făcea pe spectatoarele care se identificau 100% cu Bridget să se împartă în două tabere: adeptele bărbatului care întruchipează maturitatea, mereu la patru ace, sobru şi educat la şcoli înalte, un adevărat cavaler gata să-i sară în ajutor zăpăcitei nesăbuite, chiar dacă nu îşi arată sentimentele din prima, şi aventurierul irezistibil tocmai datorită unei imaturităţi şarmante de adolescent care trişează, dar se revanşează prin senzaţiile tari oferite. Ei bine, în noul episod al jurnalului, perfecţiunea old school a lui Mr. Darcy are un rival nou: un guru al relaţiilor şi al compatibilităţii afective, pe care Bridget îl cunoaşte în timpul unui one night stand (sau mai bine zis one tent stand) la un festival cu Ed Sheeran confundat de ea cu băiatul de la Starbucks, şi cu multă destrăbălare, de care avea nevoie pentru a uita că Mr. Darcy este însurat şi, mai rău, că a venit cu nevasta la un eveniment ce marca încheierea unui episod din trecutul amoros împărtăşit cu Bridget: înmormântarea marelui său rival (aşa aflăm şi de ce lipseşte personajul interpretat de Hugh Grant).

Ieşirea din triunghiul amoros a personajului interpretat de Hugh Grant schimbă coordonatele rivalităţii masculine. Duelul dintre seriozitatea conservatoare, în costum de avocat rigid, şi ludicul seducător mincinos este înlocuit acum de cel provocat de contrastul între stilul cavalerului retro (întruchiparea eleganţei din high class-ul profesional specific Londres) şi americanul degajat, şcolit într-ale empatiei, afişând ostentativ disponibilitatea emoţională (gest inacceptabil în codul respectat de Mr. Darcy). Noul rival (interpretat de Patrick Dempsey) pare să deţină arme subtile (dar mai perverse), care pe masculul de modă veche îl enervează la culme: abilitatea de a învăţa cum să-şi exprime trăirile în faţa unei femei, cunoştinţele despre psihologia feminină şi talentul de a construi un imperiu financiar bazat pe nevoia omului actual de a consuma sfaturile experţilor ce stăpânesc secretele privind compatibiliatea amoroasă, devoalate sub forma unor concluzii în maculatura de tip self-help, ajunsă bestseller.

imagine: imdb.com
imagine: imdb.com

Cu aceste noi coordonate ale rivalităţii, întrebarea Cine este tatăl copilului? după două nopţi de amor – una în numele unui nou început după o altă dezamăgire produsă de acelaşi Darcy, cealaltă, în numele unei reveniri la vremurile bune, iluzorie precum o vară indiană – devine un slalom printre noile încurcături, stări contradictorii şi concluzii autoironice despre cum este să fii burlacă la 43 de ani şi cum să fii mândră că eşti o mamă singură. Dar efortul de a-şi găsi cuvintele potrivite pentru a le comunica dilema paternităţii celor doi parteneri…dar şi mamei, care vrea să câştige alegerile din parohia de care aparţine criticând lumea care o ia pe calea dezmăţului, nu va fi singura provocare. Situaţiile de la postul de televiziune, unde Bridget a reuşit să avanseze, devin şi ele tensionate sau, mai bine zis, un izvor nesecat de gafe care amplifică hohotele de râs. Ajunsă producătoarea unui program de ştiri, Bridget trebuie să-i facă mai nou faţă unei şefe aproape de doua ori mai tânără şi de două ori mai înfiptă (genul dictatorial-fashion victim-ambitious bitch!), care şi-a adus o echipă fresh, recrutată din rândul tinerilor din generaţia Y, aşa cum o vedem în reclamele fashion pline de clişee, regizate de zaharisiţii conservatori 40+, care pretind că pot recunoaşte un hipster veritabil după barbă şi ochelarii din dotare.

Deşi găseşti aceleaşi obsesii ale protagonistei şi aceleasi clişee despre lupta dintre generaţii într-o redacţie zguduită de toanele noii şefe, despre bărbatul clasic vs. cel modern, care vrea să demonstreze că nu este un handicapat emoţional în ochii partenerei, şi despre femeia singură care suferă, dar care îşi spune că nu are nevoie de un bărbat, ci doar de un job stabil şi de o prietenă gata să-i ofere varianta unei cure nonconformiste împotriva singuratăţii, noul episod prezintă situaţiile într-o manieră naturală, condimentate inteligent cu multe replici autoironice inspirate şi deloc răsuflate. Poate doar acele reacţii (mult prea calme) ale personajelor masculine care se arată suportive când o însoţesc (împreună!) pe Brigdet la cursurile de exerciţii pentru o naştere uşoară le-ar putea părea celor vulcanici un pic trase de păr, în stilul comediilor penibile.

Face ea ce face această Sharon Maguire încât te aduce iar la concluzia că ai parte de o comedie romantică de neratat. Situaţiile şi personajele sunt inserate credibil, iar comicul provine din replici şi alăturări de reacţii contradictorii originale şi plasate când te aştepţi mai puţin, încât să nu ai impresia că vezi o comedie diluată prin ingredientele reciclate prost.


LYTE video

 

Caini – Stai cuminte, Politia!

Câini promite o încadrare vizuală nelumească a unei teme actuale din tenebrele societăţii româneşti – înavuţirea ilicită prin valorificarea unor proprietăţi luate cu japca (adică prin intimidare, şantaj şi acte abjecte). Nu, nu se petrece într-un apartament de bloc gri, ci într-un ţinut cu soare, întins cât vezi cu ochii, din Dobrogea mai puţin călcată de talpa omului…viu (afli din prima scenă). Nu, nu se vorbeşte despre comunism, şi nici despre greaua moştenire, ci doar despre moştenirea cu acte de la notar a lui Nea Alecu, un dictator local. Şi nu, nu ţi se perindă prin faţa ochilor un şir de farfurii pline de bucate tradiţionale, ci una singură, având un conţinut sinistru, într-o scenă în care talentul actorului Gheorghe Visu (în rolul şefului de post) face din scabros o demonstraţie mută de comedie neagră, trimiţând în derizoriu grotescul şi fiorii groazei (aşadar, poţi merge liniştit la film, că nu vei încărca factura la lumină în orele de somn cu veioza aprinsă).

Câini face parte din noul val românesc, dar parcă nu. Ar putea fi considerat o apariţie exotică prin amestecul unor elemente ce aduc a western în varianta lui Cormac McCarthy (regizorul l-a inclus într-un interviu în lista artiştilor care îl inspiră) şi a No Country For Old Men în varianta dobrogeană, cu tipi duri de origine lipoveană, cu peisajul specific unui no man’s land atemporal, tradus în cuvintele înţelepte ale şefului de post: Că unde nu e lume, poţi să faci ce vrei, că nu te vede nimeni. Pământul, întins cât vezi cu ochii şi uitat de lume, permite un insolit ce poate fi speculat vizual pentru a crea suspansul. Comparaţia frecventă cu pelicula fraţilor Coen şi orientarea către un thriller în care a fost exploatată psihologic interpretarea halucinantă a unui peisaj izolat fac din debutul lui Bogdan Mirică un moment ce promite schimbarea macazului în noul val invadat de minimalism. Nu că ar lipsi minimalismul din acest film, care are, ce-i drept, nişte secvenţe monotone, cu tăceri întinse, dialoguri sumare şi cadre lungi, dar parcă durează mai puţin, iar vizualul îl face mai suportabil. Regizorul a mizat pe un număr mic de personaje. Dar tocmai acest număr mic de personaje îi permite adevăratului protagonist -ţinutul- să bântuie prin secretele sale dătătoare de tensiuni fertile pentru suspans.

imagine: www.alistmagazine.ro
imagine: www.alistmagazine.ro

Pământul plat moştenit de Roman (Dragoş Bucur) are multe hectare şi (se pare) tot atât de mult sânge vărsat pentru obţinerea lor. Situat exact la graniţa unde contrabanda cu de toate merge ca unsă, pe apă şi pe uscat, devine un personaj în sine, care pândeşte mut pentru a înhăţa şi pentru a le permite fantomelor să aleagă un nou mascul alfa. Aceste fantome sinistre locuiesc un peisaj însorit, dar cu nopţi coşmăreşti dintr-un ţinut ce pare blestemat, o intrare în iad, unde numai legea tăcerii domneşte gata să-l elimine pe cel ce se încumetă s-o încalce. Ţinutul este personajul neînsufleţit care devine însă vital pentru întreaga poveste menită să te ţină cu sufletul la gură. Stranietatea peisajului rupt de timp şi de civilizaţie (obţinută prin tăcerea pustiului, nu prin deformarea imaginii reale) promite o evoluţie intensă a poveştii în direcţia unui thriller care să îţi dea fiori tocmai datorită unei întinderi aproape plate, unde fiecare zgomot de mistreţ, far de maşină ce sparge noaptea şi adiere slabă resuscitează atenţia pierdută în aşteptarea acelui ritm alert care se lasă aşteptat. Doar că trebuie să ai răbdare, deoarece Bogdan Mirică nu se dezice în totalitate de curentul actual din cinematografia de artă, în care stările personajelor nu sunt devoalate imediat, nici scânteia acţiunii alerte nu se aprinde în primele 20-30 de minute, şi nici adversarii nu se reped cu una cu două la beregată.

