Lumea de orez – Lacomia razbunatorului

Pagoda Gâştei Sălbaticeeste unul dintre simbolurile chinezilor aflaţi în căutarea păcii sufleteşti. Pentru ţăranul sinistrat din China anilor ’20-’30, Gâsca Mare era adevăratul paradis, unul al abundenţei. Nu era numele unui templu, ci al celei mai mari prăvălii de orez de pe Strada Cărămidarilor, situată într-o zonă mizeră a unui oraş de pe malul unui râu din Nord. Aici orezul avea strălucirea pe care doar oamenii ce au cunoscut lipsurile i-o pot atribui unui aliment. Năştea rivalităţi, lupte pentru putere, răfuieli, febra lăcomiei şi a mâniei, dar şi fetişurile ce amestecau pasiunea şi erotismul cu goana după sacii bunăstării. Când prăvălia Gâsca Mare a fost înhăţată de Cinci-Dragoni, un supravieţuitor înfometat dintr-un sat luat de ape cu tot cu plantaţii, s-a dezlănţuit urgia resentimentelor şi a pulsiunilor întunecate ce zăceau în adâncurile celui umilit.

Din 2012, anul în care Mo Yan a primit Premiul Nobel pentru Literatură, tot mai mulţi cititori şi-au îndreptat privirea spre China şi spre acele romane ce dezvăluie o faţă nevăzută a ţării, din perspectiva oamenilor care trăiesc în marile oraşe, la marginea lor sau în satele unde tradiţia şi schimbările (de cele mai multe ori) impuse de modernizare se ciocnesc. Alături de Mo Yan, Su Tong este unul dintre cei mai cunoscuţi autori chinezi în Occident, în mare parte şi datorită unor scrieri ecranizate şi apreciate de critici, dar mai ales talentului său de a crea nişte romane în care imaginile puternice au intensitatea vizuală şi dinamismul unor scene de film ce redau vacarmul unui mare oraş, cu locuitori şi străzi pestriţe, unde viaţa şi mai ales dramele pulsează într-un ritm ispititor.

Spre deosebire de Mo Yan, care l-a fermecat pe cititorul vestic prin realismul magic adaptat la apetitul pentru partea fabuloasă din poveştile cu tâlc ale sătenilor din partea  de nord a Chinei, Su Tong apelează la un realism brutal, necruţător, dar nu din cauza unor detalii şocante, ci prin tendinţa de a-şi perpeli fiecare personaj în focul propriilor neputinţe, care iau forma unor pasiuni şi instincte malefice gata să pârjolească întreaga lume în numele unei nedreptăţi sociale ce trebuie reglate cu orice preţ. Un fiu al nedreptăţilor este şi Cinci-Dragon, orfanul din Satul cu nuci, urcat pe furiş într-un tren ce transporta cărbuni spre mare oraş, unde îşi va găsi atât orezul ce îi va aduce saţietatea mult visată pe când răbda de foame, cât şi nefericirea mascată de pornirile tiraniei.

Odată ajuns într-un mare oraş-port din partea de nord a Chinei, lui Cinci-Dragoni i se înfăţişează o lume neaşteptată, luată pe sus de schimbarile şi contrastele din perioada interbelică. Mizeria şi foametea, tâlharii ce făceau parte din Frăţia portului, umilinţele îndurate la umbra prăvăliilor cu faţade ce-i luau ochii şi de unde plecau sudulmi ce ardeau urechile greu încercate ale celui lăsat în voia sorţii de mic se amestecă prin mintea lui cu siluetele ademenitoare ale femeilor emancipate, de care se simte atras, dar le priveşte cu teama celui ce a cunoscut deja poveştile bărbaţilor prea repede ruinaţi de acele slăbiciuni zgândărite de farmecele feminine. Astfel de farmece intrau şi în arsenalul celei mai frumoase (dar şi hulite) adolescente precoce de pe Strada Cărămidarilor, nimeni alta decât amanta celui poreclit Domnul, aflat în fruntea hoţilor din Frăţia portului şi considerat varianta orientală al unui mafiot. Această adolescentă dezgheţată şi gata să-şi satisfacă orice plăcere este şi fiica unui renumit negustor de orez, a cărui prăvălie va încăpea treptat pe mâna lui Cinci-Dragoni. Mila stârnită de imaginea dezolantă a înfometatului Cinci-Dragoni, în pragul morţii din cauza inaniţiei va pecetlui decăderea tatălui ei, Jupânul Feng, şi nefericirea surorii, care nu-l avea deloc la inimă pe noul băiat de prăvălie pripăşit în patul salvatoarei lui.