Pericolul se prelinge lent, prin aluzii vizuale, prezenţe spectrale dezvăluite de luminile unor maşini în bezna mată, recomăndarile şefului de post cu privire la precauţia ce ar trebui să devină indispensabilă în tentativa personajului principal, Roman, de a vinde pământul aparent sterp, râvnit (vorba agentului imobiliar interpretat de Emilian Oprea) mai mult pentru ceea ce are pe lângă el (adica nişte frontiere greu de supravegheat). Totuşi, relaţia dintre personajul central şi relief nu este una obsesiv-febrilă. Nu devine captivul unui ţinut izolat, că nu suntem în Femeia nisipurilor, nu-şi pierde minţile într-un supliciu psihologic agonizant şi nici nu vezi modificări suprarealiste ale peisajului care să reflecte distorsionarea percepţiilor din mintea unui om cu nervii înstinşi la maxim de teroare, de neputinţă, de revolta contra oamenilor legii muţi într-o zonă în care sirena poliţiei a fost eclipsată, după tăierea fondurilor, de lătratul câinelui botezat ironic Poliţia, moştenit de Roman odată cu ţinuturile râvnite de Samir (Vlad Ivanov), ce se visează succesorul lui Nea Alecu.

Imagine: Caini - Facebook Page
Imagine: Caini – Facebook Page

Ca în toate cele trei filme româneşti lăudate anul acesta de criticii de la Cannes, găseşti în Câini aceeaşi compatibilitate între actori şi consistenţa psihologică a rolurilor. Toţi sunt credibili în acest film. Vlad Ivanov este impecabil când întruchipează maleficul, îmbinând apucăturile de mascul alfa, umorul cinic şi acel primitivism de reptilă care nu cunoaşte saţietatea. Dragoş Bucur jonglează cu asteptarile spectatorului când îl interpretează impredictibil (asumat) pe Roman, băiatul de la oraş care vrea să arate că nu este un filfizon, că ştie foarte bine cum stau lucrurile. Îşi etalează riscant cunoştinţele în materie de ilegalităţi comise în zonă, deoarece nu se vrea un perdant în faţa omului rău, cu şcoala vieţii şi mereu fără cazier, oricâte ar comite. Gheorghe Visu, în rolul poliţistului apatic, aproape de pensionare (şi de moarte), părăseşte când te aştepţi mai puţin barca resemnaţilor, a câinilor bătrâni şi dominaţi, cărora doar umorul amar îmbrăcat în vorbe de duh le-a mai rămas pentru a-şi drege neputinţa. Devine, aşadar, la rândul său vânător.

www.cotidianul.ro
www.cotidianul.ro

Celelalte personaje îşi duc bine până la capăt rolul de a te ancora în atmosfera acelui loc terifiant, dar în care maleficul se ghiceşte doar. Până şi cel mai neînsemnat personaj capătă o expresivitate nebănuită care se încadrează în sălbăticia locului în care nu există demnitate, ci doar o ferocitate înnăscută de prădător, devenită un semn al virilităţii de la începutul timpurilor (că tot compară un personaj acest peisaj dobogrean cu savana africană). Bogdan Mirică exploatează fiecare dialog pentru a reda atmosfera unui loc în care oamenii rămân doar la stadiul de fiinţe împărţite în două tabere: a supravieţuitorilor deveniţi stăpâni, cu instincte ascuţite, fără pic de remuşcare, şi acelor născuţi pentru a-i deservi, consideraţi exemplarele dominate, mai greoaie, care se mulţumesc să trăiască din bucăţile aruncate de cei cărora le ştiu de frică. Scena în care Samir şi Roman au o discuţie decisivă pentru deznodământ îţi arată cel mai bine faţa hâdă a lumii ce a încremenit într-un instictual arhaic, în care ţi se dă de înţeles că o mare parte a omenirii va rămâne captivă.

imagine: www.cinemagia.ro
imagine: www.cinemagia.ro

Deşi estetic se poate apropia destul de bine de stilul unui thriller hollywoodian în decor de western, cu justiţie paralelă şi justiţiari pe măsură, Câini este un film în care urmăririle spectaculoase, dezlănţuirea violenţei sau lupta fizică dintr-o confruntare directă nu au fost exploatate dincolo de limita suportabilului. În ciuda unui anumit detaliu şocant, dar atenuat de umorul negru şi de interpretarea lui Gheorghe Visu intrat în pielea unui personaj hâtru având o perspectivă dezolant-anecdotică asupra vieţii, filmul nu abundă în bătăi, în scene terifiante sau în ciocniri explozive. Până şi confruntarea finală, în care Samir şi Roman dau cărţile (funciare) pe faţă, se rezumă la un dialog în care demonicul face apel mai mult la zeflemeaua presărată cu subînţelesuri. Nu ai parte de un realism dur, în care vezi o descătuşare a răului într-o manieră explicită. Toate indiciile concrete ale răului, ale crimei, sunt învăluite în muţenia peisajului aplatizat, care permite mai degrabă o imersiune lentă în pericol, o expunere amânată.

Replicile şi peisajele sunt mai consistente şi mai încărcate de suspansul care te ţine cu sufletul la gură decât fluxul narativ, forţând convenţiile thriller-ului cu succes de box office să se adapteze la modelul unui film de artă european. Ce se simte şi nu se spune, dar se ghiceşte din indicii cutremurătoare având un iz naturalist, este mai important decât ce se vede clar, iar izbucnirea unuia dintre personaje nu face decât să adâncească misterul şi insolitul.

Filmul promitea o antiteză clară, ostentativă chiar, între moştenitorul de la oraş, care vrea să scape cât mai repede vânzând pământul, şi masculul alfa ce-şi apără teritoriul într-un mod primitiv şi grosolan, precum o brută călită de lipsuri şi forţată să facă tot felul de combinaţii ajunse nişte legi nescrise ale ţinutului. Dar lupta se amână printr-o discuţie simbolică despre o lume scindată, despre care ai crede că permite desfăşurarea nestingherită a tot ce înseamnă abominabil prin complicitatea dintre autoritate şi criminal. Doar că nimeni nu închide ochii în faţa ilegalităţilor, în sensul în care nu este nevoie de orbirea unei autorităţi, că doar satul uitat de lume nu există decât pentru oamenii locului, de care este bine să te fereşti. Roman nu se fereşte şi declanşează infernul, iar supravieţuitorul este greu de prezis.


LYTE video

Trenul M – Cafea, drumuri si multe carti

Patti Smith poate face un periplu sublim chiar şi din revenirea unui student de la Satu Mare tocmai în campusul din Bucureşti…în varianta masochistă, adică pe calea ferată.

Călătorul va trebui să îndeplinească doar câteva condiţii pentru a se simţi bine cu Trenul M în timp ce trec (prea) numeroasele ore până la destinaţie. Să empatizeze cu dependenţii de cafea, mai ales cu aceia deveniţi victimele unei rutine ce îi face să se întoarcă la o singură cafenea. Să considere lectura un adevărat drog. Să ştie cine sunt Yukio Mishima, Roberto Bolano (Patti are un cult pentru el), Paul Bowles sau dubiosul de Paul Genet. Să fi fost impresionat de povestea Fridei Kahlo sau a Sylviei Plath. Să fi încercat literatura niponă. Să nu-şi bată joc de cei fascinaţi de proza lui Haruki Murakami, chiar dacă îi plac autorii mai vechi. Să fi regretat măcar o dată că s-a născut prea târziu pentru a-i mai apuca pe beatnici. Să fi îngropat nişte obiecte simbolice în semn de omagiu adus unui artist controversat, chiar lângă mormântul acestuia. Să fi visat cum ar fi să lase totul baltă şi s-o ardă boem într-o căsuţă derăpănată de pe malul mării, recondiţionată pe ici, pe colo, şi să cutreiere lumea cu aparatul foto de gât…pentru a surprinde aspectele necomerciale ale unui loc turistic, pe care să le trimită apoi însoţite de un text inspirat unei reviste de cultură alternativă când i se termină banii.

Orele interminabile ale unei zile monotone devin o voluptate dacă te regăseşti în gândurile unei rebele îndrăgostite de scriitorii generaţiei Beat. Patti Smith este o astfel de rebelă, care nu se cuminţeşte niciodată şi care şi-a descoperit propriul ritm interior, debranşat de la cotidianul repetetiv, chiar dacă şi-a stabilit propria rutină citind şi recitind Cronica păsării-arc, mergând la aceeaşi cafenea sau urmărind compulsiv seriale poliţiste (una dintre marile sale plăceri în momentele de tristeşe si de melancolie sufocantă).

La vârsta la care alte femei îşi plimbă nepoţii prin parc, ea o fugă până în Maroc pentru a bea o cafea în memoria idolilor săi, pentru a-i lua un interviu lui Bowles, pentru a întâlni un crescător de cămile gata să-şi boteze exemplarul reuşit cu numele lui Hendrix, în drumul spre cimitirul unde se odihneşte Jean Genet, delicventul asumat, cu talent literar, căruia sentimentala Patti îi lasă un suvenir din Guyana, după ce a trecut şi pe la Rimbaud pentru a-i lăsa şi lui nişte mărgele din Abissinia cafelei, unde poetul decadent nu s-a mai putut întoarce înainte să moară. E clar! Cu asemenea detalii, îţi dai seama că te afli în faţa unei succesiuni de gesturi, fapte şi călătorii înţelese doar de visătorii incurabili, a căror dependenţă de cărţi, drumuri şi cafeaua pe stomacul gol sau în ore târzii se acutizează odată cu înaintarea în vârstă. Cu alte cuvinte, Patti Smith te descrie pe tine, cel ce vrea să-şi păstreze sufletul de hoinar, indispensabil pentru nebunii care vor îmbătrâni frumos. Această carte, dincolo de amestecul dintre jurnal, improvizaţii sub forma unor impresii trecatoare şi recomandări literare inedite, mai este şi un manual care te învaţă cum să te pregăteşti pentru acea perioadă de după aniversarea vârstei de cincizeci de ani, dacă nu vrei să fii considerat/ă un moş ciufut/o babă comunistă.

Trenul M prelungeşte călătoria începută cu amintirile din cartea Pe când eram doar nişte puşti. O regăseşti pe aceeaşi Patti Smith pe care să o tot iei în Vamă, aia care era încă Veche, cu aceleaşi colecţii de mărturii prin care te face să crezi că a trăit mai multe vieţi decât tine. Paginile din Trenul M abundă în declaraţii de iubire literară, pasaje din vise, revizitări sentimentale sau amintiri din epocile unei dezordini creative, de care nu te mai saturi, mai ales dacă eşti un suflet confruntat la un moment dat cu momente de solitudine forţată de pierderi sau despărţiri prea dureroase. În marile oraşe, unde se călătoreşte cu autobuzul sau cu metroul, Trenul M este un medicament pentru sufletele care şi-ar dori exotismul unei după-amiezi trândave la cafeneaua Pasternak din Berlin, unde locul de sub fotografia lui Bulgakov nu este niciodată ocupat pentru devoratorul de cărţi şi de nostalgii trezite la viaţă de o zi mohorâtă.

Scrisă după moartea partenerului care i-a fost şi marea iubire, Trenul M poate fi şi o terapie prin confesiune, discretă şi fără jelanie, cu pasaje autoironice şi umor de copil posesor al unei duioşii ghiduşe. Patti îţi arată cum îi poţi supravieţui unei singurătăţi marcate de un dor imposibil de alungat, atâta vreme cât nu ai uitat să guşti licoarea preferată – cafeaua, într-un local foarte puţin cunoscut, aproape anonim, în care ai masa ta dacă te chinuie talentul să scrii (poţi încerca şi varianta citadină: laptopul cu idei de proiecte pentru job, care vin cel mai bine când asculţi o muzică veche). Poate nu vei putea lua acasă scaunul preferat dacă micuţa cafenea se va închide pentru totdeauna, neavând privilegiile unui artist de calibrul lui Patti Smith, dar te vei simţi egala ei în materie de lecturi dacă ai obsesii literare comune. Şi e aproape imposibil să nu le ai dacă la rândul tău deţii un suflet boem, îndrăgostit de peripluri solitare prin casă, încercând să mai găseşti ceva bun de citit, dacă îţi plac stranietatea din romanele scrise de Murakami sau dacă te-ai plimbat măcar imaginar prin Tangerul generaţiei damnate de scriitori şi muzicieni care au zguduit anii ’60.

Nu e greu să-ţi dai seama din primele rânduri că Trenul M solicită, pentru continuarea călătoriei, o apropiere a cititorului de autor prin împărtăşirea unor tabieturi. De fapt, cartea lui Patti Smith este o sincronizare de tabieturi între autor şi cititor, şi la fel bine poate fi o carte despre scrisul de tip confesiune, despre fraze răzleţe ieşite din memoria involuntară şi din asocieri libere de idei, impresii, amintiri, într-un du-te vino continuu, despre senzaţiile trezite de cafeaua prin care va fi salvată o clipă dintr-o zi proastă. Patti Smith vorbeşte despre intimitatea regăsită prin descoperirea unui local de suflet, despre vârstă de aur revelaţiilor artistice şi despre cum să te apropii de un veac printr-o singurătate frumoasă (Patti Smith este un guru al solitudinii care nu duce până la capătul exasperării, ci la masa unei cafenele de pe malul mării, aceeaşi cafenea pe care o descria un artist marocan apropiat al marilor literaţi ce i-au inspirat pe hippioţii ajunşi în lumi exotice).

Trenul M este o carte a empatiilor exprimate prin gusturi literare similare, printr-o legătură sufletească sudată de preferinţe împărtăşite. Pe această Patti Smith nu o citeşti. O simţi lângă tine când nu vrei să vezi pe nimeni, când ai vrea de fapt să te scufunzi în tine precum o vietate pe fundul acvariului după o zi proastă. O asculţi vorbindu-ţi despre cărţile preferate, despre ce avea şi ce a pierdut şi despre cum o salvează de fiecare dată un dor de ducă ori de câte ori e tristă. Deşi te face să te simţi precum un sedentar conformist pe lângă ea, te simţi în pielea lui Patti Smith prin acele pasaje despre viaţa ei în care descrie senzaţii, manii şi trăiri din viaţa ta. Uneori, anumite pasaje autobiografice se preling precum scenele dintr-un film puţin cam monoton, dar perfect pentru voluptatea introvertitului care mai găseşte un suflet geamăn în cuvintele prin care Patti Smith recunoaşte preferinţa fermă spre propria lume interioară. Alte pagini, în schimb, se deschid exuberant şi alert spre ţărmuri îndepărtate şi lasă în urmă New Yorkul despresiilor reapărute odată cu apropierea de un an nou cu planuri despre care pragmaticii întreabă indiscret când se revăd ciclic, la cina de Crăciun.

Trenul M este o carte despre un copil bătrân care, după cincizeci de ani de experienţe artistice, a devenit mai tânăr decât un adolescent. Mai este şi despre acea eternă hoinăreală a celui având multe amintiri dintr-o tinereţe biologică plină şi care nu şi-a epuizat pasiunea, şi nici visurile care păstrează o tinereţe interioară când biologicul îngustează orizonturi. În cuvinte simple, dar în amintiri excentrice pentru zilele noastre cu alte valori şi dependenţe de confortul rutinei sau de rebeliunea fragmentată între programul fix şi orele de după seriozitate, Patti Smith a strecurat promisiunea unui apus în care salonul de geriatrie este înlocuit de un irezistibil dor de ducă. Şi a formulat promisiunea tocmai în acele zile în care se simţea cum nu se poate mai singură.

Trenul MEditura Polirom, 2016

Citeşte şi Top filme de călătorie – Inspiraţie pentru drumeţii curajoşi

Top filme de calatorie- Inspiratie pentru drumetii curajosi

 

Jucatorul de sah – Lectia nebunului

Stefan Zweig te face să-i citeşti romanul în ritmul alert al mutărilor ivite în creierul unui jucător experimentat ce are o revelaţie inexplicabilă. Nu-l vei mai lăsa din mână, chiar dacă nu ai jucat şah până acum.

Nu trebuie să fii pasionat de jocul minţii pentru a citi cu nesaţ Jucătorul de şah. Trebuie doar să-i permiţi acestui scriitor al căilor întortocheate ce duc spre concluzii explozive despre om să-şi demonstreze talentul prin mutările pline de suspans din psihicul personajelor sale şi prin modul de a le da în vileag trăsăturile nebănuite la momentul atent premeditat. De fapt, lupta se va muta de pe tabla de şah în lumea ficţiunii, prin efortul construirii unei poveşti care să permită mutarea decisivă din planul narativ, ce îl ajută pe un mare scriitor să-şi impresioneze cititorul astfel încât acesta să-l declare genial.

Dacă mimicile concentrate ale marilor jucători ce par să deţină tainele materiei cenuşii te fac să te simţi mic, să te îndoieşti de propriile înzestrări intelectuale când eşti nevoit să concepi strategii, să anticipezi mişcările altora, să găseşti o predictibilitate în deciziile adversarilor astfel încât să ai acces la mintea lor, e timpul să uiţi de toate acestea când deschizi cartea Jucătorul de şah. Tot ce ştiai despre legătura dintre acest joc şi logica devenită un indiciu al unei gândiri limpezi şi al unor acte bazate pe o lucidiate care însoţeşte o minte sclipitoare va fi anulat pentru a dezvălui tenebrele şi contradicţiile psihicului uman sustras controlului raţional, că doar nu degeaba face parte Stefan Zweig din rândul scriitorilor care au sondat adâncurile fiinţei umane mai ceva decât un cineast specializat în filmele noir, unde sclipirile unor personaje se întâlnesc mereu cu nişte reacţii înfricoşătoare şi aberante.  

 În viziunea lui Zweig, umanitatea redescoperă înţelepciunea ce stă ascunsă în jocul de şah abia după ce se lasă pradă reacţiilor considerate de ceilalţi nebuneşti. Aşa cum nebunul poate dobândi o mare putere pe tabla de şah, după anumite mutări, tot aşa dedublarea, scindarea schizofrenă sau ameninţarea delirului ajung să le strice planurile unor torţionari ce se pregăteau pentru lovitura devastatoare a unui supliciu psihologic, gata să decidă cine va fi perdantul în lupta cu alienarea indusă de prizonierat. În romanul scris de Zweig, tabla de şah poate simboliza şi teritoriul luptelor inegale din acest prizonierat, unul aparte, deloc intruziv la nivel corporal, despre care nu citeşti prea des în cărţile despre nazişti.

Scris în timpul celui de-al Doilea Război Mondial, Jucătorul de şah este o parabolă despre teroare şi despre cum acest joc al unei logici rafinate, la care doar minţile nobile au acces, ajunge până la urmă să fie perfecţionat în urma hazardului, de către două personaje care îl descoperă într-o lume unde primitivismul, rudimentarul şi absurdul erau stăpânii absoluţi. Unul dintre aceste personaje este Czentovic, fiul unui luntraş amărât din Banat, care avea toate caracteristicile fizice şi psihice asociate unui retardat crescut într-un mediu precar, condamnat să orbecăie prin întunericul ignoranţei precum o brută dresată pentru a face treburi simple în schimbul unui codru de pâine. Acest Czentovic molâu, cu frunte lătăreaţă, nu era în stare să scrie măcar o frază, în nici o limbă. După ce rămâne orfan, are norocul de a fi luat de milă de un preot care îşi petrecea timpul jucând şah. Capriciile hazardului îl aduc într-o zi în faţa pieselor de şah, ale căror mişcări le urmărise până atunci în tăcerea celui bănuit a fi greu de cap. Din acel moment a continuat să îi uimească pe toţi, câştigând partidă după partidă. Povestea lui insolită ajunge şi la urechile unui nobil din ţinut, care îi plăteşte lecţiile de şah. Câştigă titlul de campion mondial în urma unei ascensiuni greu de explicat, dar celebru devine mai mult prin grosolănia tipică omului pe care incultura îl face opac, infatuat şi lipsit de simţul ridicolului.