Intrat sub aripa Jupânului Feng, Cinci-Dragoni îndură umilinţele celui sărac într-o lume unde compasiunea lipsea, apoi devine stăpânul prăvăliei acestuia, printr-o perseverenţă diabolică, atent folosită pentru eliminarea oricărui rival şi în pedepsirea propriilor copii. Umilinţele cunoscute de băiatul înfometat şi lipsit de afecţiune vor naşte acei monştri ai complexului e inferioritate şi ai parvenitismului feroce şi grotesc, în al cărui tablou se întâlnesc duhoarea mizeriei, amintirile coşmăreşti din timpul foametei, dinţii de aur, furia, bolile excesului, dominarea celor lucizi, care devin oglinda prevestitoare a deformării ce pune stăpânire pe mintea şi trăirile lui Cinci-Dragoni, şi crimele.

Primele victime ale umilitului ajuns peste noapte jupân sunt cele două moştenitoare ale prăvăliei de orez Gâsca Mare. Rând pe rând îi vor deveni soţii obediente, deşi nu le va fi cu adevărat stăpân. Chiar dacă le transformă în prizoniere după ce devine stăpânul prăvăliei, se va zăvorâ, la rândul său, fără să ştie, într-o lume a necunoscutului feminin, unde cochetăria, răbdarea, îndărătnicia şi armele seducţiei îi vor încurca planurile, îi vor slăbi vigilenţa şi îl vor înspăimânta prin acea nesupunere sofisticată, demnă de un mare oraş. De fapt, întâlnind-o pe fata cea mare a Juânului Feng, ce devenise amanta celui mai bogat interlop din oraş, dar şi a unuia dintre acoliţii acestuia, tulburând ordinea din temuta bandă ce alcătuia Frăţia portului, Cinci-Dragoni descoperă acea legătura tainică, aţâţătoare şi pe atât de periculoasă dintre feminitatea emancipată şi dezordinea amoroasă de pe străzile ce musteau de ispite. Asemenea oraşului în care l-a lăsat vagonul plin de cărbuni a carui trepidaţie o va retrăi în multe coşmaruri, femeile întâlnite în prăvălia de orez a Jupânului Feng şi în bordelurile piperate vor trezi amestecul apăsător dintre atracţia năvalnică, tenţia copleşitoare şi dispreţul celui ce se vrea stăpân peste o lume ce nu-i poate fi devoalată, prea mare pentru a fi închisă în regatul celui ce nu avea nimic, mereu frustrat de  abundenţa oraşului nelegiuit şi deşucheat ce l-a privit de sus şi care va rezista şi fără ca el să o poată cuprinde şi posada în totalitate, precum ocapcană uriaşă care te ispiteşte să te arunci singur în plasa ei.

Deşi pare o clasică  şi previzibilă poveste despre un parvenit ce stârneşte dezgust şi revoltă în rândul cititorilor, dar şi compasiune dacă sunt înzestraţi cu multă răbdare, Lumea de orez te ţine captiv datorită scriiturii dinamice, al cărei ritm curge precum un film în care dramele personale se petrec în furnicarul unui mare oraş ce pulsează haotic, astfel încât nici scenele şocante şi nici deznădejdea sufocantă ce pluteşte deasupra personajelor nu te vor face să laşi cartea din mână. Evoluţia întâmplărilor te ţine cu sufletul la gură ori de câte ori este dat peste cap raportul de forţe dintre personajele ce duc o luptă psihologică pentru putere. Su Tong are o scriitură ce îmbină stilul unui roman de tip realist, dezvăluind o Chină gata să te bântuie şi după ce ai terminat cartea şi pe care o simţi foarte aproape în timpul lecturii, cu observaţiile demne de un psihanalist, mai ales în scenele în care sexualitatea consumată deasupra unei grămezi de orez şi plăcerea obsesivă a lui Cinci-Dragoni de a introduce boabe în trupul femeilor posedate devine simbolul unei lumi unde trăirile, senzaţiile şi întreaga umanitate au fost coborâte la nivelul pântecelor. Cinci-Dragoni va găsi plăcerea în capacitatea de a îngurgita şi de a devora, ce trece dincolo de saţietate, spre zona instinctelor năvalnice, dar şi morbide, ridicate din adâncuri pentru a se revărsa peste orezul fetişizat în dezlanţuiri patologice.