Când ajunge să călătorească la bordul unui pachebot care face legătura între New York şi Buenos Aires, vanitatea, grosolonia şi lăcomia îl aduc pe Czentovic în preajma unui personaj asemănator: un magnat cu trăsături de plebeu necivilizat, care nu suportă să piardă. Acest magnat îi oferă bani lui Czentovic pentru a se lăsa provocat la partide care să-i ameninţe supremaţia de campion mondial, doar pentru a-şi satisface plăcerea de a-l vedea pierzând în faţa unor amatori, după ce, la rândul său, magnatul a fost lovit în plexul orgoliului său de învingător în orice situaţie. Tocmai când acest campion al unui hazard ce l-a adus în faţa tablei de şah părea de neînvins, din mulţimea de gură-cască îşi face apariţia un personaj misterios, pentru care hazardul avusese un chip hâd, chiar dacă l-a adus în situaţia salvatoare de a se iniţia în tainele şahului.

Pe fiul luntraşului sărman l-a salvat din întuneric şi l-a transformat într-o curiozitate pentru cei din jur. În schimb, pe acest personaj misterios, descendent al unei familii austriece din lumea bună, care îi va contesta supremaţia faimosului campion, şahul a însemnat căderea într-un altfel de întuneric – al delirului. Luat prizonier de nazişti şi izolat în camera unui hotel de lux, acest jucător amator extrem de abil, apărut de nicăieri, a fost victima unei torturi perfide, inventată pentru oamenii care gândesc. Deşi condiţiile detenţiei nu semănau cu acelea dintr-un lagăr, a fost chinuit de lipsa comunicării, a lecturii şi a contactului cu exteriorul, iar singura salvare va fi o carte furată de la un anchetator, care s-a dovedit a fi un manual în care erau explicate strategiile şi marile partide ale campionilor. Forţat de izolare să joace singur în celula sa de lux, după ce învaţase mai întâi regulile unui joc despre care nu ştia mare lucru, acest personaj descoperă legătura dintre şah şi legile normalităţii psihice, dar asistă şi la modul în care o activitate salvatoare, practicată de un om desprins de realitatea exterioară ajunge să devină o alegorie a conştiinţei scindate, a obsesiei ce duce la îngustarea lumii sale, până la instalarea fixaţiei pentru un anumit obiect – tabla de şah. Fixaţia dezvoltată într-un regim de izolare patologică fusese urmată de apariţia compulsiei şi a halucinaţiei.

Bucuria jocului devenise o patimă, patima, o constrângere, o manie, o furie frenetică, care răzbătea nu numai în ceasurile mele de veghe, ci, treptat, şi în somn. Nu mai puteam să mă găndesc decât la şah, la mutări de şah şi probleme de şah. Uneori mă trezeam cu fruntea asudată şi îmi dădeam seama că trebuie să fi continuat jocul şi dormind, inconstient, iar atunci când visam oameni, ei se mişcau întotdeauna ca nebunul şi ca turnul, ori avansau şi se retrăgeau asemenea calului.

Ajuns în faţa sclipitorului şi totodată primitivului Czentovic, fostul prizonier a retrăit momente din trecut. Revolta faţă de nazişti l-a împins în capcana proiecţiilor şi a ceea ce psihanaliştii numesc transfer. A vrut să arunce, aşadar, asupra lui Czentovic toată ura declanşată în prezenţa foştilor temnicieri. Când rivalul său, Czentovic, primitiv, dar parşiv, îi observă nevoia de a conduce partida printr-un ritm alert al mişcărilor pe tabla de şah, îi rezervă şi acel supliciu al aşteptării, o altă formă de tortură de care mai avusese parte. Din acest moment, adevărata miză se regăseşte în abisurile psihicului uman, iar tensiunea cititorului va creşte, în ritmul descrierii unei stări patologice având manifestări bizare, prin care Zweig te face să percepi realitatea văzută de personaje, dovedind un talent de cineast gata să manipuleze mişcările camerei astfel încât imaginile să arate de fapt modul în care personajul adus în pragul unei căderi nervoase priveşte lumea.

Aşa cum face şi în Frica, Stefan Zweig te conectează emoţional şi narativ la pulsul alert al personajelor sale, la zvâcnirile lor interioare cauzate de obsesiile care ies de sub control prin reacţii absurde, provocate mai degrabă de obsesii coşmăreşti. Plonjarea în inconştientul personajelor sale ascunde un mesaj simbolic despre turnura patologică pe care au luat-o reacţiile maselor în anii ’40. Totuşi, renunţă la demascarea clară a simbolurilor social-politice asociate fiecărui personaj. Chiar şi atunci când alege să reprezinte metaforic o întreagă epocă a sinistrului ajuns la putere, Stefan Zweig rămâne în zona mecanismelor psihologice individuale. Asemenea unui psihanalist, pentru care maleficul din planul colectiv nu poate fi demascat decât prin cunoaşterea adâncurilor, Zweig nu are încredere decât în sondarea psihicului, din care a scos nişte revelaţii literare care vor uimi şi peste sute de ani pline de noi descoperiri.

Jucatorul de sahEditura Polirom, 2016

 

Climas – Trei femei din Peru

Trei femei din trei zone diferite: jungla amazoniană, sofisticata Limă a caselor avangardiste şi Anzii peisajelor în care lacurile de un albastru intens creează un efect vizual aparte când întâlnesc nişte campuri galbene şi nuanţele tari ale costumelor populare. Trei vârste pline de capcane, trei ipostaze şi o hartă a feminităţii, uşor de citit de către spectatoare, ceva mai greu de către bărbaţii reprezentaţi de tipologiile masculine din film, cărora li se va confirma o idee fixă moştenită din tată-n fiu: universul feminin este fascinant, ademenitor, dar de neînţeles.

Universul feminin din Climas este o hartă pe care urmăreşti un traseu ce pleacă de la acvaticul care înconjoară jungla, unde umiditatea, instinctualul şi erotismul descătuşat năpădesc până la sufocare legile normalităţii morale. Apoi liniile acestui traseu vor trece prin angoasele unei femei care îşi asanează pornirile afective riscante într-un spaţiu al clarităţii geometrice recomandate de arhitectura minimalistă, devenită un semn distinctiv al clasei de mijloc din ţările bănuite pe nedrept de stagnare în primitivismul moştenirii ancestrale, şi vor sfârşi în ridurile unui chip bătut de vânturile înălţimilor şi însufleţit de nişte ochi în care s-au adunat parcă toată răbdarea şi răspunsurile umanităţii.

imagine: www.enteratecali.net
imagine: www.enteratecali.net

Ai spune că ţi se promite o călătorie prin acel Peru al diversităţii demne de un roman magic-realist, având la dispoziţie câte un ghid feminin pentru fiecare zonă. Dar în Climas, regizoarea Enrica Perez merge şi mai în profunzime, jucându-se cu planurile şi aşteptările tale. Îţi prezintă un continent multistratificat, de la carnalitatea neîmblânzită când vine vorba despre iniţierea în tainele pubertăţii, în care pare să se conservat exuberanţa fără teama de consecinţe, arhaică, asociată Amazoniei, la înţelepciunea din alte timpuri a femeii care poate îndura viaţa într-un mediu aspru, dar mai ales o veste grea despre fiul preferat. Leagă apoi fiecare strat al universului sud-american prins în continua metamorfoză de la vechi la modern de psihicul acestor femei din lumi diferite. De fapt, peisajul devine o metaforă capabilă să exprime vizual toate secretele dintr-un abis inaccesibil, readus la suprafaţă de nişte vârste ale schimbării.

imagine: www.cinencuentro.com
imagine: www.cinencuentro.com

Când Eva,o tânără dintr-un sat amazonian invadat de obiceiurile moderne îşi începe viaţa sexuală într-un mod controversat, dar prezentat printr-un amestec de curiozitate sălbatică, fragilitate, explorare curajoasă ispititoare, senzualitate nestăvilită, şi în acelaşi timp suavă, o femeie sofisticată din Lima înaltei societăţi îşi asigură soţul că este gata să rămână însărcinată, deşi încă mai ia anticoncepţionale în secret şi tot în secret are o întâlnire cu fosta mare iubire, lămuritoare pentru ea, dar cu mesaje criptice pentru spectator, iar Zoraida, o femeie cu trăsături de incaşă aprigă, dintr-un sat suspendat în timp, de pe culmile Anzilor, primeşte vizita neaşteptată a fiului rătăcitor, despre care ştia că are de ispăşit o condamnare. Un omagiu adus avatarurilor feminine într-un spectacol al vârstelor şi al ipostazelor inedite. Doar că toate cele trei poveşti nu conţin un mesaj devoalat ostentativ, iar omagiul nu are un ton militant. Nu este vorba despre victorii ferme, ci despre puterea fragilităţii şi despre conectarea la acea parte misterioasă, eliptică, tacută, a universului feminin, blamată atunci când este legată de iraţional, nesăbuinţă şi păcat, fie el un păcat al simţurilor şi al îndrăznelii necugetate de a le urma chemarea până la capăt, fie al fricii nemărturisite din teama de abandon sau al suportabilităţii dincolo de limite, al suferinţei în tăcere.

imagine: www.vimooz.com
imagine: www.vimooz.com

Cele trei personaje feminine – interpretate cu multă naturaleţe şi autenticitate care incită la intimităţi emoţionale şi confesiuni de către: Fiorella de Ferrari, Claudia Luiz del Castillo şi Maria Unocc – nu se cunosc, nu se vor întâlni. Lumile lor par stăpânite de alte forţe interioare, de alte valori, de altă climă, şi despărţite de ani-lumină. Totuşi, ceva le leagă printr-un tunel ce face posibilă o comuniune abisală între femeile ce nu se vor intersecta niciodată: explorarea în tăcere a propriilor dorinţe, păstrarea secretelor legate de acele episoade care le-au marcat existenţa şi prăpastia dintre lumea lor afectivă şi cea a bărbaţilor veniţi din exteriorul intruziv pentru a le tulbura un ritm afectiv la care doar ele au acces. Enigmatice şi greu de citit, chiar şi în momentele în care par să lase pudoarea de-o parte, cele trei protagoniste se lovesc de opacitatea bărbaţilor din viaţa lor, preocupaţi de satisfacerea propriilor orgolii, nevoi sexuale şi planuri de evadare pentru a le citi emoţiile. Pentru aceştia, ele vor fi o promisiune a sexualităţii fragede şi abundente precum ţinutul plin de seve ce se preling în clima umedă, certitudinea mereu confirmată a unui uter fertil şi adăpostul sigur în faţa pericolului, căptuşit de grija maternă.

Ceea ce apreciezi la filmul Enricăi Perez, dincolo de alegerea inspirată a celor trei actriţe, este tocmai simplitatea narativă a scenariului, ce-i permite fluidităţii emoţionale sa se desfăşoare netulburată, să facă mult mai vizibilă schimbarea de ritm în dezvăluirea modificărilor bruşte din universul feminin. Se începe cu dezinvoltura incandescentă a unei adolescente din Amazonia, care vrea să devină cu orice preţ o femeie precoce. Se abandonează fără ezitare şi se cufundă în lumea propriilor instincte sexuale ieşite din matcă odată cu primele sângerări ale pubertăţii. Nu se teme de consecinţe, nici de cele fizice, nici de cele morale, fără a fi ea însăşi o imorală.

imagine: www.cinencuentro.com
imagine: www.cinencuentro.com

Ce ar fi putut deveni începutul unei discuţii despre tabuuri şi patologie ramâne în viziunea regizoarei o explorare vizuală a pubertăţii feminine în culori tari, de la hainele şi accesoriile în culori stridente, asortate ritmurilor caliente ale melodiilor care invită la mişcări provocatoare ale şoldurilor, la gesturile îndrăzneţe prin care transmite semnalul exlusiv corporal de începere a unui ritual de iniţiere sexuală. Povestea Evei (Claudia Luiz del Castillo), adolescenta care poate fi considerată o Lolita amazoniană, dar mult mai ispititoare, se rostogoleşte într-un ritm febril şi într-o tăcere plină de aluzii toride, care nu mai permit o analiză morală, ci doar un asalt al instinctelor ce nu ţin cont de adecvare, interdicţii, reguli şi context.

imagine: www.victoriaadvocate.com/blogs
imagine: www.victoriaadvocate.com/blogs

Odată cu povestea Victoriei (Fiorella de Ferrari), ritmul se domoleşte. Debutând cu imaginea unei ferestre supradimensionate ce permite o privelişte marină care-ţi taie răsuflarea, dar pe care arhitectura încăperii şi lumina cenuşie a unei zile mohorâte o fac să pară mai mult o proiecţie video dintr-o instalaţie de artă contemporană pe tema stranietăţii, desprinse mai degrabă din mintea unui artist nipon, povestea Victoriei exprimă cel mai bine viziunea regizoarei. În loc să pună accentul pe o naraţiune abundentă, aşa cum te-ai fi aşteptat în cazul unui film plin de personaje feminine din tumultuoasa lume a sud-americanilor, Enrica Perez alege să evite melodrama, să înghete dialogurile clarificatoare într-o tăcere misterioasă prelungită cu finaluri eliptice. Deşi povestea Victoriei, care îi ascunde soţului ei motivele pentru care vrea să evite cu orice preţ o sarcină şi se întâlneşte pe ascuns cu fostul partener (soţul ei ascunde ziarul care anunţă prezenţa acestuia în oraş), pare una declanşatoare de scene cu desfăşurări dramatice şi cărţi date pe faţa în discuţii asurzitoare şi tranşante, misterul legat de motivele din spatele fricilor ei se prelungeşte odată cu atmosfera invadată de o linişte potrivită unui ţărm japonez descris de Kawabata, mai degrabă nelumească decât apăsătoare.

imagine: www.youtube.com
imagine: www.youtube.com

Spectatorii care se aşteptau şi la un decor pitoresc, aşa cum au văzut în fotografiile cu femeile purtând haine tradiţionale, vor avea parte de el abia în ultima poveste, cu dialoguri în limba quechua. Drama Zoraidei (Maria Unocc), o bunicuţă din Anzi, melancolică, tenace şi rezistentă, nu se suprapune peste scindarea dintre lumea comunităţilor indigene şi cea modernă, stăpânită de urmaşii conchistadorilor, nepăsători cu privire la condiţiile de viaţă mai mult decât precare ale celor din zonele greu accesibile. Durerea ei ţi se dezvăluie lent, mai mult prin gesturi şi mimici de sfix incaş. Are o privire pătrunzătoare, de femeie împăcată cu soarta, fără a se simţi doborâtă, şi obisnuită cu poverile, reamintite odată cu venirea fiului-problemă. Între momentele petrecute în casa tradiţională, scufundată într-un clarobscur ce dezvăluie nuanţele vii ale costumului popular ca într-o fotografie din articolele despre civilizaţii precolumbiene, şi drumul din vârful muntelui până la poşta de unde Zoraida ridică banii trimişi de fiica ei stabilită la oraş, ţi se perindă scenele unei relaţii în care maternitatea este învăluită în răbdare, dar şi în acea neputinţă mută de a mai schimba ceva.

imagine: www.cinencuentro.com
imagine: www.cinencuentro.com

Punctul forte al acestui film este subtilitatea, în ciuda unor poveşti ce scot la suprafaţă nişte încălcări şocante ale tabuurilor. Iar această subtilitate se reflectă cel mai bine în domolirea clişeelor din relaţia simbolică între clima umedă amazoniană şi exuberanţa instinctuală, între peisajul marin mohorat şi dorinţa de a estompa fertilitatea şi de a prelungi solitudinea depresivă a femeii din marile oraşe, sau între austeritatea unei aşezări în inima Anzilor şi presupusul ritm previzibil al vieţii după cincizeci de ani într-un sat izolat. Toate aceste legături simbolice rămân în sfera vizualului şi a tăcerii. Le înţelegi, dar fără a le deconspira prin explicaţii raţionale sau prin sentinţe morale verbalizate. Până la urmă vei empatiza cu fiecare personaj sau, dacă nu, îi vei privi deciziile dintr-un alt unghi, nebănuit până atunci.

Filmul a fost proiectat în cadrul Festivalului Pelicula.


LYTE video

 

Parle-leur de batailles, de rois et d’elephants – Michelangelo in Constantinopol

S-a dus Michelangelo până în Istanbul (pe vremea când se numea Constantinopol) pentru a da curs invitaţiei lui Baizid, sultanul ce l-ar fi îngropat în privilegii şi bogăţii pe geniul capabil să construiască un pod măreţ peste Cornul de Aur? Unii spun că nu, alţii l-ar vedea în stare, mai ales că l-ar fi ajutat să devină mai cunoscut decât rivalul său, Leonardo da Vinci (despre care se spune ca ar fi refuzat propunerea sultanului) şi l-ar fi scos din minţi pe vanitosul papă Iulius al II-lea. Acesta s-ar fi simţit lezat şi trădat de cel angajat să se ocupe de latura estetică a mormântului papal după ce Sanctitatea Sa a mobilizat armata Vaticanului pentru a opri avansarea trupelor otomane spre sudul peninsulei.

Câştigător al Premiului Goncourt în 2015 (romanul Boussole) şi al Premiului Goncourt oferit de liceeni (2010) datorită romanului Parle-leur de batailles, de rois et d’elephants, Mathias Enard – un cunoscător al civilizaţiei orientale – descrie într-o manieră credibilă şi plină de melancolia strălucitoare precum un apus peste Bosfor zilele (imaginare, sau nu) petrecute de Michelangelo în Constantinopol. Aici, cel socotit geniul Renaşterii, se aventurează discret în marele babilon de pe Bosfor, de la Sfânta Sofia până în mahalalele greceşti, în compania unui poet originar din Pristina, intrat în graţiile vizirului, şi o cântăreaţă andaluză, prigonită de trupele spaniole după alungarea suveranului maur din Alhambra.

Pentru cunoscătorii istoriei, posibilitatea ca Michelangelo să-l ajute pe sultan cu priceperile sale inginereşti dublate de calităţile de sculptor (în perioada în care a devenit faimos datorită statuii lui David) este o aberaţie. O fi fost el Michelangelo destul de obraznic încât să-l înfrunte pe marele papă, dar nu şi-ar fi asumat riscul excomunicării. Totuşi, Mathias Enard, un admirator al culturii din Orientul Mijlociu şi cunoscător al istoriei sale, menţionează la finalul cărţii nişte documente păstrate în arhivele Vaticanului, care deschid o portiţă spre autenticitate în ceea ce priveşte posibilitatea unei asemenea călătorii. Ba merge şi mai departe cu închipuirea şi ajunge să insinueze că siluetele unor personaje feminine din frescele Capelei Sixtine, cupola basilicii San Pietro sau nuanţele inedite pentru epoca lui Michelangelo ar fi fost inspirate de culorile, vestimentaţia cântăreţelor şi construcţiile admirate de-a lungul Bosforului.