Su Tong a reuşit să creeze un personaj pe care îl regăseşti în toate epocile şi în toate oraşele unde s-au păstrat discrepanţele uriaşe dintre clasele sociale. Asemenea unei vietăţi primitive şi lacome, Cinci-Dragoni supravieţuieste şi devine o verigă importantă din fauna acelei părţi fetide a unui mare oraş. Vine din mizerie şi este înveninat de inegalitate, iar ignorarea şi dispretul celor din jur îl transformă într-un cameleon rapace. Talentul de a supravieţui şi perseverenţa hrăpăreaţă sunt cele două trăsături care te fac să îţi pui întrebări legate de originea răului şi de limitele compasiunii. Îl deteşti, dar îl şi compătimeşti (cu mare greutate, ce-i drept) ori de câte ori acesta rememorează acele zilele de foamete, când, fugit din calea inundaţiilor, şi-a găsit salvarea în hurducăiala unui vagon plin de cărbuni, a căror imagine de la începutul romanului prevesteşte o abundenţă întunecată, aducătoare de moarte.

Editura Humanitas Fiction, 2015

imagini: wikimovies.net/www.china.org.cn

Sherlock

Paradoxul serialelor care scot actori din anonimat: am vrea să primim episoade noi non-stop, dar programul recent supraîncărcat al actorilor împinge serialul pe locul al doilea. Cam așa stau lucrurile și cu Sherlock, serialul care i-a transformat pe Benedict Cumberbatch și Martin Freeman în veritabile staruri.

5 ani de Sherlock și doar 9 episoade, ne reamintea Mark Gatiss, 1/2 din duo-ul responsabil pentru rescrierea modernă a povestirilor polițiste ale lui Sir Arthur Conan Doyle. Chiar dacă sezonul 4 se lasă așteptat până cândva în 2016, a doua zi de Crăciun ne aduce un episod special Sherlock, complet izolat de firul narativ principal.

Acțiunea se va desfășura în 1895 (anul în care se consideră că Sherlock a atins succesul maxim, după ce Conan Doyle l-a omorât și readus la viață – sună cunoscut?) și ar putea să fie bazată pe The Adventure of the Blue Curbuncle.

Ricki and the Flash

Cunoscut pentru întunecatul Silence of the Lambs, regizorul Jonathan Demme este perfect capabil să-și îndrepte atenția către o dramă familială, după cum a dovedit prin Rachel Getting Married. În aceeași sferă se menține și cel mai recent film său, Ricki and the Flash.

Dramedia împletește problemele în familie cu elementul nelipsit din filmele lui Meryl Streep din ultimul timp: muzica. Actrița o interpretează pe Linda, o femeie de vreo 60 de ani care a renunțat la familie din pasiune pentru muzică, pasiune răsplătită printr-un succes modest alături de formația Ricki and the Flash.

Când fiica ei încearcă să se sinucidă, Linda este chemată de fostul soț (Kevin Klein, care a apărut alături de Streep în Sophie's Choice) să încerce să stabilească o conexiune cu periculoasa Julie (interpretată de fiica lui Streep, Mamie Gummer). 

Scenariul este semnat de Diablo Cody (Juno), iar distribuția este completată de Rick Springfield (True Detective) și Sebastian Stan (Captain America).

Big Game

Scris și regizat de finlandezul Jalmari Helander, Big Game respectă promisiunea din titlu: un joc interesant, cu accente naive, la scară hollywoodiană – doar îl are pe Samuel L. Jackson în distribuție.

Oskari (Onni Tommila) pleacă într-o expediție de vânătoare cu tatăl său și câțiva prieteni ai acestuia. Când încercările sale de a se implica în activitatea adulților ajung ținta glumelor, Oskari decide să-și dovedească bărbăția pornind singur, noaptea, în căutare unui trofeu.