Cel mai greu în scrierea unui roman despre călătoria lui Michelangelo în Istanbul este mai degrabă acel test al veridicităţii istorice, nicidecum al scriiturii ofertante. Atât sculptorul, cât şi oraşul îţi par suficient de atractive pentru a oferi nişte poveşti, anecdote şi descrieri captivante. Provocarea vine din incompatibilitatea lui Michelangelo şi personalitatea oraşului de la porţile Orientului. Aşa cum ni-l descriu contemporanii săi, Michelangelo era un melancolic ursuz, nesuferit, însingurat, mizantrop, pentru care lumea însemna în primul rând atelierul şi perfecţiunea eliberată dintr-un bloc de marmură. Îşi ieşea repede din pepeni atunci când nu-i conveneau ordinele celor puternici, respingea cu multă aroganţă orice ucenic trimis pentru a-i fi de ajutor în atelier, preferând solitudinea cu preţul epuizării, şi nu accepta şi opiniile altora. Ce mai, un titan inaccesibil, un geniu neînţeles în adevăratul sens al cuvântului, impunător şi copleşitor precum un uriaş ţâfnos, dar pe care ajungi să-l admiri tocmai datorită fermităţii prin care se fereşte de linguşitori, de superficialitatea hedonistă a Romei din epoca lui, dar mai ales de concesiile făcute de dragul privilegiilor aruncate de cei bogaţi în faţa unor artişti. Michelangelo nu era nici galant precum Rafael, nici intrigant precum Bramante (un alt rival), nici linguşitor precum un artist de curte şi nici umil în faţa papei. Dar era singurul titan al scupturii din epoca lui. Şi tocmai marmura l-a învăţat importanţa unei mişcări graţioase care îngheaţă timpul, a unei opere grandioase care să-i asigure nemurirea prin imortalizarea sublimului, a unui trup divin expus în ipostaza nudului păcătos, diavolesc în ochii habotnicilor care nu vedeau cu ochi buni extazul privitorului ajuns în faţa statuii lui David.

Acest Michelangelo, devenit sclavul marmurei, dar mai ales al ideii de nemurire, era inadecvat în Istanbulul desfătărilor topite de ivirea zorilor. Nu l-ai vedea cutreierând bazarul, nici piaţa de mirodenii, afundându-şi mâinile în sacii plini de arome inhalate cu nesaţ. Nu l-ai vedea bucurându-se de tânguirea nostalgic-sentimentală a unui instrument levantin într-o tavernă din cartierul grecilor. Până şi frumuseţea unui apus deasupra cupolelor l-ar fi prins nepăsător. Pentru acest sculptor este permis doar efemerul unei lumini prelinse în interiorul somptuos al Sfintei Sofia, în care până şi spaţiul începea să leviteze datorită jocului vizual deasupra aerului colorat de razele aurii ale Orientului.

Atunci, cum poţi să-l aduci în Istanbului veseliei, al fastului gălăgios, al exuberanţei colcăitoare, al fumului parfumat din tavernele mai de soi, al poeţilor ce lăudau grădini disparute şi al oamenilor cu dare de mână ce preferau miniaturile decorative în locul sculpturilor grandioase? Introduci doi însoţitori care să reflecte acea parte respinsă de Michelangelo, din care fac parte: frenezia efemerului senzual, abandonul în plăcerile nopţii, voluptatea fluidă cu tentă iluzorie, incompatibilă cu marmura, dar surprinsă perfect de un vers aruncat în amnezia unei beţii. Unul dintre ghizii lui Michelangelo este Mesihi, poetul din Pristina, intrat sub aripa Marelui Vizir. Lui i se datorează singurul amănunt exotic adăugat acestui taciturn auster care era Michelangelo – un pui de maimuţă devenit cadoul poetului pentru idolul său, adus din India pentru a fi expus alături de elefanţi şi sclavele din Balcani. Celălalt este un personaj feminin-o cântăreaţă maură din Andaluzia, eşuată în tavernele cartierului grecesc pentru a-şi îneca dorul de palatele şi grădinile regatului distrus de Inchiziţie.

Tânăra andaluză îl seduce prin silueta ei androgină în şalvari (o trimitere subtilă către miturile privind orientarea sexuală a lui Michelangelo, adesea pomenită prin aluzii vulgare), prin melancolia din vocea ei. Uriaşul morocănos, deloc sensibil în faţa unui Istanbul ce-i fascina pe străini, cu trupul deformat şi privire aspră, devine în imaginaţia ei un bărbat fascinant. Îl strânge în braţe, îl ademeneşte prin dezmierdări precum o femeie versată din cartierele plăcerii, dar păstrând monologul şi atingerea duioasă ale unei orientale îndrăgostite. Vocea ei i se adresează unui Michelangelo indisponibil în faţa plăcerilor senzuale, gata să refuze abandonul nocturn permis de vin, de muzica exuberantă de pe malul Bosforului, de mâinile care frământă un trup însingurat.

Tu es capable a tendre un passerelle de pierre, mais tu ne sais pas te laisser aller aux bras qui t’attendent.

Ai putea să te aştepţi la elogiul adus unei vechi surse de inspiraţie: iubirea neîmplinită dintre femeia seducătoare şi geniul care nu se poate limita la plăcerile trupului şi care vrea să anuleze orice urmă lăsată de efemer. Dar tânăra andaluză rămâne în lumea umbrelor nocturne, asemenea unei voci pătrunzatoare între pereţii tavernei, dar uitate la ivirea zorilor, încât ajungi să te întrebi dacă nu este cumva un artificiu narativ, un spectru exotic devenit simbolul unei laturi ascunse din personalitatea lui Michelangelo, de care însuşi artistul se teme, şi pe care o expulzează pentru a sculpta nemurirea, fără a fi tentat de plăcerile trecătoare.

Mathias Enard, asemenea unui arhitect inventiv, a fost nevoit să caute nişte detalii care să-i susţină construcţia nonconformistă, ce risca să se prabuşească la testul autenticităţii culturale. A evocat, aşadar, sensibilitatea şi devotamentul unui poet oriental fascinat de Michelangelo, şi a inventat o andaluză nostalgică pentru a crea legătura spirituală dintre Michelangelo şi Bosfor. Nu a vrut să inventeze un Michelangelo dedat introspecţiilor multiculrurale odată adus în ipostaza celui sedus de Orientul senzual şi senzualist, devenind asemenea picturilor cu tentă fantezistă ale visătorilor ce-si imaginau această lume drept un paradis al voluptăţilor, cu haremuri în care femeile era alintate şi recunoscătoare captivităţii, picturi care azi par nişte dovezi ale ignoranţei, din care a mai rămas doar farmecul vizual. În schimb, a readus din trecut un poet renumit în perioada otomană (Mesihi din Pristina), pe care şi l-a închipuit copleşit de faima sculptorului, şi a inventat apoi o maură fugară. Aceste personaje secundare, dar având un rol decisiv în finalul aventurii, se încadrează perfect în decorul oriental, fiind, în acelaşi timp, la marginea lui, alături de Michelangelo. Impresiile acestora, sentimentele secrete, rivalitatea cu tentă ambiguă, scoasă la suprafaţă prin tentativa poetului Mesihi de a intra în graţiile scuptorului şi apartenenţa la o lume a plăcerilor îi face deţinătorii unei realităţi afective neexplorate din universul interior al lui Michelangelo, de care însuşi artistul se fereşte.

Înainte de a fi un roman despre un episod mai puţin cunoscut în istoria artei, dezgropat de un arheolog care a pus cap la cap informaţiile din biblioteca Vaticanului şi din arhivele otomane, Parle-leur de batailles, de rois et d’elephants este un roman al posibilităţilor, al orizonturilor îndepărtate, al mirajului şi al nevoii de alteritate. Nu este importantă veridicitatea, deşi ultimele pagini conţin şi argumente în favoarea ei. Mathias Enard vrea să arunce reflexiile unei lumini străine şi ale unor nuanţe insolite peste un trup obosit şi însingurat, să amestece melancolia introspectivă prelungită de maumura rece şi căldura din agitaţia impetuoasă a iubirii febrile, dar nemărturisite. Deşi personajele, scenele şi descrierile par cât se poate de autentice, lectura curge precum o reverie înghiţită de un vis tulburat doar de un episod plin de suspans, menit să resusciteze un ritm narativ cuprins de o trândavă melancolie lirică, des întâlnită în Orientul saloanelor frecventate de poeţii opiomani. Un vis pare şi această călătorie a lui Michelangelo. Un vis este şi podul care uneşte malurile unui imperiu. Un vis a fost şi veşnicia sultanului Baiazid, acel simbol al forţei otomane. Singurele certitudini devin în acest roman tocmai pasiunile supuse capriciilor trecătoare. Dar ele sunt de nerostit, exprimând în tăcere mesajul a zeci de reflecţii despre timp şi artă, despre nemurire şi perfecţiune în sculptura unui renascentist şi mai ales despre întâlnirea cu diferitul.

Parle-leur de batailles, de rois et d'elephants - copertaEditura Actes Sud, 2010

 

 

 

O lebada salbatica si alte povesti – Vindecatoare pentru omul modern

Cunoscut datorită romanului ecranizat Orele, Michael Cunningham îţi provoacă frustrări atunci când rescrie cele mai cunoscute basme …pentru că se rezumă doar la zece dintre ele. Ţi-ai fi dorit ca volumul O lebădă sălbatică şi alte poveşti să fie mult mai gros. Ai fi vrut să citeşti zile întregi din el, în goana zilnică spre propriile visuri înainte de a fi înghiţite de jungla urbană, anihilate în sălile de şedinte, în baruri obscure sau în garsoniere închiriate odată cu amanetarea planurilor din studenţie. Fiecare basm rescris într-o notă ironică, dar, în acelasi timp, încărcată de compasiune pentru omul contemporan, devine un blues dătător de melancolii povestite cu voci abrazive de rătăcitori cu prea multe greşeli şi excese la activ.

Vei aprecia sensibilitatea respirată de fiecare proză din acest volum dacă faci parte din rândul celor pentru care frumuseţea se regăseşte sub crustele unei degradări care te face să te întrebi ce poveste zace în damnatul din faţa ta, ce desenează cu atâta sete (atunci când crede că nu-l vede nimeni) un adolescent încercănat care dă semne că n-are chef de normalitatea cotidiană sau câte drame plutesc odată cu fumul pe care-l tai cu cuţitul într-un bar unde oamenii devin spectrele ce plutesc spre tejghea precum vietăţile apatice într-un acvariu. Totuşi, Cunningham este departe de stilul parodiei nihiliste prin care au fost reinterpretate, în fotografii actuale, poveştile Disney, cu prinţese în varianta degradată, ridate, buhăite de la prea multe vicii şi cu lehamitea incurabilă a deziluzionatei care nu vrea să mai caute salvatori. De fapt, Cunningham nu reinterpretează basmele în cheie modernă, ci preferă să repopuleze spaţiul iluziilor transformate  cândva în poveşti cu finaluri fericite.

Povestirile din acest volum sunt o fantasmagorie suprarealistă. Dar suprarealul nu se naşte din realitatea modificată, ci mai degrabă din frumuseţea nelumească descoperită chiar în inima decadenţei bine ancorate în realitatea nefiltrată. O lebadă sălbatică devine o reformulare ludic-fantezistă (dar nu mai puţin lucidă) a dramelor sfâşietoare, a tristeţii celor imposibil de consolat, încât eşti gata să te întrebi dacă nu cumva ai în faţă o şedinţă din terapia prin metafore la care participă cei din romanul Crăiasa Zăpezii – un despre nişte oameni din Brooklyn aflaţi în căutarea unei minuni într-un Central Park hibernal.

O lebădă sălbatică şi alte poveşti a fost scrisă de un autor care ştie foarte bine că nu mai poţi scoate la suprafaţă copilul din sufletul adultului bombardat cu prea mult cinism decât prin acele basme în care finalurile fericite ascund nişte umbre, nişte contraste între angelic şi depravat. Aceste contraste sunt exprimate de artista Yuko Shimizu, care a ilustrat sau, mai bine zis, a tradus în limbaj grafic prozele din acest volum. Toate personajele descrise în imagini şi cuvinte prin colaborarea dintre Cunningham şi Yuko Shimizu le dau apă la moară celor incapabili să vadă frumuseţea înainte ca marile dureri să metamorfozeze chipurile inocente făcându-le irezistibile în disperarea lor şi în revolta senzuală împotriva regulilor.

Rapunzel (Părul ei), fraţii transformaţi în lebede, dintre care doar unul rămâne cu o aripă după revenirea la stadiul uman (O lebădă sălbatică), petrecareaţa uitată de toţi, care îi aşteaptă în casa ei din prea multe dulciuri pe Hansel şi Gretel deveniţi nişte mici delicvenţi (Bătrâna nebună), Albă-ca-Zăpada pusă în postura satisfacerii unor fetişuri pentru salvarea căsniciei (Otrăvit), fata care se întâlneşte cu bestia pentru a-şi salva tatăl (Bestii), Jack din povestea cu vrejul de fasole, ajuns un teribilist infantil dependent de mamă şi fără mari planuri de viitor (Efectul Jack), vietatea care îndeplineşte trei dorinţe simple după ce devine un suvenir exotic în casa unor amărâţi (Laba de maimuţă) sau fecioara nevoită să transforme paiele în aur (Omuleţul) ajung în centrul unor scenarii alegorice pline de originalitate, care te ţin şi acum cu sufletul la gură. În imaginaţia lui Cunningham, poveştile sunt precum desenele în care feminitatea virginală este încadrată de contururile îngroşate cu tuşul negru într-o schiţă despre inocenţa pierdută sau în care acel golan impulsiv primeşte un licăr nesperat în priviri, o relicvă a copilului dinainte de abuzul realităţii dezlănţuite.

Michael Cunningham reuşeşte să atragă cititorul evitând finalurile moralizatoare. Singurele poveţe din prozele sale vor fi legate de necesitatea de a fi conştient de fragilitatea eternă a omului, de legătura inevitabilă dintre umanizare şi acceptarea tristeţii, a pierderilor, a unei perfecţiuni datorate vieţi incomplete şi a faptului că marile dorinţe nu se împlinesc atâta vreme cât sfidează posibilităţile fiecăruia. Personajele descoperă cum lăcomia ce duce la trişare are nişte urmări absurde chiar şi atunci când vinovaţii par să scape basma curată. Trimise în lumea omului modern, personajele din basme îi preiau metehnele. Se mint, se înstrăinează în cuplu, apoi revin la sentimente mai bune când scapă ca prin urechile acului dintr-o tragedie (Statornicie, tinichea, Odată/Niciodată). Îşi resuscitează relaţiile şi au impresia că pot conserva intensitatea unui ataşamen prin îndeplinirea unor fantezii ciudate. Amână maturizarea emoţională pentru a nu fi nevoite să îşi amintească de traume atunci când analinează cauzele unor probleme. Îşi măsoară fericirea în bunuri acumulate şi vor să obţină puterea doar pentru a se face auzite după ce fizicul a devenit o cuşcă a vieţii afective ce vrea orizonturi largi şi relaţii strânse precum un cocon securizant.

Prozele scrise de Cunningham nu caută fantasticul inventând o realitate paralelă, ci doar îl scot la suprafaţă din viaţa de zi cu zi, în care dramele pot conduce la dorinţe şi aspiraţii fantasmagoric-absurde. El arată cum psihicul zdruncinat de pierderi se poate metamorfoza într-o poveste suprarealistă din cauza unor mecanisme de apărare năstruşnice sau morbide. Aparent simpliste şi cinice, gata să-şi bată joc de copilul visător ascuns în fiecare adult, basmele rescrise de autorul american ajung să fie un medicament. Dar unul straniu, care îmbină metafora cu tentă psihanalitică, tremurul angoasei şi acel sarcasm ce maschează duioşia pitită în spatele satirei sau al fiorului trezit de sinistru. Amestecul dintre inocenţă şi grotesc, dintre neputinţă şi măreţie, dintre teama de a pierde afecţiunea şi obsesia pentru perfecţiunea fizică te fac să îţi aminteşti de filmul Tale of Tales, prezentat şi la Cannes în 2015.

O lebada salbatica si alte povesti Editura Polirom, 2016

Citeşte şi Tale of Tales – Fantezie renascentistă într-un basm nonconformist

Tale of Tales – Fantezie renascentista intr-un basm nonconformist

Fiica papei – Aveti ceva de zis in apararea Lucreziei Borgia?

Nu deschizi bine romanul nobelizatului Dario Fo (mare admirator al commediei dell’arte), că te şi trezeşti în faţa unei declaraţii incandescente plasate sub un desen erotic renascentist. În această declaraţie -neruşinată pentru secolul al XV-lea, ludic-naivă pentru zilele noastre – Lucrezia Borgia îi spune, după o noapte de amor, celui considerat marea ei iubire: Dumnezeule! Privit de sus, aşa, gol puşcă, eşti şi mai frumos! Din ce familie eşti, napoletanule?

Pe unii cititori i-ar apuca râsul gândindu-se cum unii ar fi putut-o acuza de crime în serie, parşivenie de curtezană diabolică sau complicitate la păcate abjecte când tot ce poate spune după o noapte de amor clandestin sunt aceste cuvinte. Alţii, luând în considerare obsesia pentru aparenţe din secolele trecute, consideră această declaraţie un semn al dezinhibării totale, nepermise unei adolescente crescute printre feţe bisericeşti (doar era fiica de papă). Şi tot ei se mai gândesc înspăimântaţi că astfel de libertinaj, care nu mai era cenzurat nici măcar de dragul reputaţiei virginale recomandate unei fete în urmă cu secole, ar fi făcut din Lucrezia Borgia o femme fatale lipsită de scrupule în secolul emancipării, sau o rivală de temut pentru Mata Hari. Nimic nu i-ar fi stat în cale într-o perioadă a eliberării femine. Ar fi avut azi toate atuurile pentru a seduce, dar contestatarii gata să o acuze de vulgaritate ar fi fost puşi la respect prin eleganţa ei, dată de stăpânirea limbilor clasice, printre care latina şi greaca. Pasiunea ei pentru literatura şi pictura nonconformistă, în care dominau absurdul şi fantasmagoricul (se spune că-i plăceau tablourile lui Bosch) ar fi făcut din ea o mare admiratoare a lui Cortazar, Dali, Bunuel sau Ionesco, dacă s-ar fi născut în alte timpuri.

Printre pasiunile nestăvilite pe care Lucrezia Borgia nu era în stare să le ascundă se află şi pasiunea pentru poezie, pentru poveştile fantastice şi, mai ales, pentru pictură. Adora mai cu seamă povestirile care zugrăveau lucruri fireşti ce deveneau absurde. Era epoca în care din Flandra soseau pânzele lui Bosch reprezentând momente tragice în contrapunct cu momentele vesele, cum ar fi un sat (…) în care femei şi bărbaţi aleargă îngroziţi, adesea goi (…) iar în partea opusă o grădină a desfătărilor, un soi de Eden plin de scene voioase, de un subtil şi fantastic erotism.