Norocul îi pică din cer -la propriu, când președintele SUA se parașutează fix în fața sa. Air Force One a fost deturnat de bastardul psihopat al unui șeic. Big Game este filmul scenaritei americane prin ochii unui european pasionat de Steven Spielberg și Luc Besson, cu Samuel L. Jackson în rolul președintelui și Felicity Huffman în fruntea CIA.    

Stockholm – Ma iubeste, nu ma iubeste…dupa un one-night stand

Poate urma ceva profund şi de lungă durată după un one-night stand? Rămân ei împreună, sau el o va considera doar o târfuliţă ieftină, iar ea pe el un nesimţit misogin care nu poate accepta dreptul femeii de a experimenta fără obligaţii şi interogatorii biografice pe post de preludiu? Dar pe regizorul Rodrigo Sorogoyen nu-l preocupă rezolvarea dilemelor specifice relaţiilor de cuplu actuale. El vrea să redea mai degrabă acea stare de spirit neclară, ce se întinde între plecarea din clubul underground, unde are loc o petrecere cu indie rock şi muzică electronică deep, atunci când băiatul tupeist şi plin de prea multă încredere în farmecul personal vrea să o convingă pe misterioasa inaccesibilă cu aer de fată mofturoasă cuminte să plece împreună cu el, şi răsăritul romantic-urban văzut de la ultimul etaj.

Încă de la primele scene simţi că acest film este despre tine, dacă iubeşti să iei la pas oraşele după ora 4 dimineaţa, când pâlpâirile stridente ale neoanelor aruncă o voluptate melancolică asupra expresiilor bahice de pe feţele petrecăreţilor. Sunt redate perfect emoţiile adunate în acea oră magică de la finalul petrecerii, în care străzile abia dezmorţite pot să te facă să uiţi de teama de ridicol şi să te pierzi printre leii de oraş care duc tratative cu fetele alese în semiîntunericul clubului de la subsolul unei clădiri în paragină, tratative legate de noul loc unde îi va prinde răsăritul cu întrebarea La mine, ori la tine? pe buzele arse de prea multe shoturi. Ce-i drept, titlul filmului conţine o păcăleala. Nu este vorba despre celebrul sindrom, nici despre o noapte albă într-o capitală scandinavă, ci despre una petrecută într-un oraş spaniol care seamănă foarte mult cu Bucureştiul, cel puţin aşa reiese din cadrele alese.

La un moment dat vei avea un deja vu şi te vei întreba dacă nu cumva te-a filmat cineva cu o cameră ascunsă după ce i-ai lasat baltă pe amicii dornici de a se bucura de un concert în urbano-artistic-dărăpănatul club underground pentru a te îndrepta spre mica reuniune dintr-un bloc situat în Centrul Vechi, unde nişte foşti colegi de facultate au pus mână de la mână pentru a închiria un apartament de boem, cu tot bulină roşie, oferit la suprapreţ de o babă ce vrea să-şi scoată banii până la primul cutremur. Nu ajungi bine, că din holul blocului răsare un tip dezbrăcat ce vrea să-i demonstreze tipei abia agăţate că o iubeşte şi că ea este una specială în nopţile lui de amnezie alcoolică, toate intenţiile mature fiind mai credibile odată însoţite de gesturi teribiliste. Cunoscându-ţi bine prietenii te întrebi: Unde l-au mai găsit şi pe ăsta? Este unul dintre personajele filmului, ce îi face declaraţii amoroase (şi foarte amuzante!) în scara blocului unei tipe închise în ea, aparent nesociabilă, dar cu o minte ce naşte nişte replici pişcătoare, demne de zicala Apele liniştite sunt adânci.

Actorii Aura Garrido şi Javier Pereira intră atât de bine în pielea unor personaje demne de imaginea cuplului debusolat din marile oraşe, sudat mai mult de hazard şi de insecurităţile personale decât de intenţiile pe termen lung, încat ai impresia că îi ştii de undeva. L-ai văzut de atâtea ori de tipul expresiv, care, fără a fi neapărat o frumuseţe a la Brad Pitt, ci mai mult un bufon monden cu aspiraţii de Casanova în haine de hipster, este înzestrat cu acea charismă specifică unuia care se aruncă în apele tulburi ale petrecerii ştiind că nu are nimic de pierdut, nici măcar orgoliul de macho. Nu înţelegi de ce este irezistibil, cu toate acele replici penibile care îl fac să pară un puber disperat, salvat în ochii sexului opus doar de abilităţile sociale, bine antrenate în lumina difuză a clubului improvizat într-o casă veche, în care se recreează atmosfera unei petreceri de apartament cvasi-părăsit, acolo unde nimeni nu ia în serios pe nimeni, iar femeile îşi permit acea scăpare ce le face să accepte primele complimente, deşi nu cred în ele, urmând regulile unei distracţii fără planuri de a doua zi.