Fiica papei, primul roman al scriitorului Dario Fo, poate fi considerat o replică îndreptată mai ales către aceia gata să pună pe seama unei femei toate faptele cumplite plănuite cu zâmbetul pe buze, sub hainele manipulării şi ale vorbelor mieroase, dar ispititoare precum un tablou deocheat comandat de nobili pentru a-l atârna în apartamentele secrete, unde primeau curtezane. Dar mărturiile despre obiceiurile nobililor şi ale clericilor din acea epocă îi găsesc un alibi la nivel colectiv. Aşa-zisa dorinţă a Lucreziei de a urma calea voluptăţilor, de a se lăsa condusă de plăcere, nu era ieşită din comun. Era familiei Borgia a fost una plină de păcate asumate. Nici măcar Papa nu îşi mai ascundea copiii nelegitimi, pe care îi folosea în jocurile politice şi îi infigea ferm în cele mai înalte funcţii de la Vatican pentru a-şi face o reţea de susţinători şi complici fideli. Otrăvirea nepoţilor de către unchii ce i-au mangâiat cândva pe creştet, uciderea fratelui într-un acces de furie sau a cumnatului bănuit de colaborari secrete cu familii nobiliare vrăjmaşe intereselor erau la ordinea zilei, mai ales dacă autorul era cel devenit simbolul răului suprem, dar şi al decadenţei – nimeni altul decât fiul preferat al Papei, Cesare Borgia.

Portretul lui Cesare Borgia, realizat de Altobello, Bergamo, Accademia Carrara; sursa: bmliterature.altervista.org
Portretul lui Cesare Borgia, realizat de Altobello, Bergamo, Accademia Carrara; sursa: bmliterature.altervista.org

Cu asemenea coordonate morale şi preaslăviri ale unor virtuţi machiavelice, greu de cărat în spate de o femeie din clanul Borgia, te miri când ţi se povesteşte despre cât de cuminte a putut rămâne Lucrezia într-un asemenea viespar. A fost inocenta familiei, singura chibzuită şi altruistă din clanul Borgia, dacă îi dai crezare lui Dario Fo. Şi ai fi îndreptăţit să-l crezi pe cuvânt. Abundentele trimiteri către sursele unor istorici de încredere te ajută să-l înţelegi când vrea să o reabiliteze pe biata victimă a unui tată şi a unui frate care nu văd în ea decât un colet de sâni plinuţi şi fese trăsnet, aşadar momeala perfectă pentru nobilii ce vor fi atraşi în alianţe politice de pe urma cărora doar ei vor avea de câştigat.

-Mi-ai făcut portretul persoanei pe care vrei să mi-o propui. E vorba despre fiul ducelui Ercole d’Este, Alfonso.
-Exact, ai priceput perfect, chiar el!

– Dar îţi dai seama că Alfonso e numele bărbatului pe care l-am iubit mai mult ca orice pe lume şi pe care cineva din familie l-a ucis?

– Sigur, o coincidenţă îngrozitoare. Dar ce pot eu sa fac? Mai bine îţi spun că ştiu că l-ai întâlnit deja aici, la Roma, pe Alfonso d’Este, nu mai ştiu cu ce prilej. Cum ţi s-a părut?
– Nu l-am privit prea atent, dar, cum se spune, iubitul de dar nu se caută la dinţi.
– Vorba asta e despre cai.
-Ai dreptate, şi nu eu va trebui să-l călăresc.
Eu voi juca rolul iepei.
-Oricum, te rog gândeşte-te la propunerea mea cu seninătate.

Biata fată de Papă!, îţi vine să spui când paginile curg în ritmul unei naraţiuni pline cu detalii captivante mai ales datorită acelor amănunte politico-erotice scandaloase. Lucrezia nu a fost nimic mai mult decât o victimă, un pion irezistibil pe o tablă de şah. A fost scârbită să afle că papa, cel mai sfânt om al creştinătăţii, era de fapt tatăl, nu unchiul grijuliu cu nepoţii săi preferaţi, şi că tot el angajase un soţ fals pentru mama ei, de ochii lumii, în perioada în care fusese un aspirant la tronul de la Vatican. Nu trece mult şi mai află că noua favorită a papei este chiar prietena ei, abia ieşită din preadolescenţă – Giulia Farnese, celebra fecioară cu părul de aur din tabloul lui Rafael. Totuşi, simbolul pulsiunilor malefice nu este papa, ci fiul acestuia, Cesare. În timp ce fratele ei reuşeşte să le facă de petrecanie unor bărbaţi care îi dau târcoale coaptei Lucrezia, dar nu au de gând să treacă prin apartamentele papale pentru a se pune în slujba clanului, tatăl ei, papa, dovedeşte, printre calcule machiavelice, un ataşament ieşit din comun în cazul unei persoane având profilul unui psihopat cu tendinţe de tiran.

O iubeşte, şi-ar da viata pentru fericirea fiicei sale. E clasicul temei moral al tiranilor, care în urmărirea propriilor interese acţionează întotdeana ca nişte criminali fără milă; când vine vorba însă de sentimentele pentru apropiaţii lor, suferă şi se dau de ceasul morţii cu pasiunea unor autentice făpturi omeneşti.

În acest mediu, în care alternează dovezile de candoare şi calculele meschine, iar lipsa empatiei este ridicată la rang de talent în arta guvernării, Lucrezia este surprinsă de scriitorul Dario Fo în ipostaza copilei debusolate şi aproape sufocate de atmosfera otrăvitoare de la Vatican. Pentru a scăpa de păienjenişul malefic, în care impulsivul Cesare Borgia pune la cale nişte cine înfiorătoare pentru adversarii lui, îi omoară iubiţii şi se debarasează de propriul frate (Juan, primul născut al Papei), Lucrezia îşi îndreaptă speranţele spre o cetate despre care viitorul socru o visează noua Atenă – Ferrara. Aici, la palatul Belfiore, Lucrezia îşi va face propria curte, departe de Cesare Borgia. Suportă acuzele noului soţ, întors împotriva ei de cuvintele bârfitorilor ce invetează (sau nu) infidelităţi şi crime puse în biografia Lucreziei. Câştigă, în schimb, încrederea socrului ei, stâlpul faimoasei familii d’Este (cunoscute în manualele de istoria artei datorită unor mecena şi femei cultivate) şi reuşeşte să domolească antipatia cumnatei, nimeni alta decât influenta Isabella d’Este (dacă sunteţi pasionaţi de artă, o ştiti, probabil, din desenul făcut de Leonardo da Vinci).

Cartea lui Dario Fo are un stil mult prea colorat şi vascularizat de sentimentele pătimaşe care pulsează în toate personajele sale pentru a fi o biografie seacă (nu poţi fi sec atunci când te referi la familia Borgia), dar nu are nici desfăşurarea spectaculoasă a intrigilor redate cu multă voluptate demnă de un dezmăţ roman în Sânge şi splendoare. Are, în schimb, un mare atu, irezistibil pentru cei fascinaţi de Renaştere, de arta istorisirilor cu tentă satiric-erotică din Decameronul: talentul de povestitor, gata să le zică lucrurilor pe nume, dar păstrând rafinamentul unei picturi în care ludicul reuşeşte să alunge pornografia, chiar şi atunci cand este descrisă acea sexualitate fastuoasă din timpul unei petreceri animate de curtezane. Nu trebuie să uităm că nobilii renascentişti erau înaintea epocii lor şi nu mai desparţeau dezmăţul de artă, sexualitatea de o anume extravaganţă estetică. Nobilii erau sclavii propriilor plăceri, dar şi ai inovaţiilor aduse de savanţi (este memorabil descrisă întâlnirea dintre papa Borgia şi Copernic). Se luptau pentru cel mai bun pictor şi lăsau garda jos mai ales în faţa unei femei spirituale, fie ea şi una considerată a fi târfă.

Tributar culturii din ţara sa, Dario Fo nu numai că a vrut să reabiliteze imaginea unei femei captivante mai ales datorită erudiţiei poleite cu multe replici pline de umor şi acel sarcasm rafinat, atât de cerut în conversaţiile decisive pentru tachinarea erotică dintre nobili, precum un condiment rar din Indii într-un festin princiar. Dincolo de povestea irezistibilă, scriitorul a reuşit să transforme un roman cu subiect incendiar într-o suită de scene demne de commedia dell’arte, în care voluptăţile spectaculoase ţi se dezvăluie prin umor satiric, devenit o punte de legatură între animalele politice din trecut şi cele din prezent. Fiecare pagină a romanului aminteşte de un joc al măştilor ce are pe fundal un decor în care autorul mai bagă capul din când în când pentru a şopti o concluzie legată şi de camuflarea machiavelismului în secolul nostru.

Înaintarea cititorului în povestea Lucreziei Borgia capătă farmecul unui spectacol renascentist, în care decorurile sunt date la o parte succesiv pentru dezvăluirea unor noi şi noi scene. Acest stil al naraţiunii dublat de nişte elemente specifice commediei dell’arte va fi apreciat de cititorul dornic să redescopere povestea unei femei din Renaştere chiar în atmosfera din acea perioadă, recreată datorită omagiului adus de către Dario Fo esteticii italiene. Fiica papei este un spectacol al dezvinovăţirii, în care decorurile unui film comercial sunt înlocuite de pictură şi de apetitul pentru dialogurile poetice, situate între patimă, nostalgie şi picantele aluzii ce umăreau demascarea veselă.

Fiica papei - copertaEditura Humaniras Fiction, 2016

Ultimele articole