Dintre toate prezenţele feminine, protagonistul o alege pe cea trecută în dicţionarul de agăţat în categoria nesuferitelor sarcastice, cu alură misterioasă de stundentă serioasă, ce se ţine departe de centrul petrecerii şi care se lasă greu în prima ei nopte de pierzanie. Din păcate pentru orgoliul lui de mascul experimentat, ea se dovedeşte a fi o versată în citirea gândurilor şi în decodificarea măştilor sociale, ducându-l spre un postludiu ce îi va da viaţa peste cap. Aventura de-o noapte începe asemenea unui asediu perseverent al tipului histrionic, pe care un refuz îl ia pe nepregătite, mai ales dacă vine din partea unei tipe retrase, aparent cu mai puţină experienţă sexuală decât prietenele ei dezinvolte, aşadar o potenţială pradă uşoară pentru cel căruia îi place să se creadă irezistibil când aruncă toare acele replici puerile demne de un film cu Adam Sandler în postura de adolescent. Apare apoi un context în care flirtul pueril devine unui joc al tachinărilor ce scapă de sub control.

Pe neaşteptate, rolurile se vor schimba inexplicabil. Asediatorul va deveni cel vânat şi nesigur, iar misterioasa inaccesibilă va începe să ţeasă pâna victimei seduse ce nu vrea să părăsească apartamentul fantelui în postura de abandonată. El se va speria de ciudatele ei dovezi de ataşament şi de refuzul de a părăsi apartamentul şi de a ieşi din viaţa lui după noaptea consumată. Ambii îşi vor pune întrebări indiscrete, apoi se vor juca de-a şoarecele şi pisica, dorind să găsească exact acel răspuns care să-l prindă pe celălalt pe picior greşit.

Prin umorul stârnit de reacţiile stângace şi interpretările naive date unor situaţii evidente, se prelinge dureros o tensiune ce scoate la suprafaţă fragilitatea şi rănile unui ego forţat să plutească nestinghetrit prin era fricii de ridicol în faţa unui refuz erotic şi a groazei de a se implica în relaţii ce depăşesc faza pilulei de a doua zi. Cei doi protagonişti sunt presaţi de teama unui dimineţi în care lumina clară i-ar prinde nemilos dezbrăcaţi de stratul ce le apără emoţiile nearătate în public, pentru a nu stârni reacţiile de apărare ale celorlalţi, mereu sub forma unor hohote…de râs.

Filmul regizat de Rodrigo Sorogoyen te prinde şi fără a face neapărat apel la situaţii spectaculoase. Regizorul demonstrează că nu are nevoie decât de o bună cunoaştere a trăsăturilor emoţionale specifice generaţiei tale şi de nişte actori care să intre perfect în pielea personajelor, astfel încât dialogurile sumare şi perspectiva minimalistă, demnă de un film despre tineri ce aduce a noul val românesc, să producă totuşi acele situaţii neaşteptate, în care dramele nu trebuie să te cutremure, ci doar să îţi smulgă un zâmbet amar. Mimarea superficialităţii emoţioanale în relaţia de-o noapte a celor doi şi cadrele ce surprind acoperişurile oraşului exact în momentele trepidante ale filmului exprimă dorinţa de evadare într-o lume unde momentele cutremurătoare trebuie atenuate prin transformarea lor într-o succesiune de instantanee ale fericirii hedoniste, ce trebuie gustate la pachet cu acea contemplare din timpul mahmurelii nostalgice pe acoperişul ce-ţi permite o perspectivă detaşată asupra locurilor în care ai uitat de tine cu o seară înainte.

Comoara

Comoara, cel mai recent film al regizorului Corneliu Porumboiu, se distanțează de direcția experimentală a ultimelor proiecte, și amintește prin răbdarea cu care își construiește subiectul de Polițist, adjectiv.

Costi (Cuzin Toma) duce o existență monotonă, împărțită între locul de muncă și viața de familie, punctată de obiceiuri ceva mai luminoase: lectura cărților clasice de povești împreună cu fiul său. În mod surprinzător, povestea  se transformă în realitate când un coleg de serviciu îi propune o afacere: străbunicul lui îngropase în curte o comoară, dar pentru a o găsi are nevoie de un detector de metale. Costi finanțează expertul și aparatura și primește jumătate din comoară.

Realitatea este, bineînțeles, mult mai gri ca basmul; căutările sunt prezentate în film aproape în timp real, punctate de zbârnâitul detectorului activat de cea mai subțire sârmă. Filmul avansează lent, dar sigur spre un final incert: se repetă poveștile cu eroi citite fiului sau realitatea este pe cât de opacă bănuim. 

Satyricon – Delicatese antice in epoca libertatii sexuale

0

Ce mai lipsea în deceniul emancipării sexuale, pe lângă Woodstock? Un film despre imperiul desfrâului şi al banchetelor transformate în orgii, aşadar zeii i-au pregătit lui Fellini sincronizarea perfectă dintre un concert rock şi lansarea iconicului film Satyricon. Premiera americană din New Yok a beneficiat din plin de acea atmosferă evervescentă şi stupefiantă (la propriu !) de la finalul unui concert rock, atunci când tinerii hipioţi puneau în scenă, simultan cu filmul, unSatyricon al lor, specific anului 1969. Având la bază o scriere ce aduce aminte de o civilizaţie de care se leagă multe fantasme ale contemporanilor, al cărei apogeu a coincis mai ales cu sexualitatea fără limite, excesele, mistificarea plăcerilor oferite de organele de simţ şi hedonismul sângeros, Satyricon nu putea fi trecut cu vederea în epoca readucerii în prim-plan a petrecerilor frenetice şi a degringoladei senzuale, lipsite de remuşcări, ce va fi preluată în deceniile ce vor urma de mai toţi artiştii care vor să exprime acel abandon al omului în euforia simţurilor acompaniate de vin, muzică, dans şi femei dezinvolte, ca amulete ale puterii confirmate social.

Roma lui Petronius (autorul operei antice Satyricon) a rămas în memoria colectivă drept un paradis incitant, dar crud, în care virilitatea şi voracitatea erau patronii fiecărui cetăţean demn de a se înfrupta din ea. Voracitatea, ridicată la nivel de virtute a virilităţii, transforma viaţa unui roman într-un etern festin unde senzaţiile plăcerii treceau rapid prin sala banchetelor, precum animalele şi gladiatorii din arenă, înainte de a fi devoraţi. Această voracitate preface omul Romei antice într-o fiinţă a cărei supremă calitate rămâne capacitatea de a îngurgita, fie că se află în faţa unui ospăţ extravagant, a unui poet ce-i recită versuri, a unui efeb sau a unei sculpturi. Astfel îl găsim pe romanul dominat de plăceri şi în filmul lui Fellini, doar că viziunea regizorului asupra exceselor umane îl salvează de la vulgaritate şi de la grotesc, oferindu-i spectatorului festinul vizual ce devine un banchet sofisticat, în care simbolurile Romei fac parte dintr-un decor cu tentă suprarealistă şi onirică.

Lui Fellini i-a fost greu să se dezică de propriul său crez cinematografic, de acei patroni protectori, care sunt perspectiva onirică asupra existenţei, carnavalescul, erotismul burlesc, gata să puna la punct defilarea bizară a unor personaje devenite nişte apariţii ireale. Asemenea unui patrician respectabil, al cărui ospăţ decadent era o risipă lacomă de imagini abundente, deasupra cărnurilor auzindu-se ciocnirile unor bijuterii grele purtate de femeile invitate, Fellini îţi întinde în faţa ochilor un spectacol frenetic până la delir, unde sunt revărsate toate imaginile şi personajele simbolice ale culturii greco-romane, doar că sunt reinterpretate în registrul unui erotism iconoclast, de parcă toate frescele din vilele romanilor ar fi fost acoperite peste noapte de noile picturi ale unui copil teribil, ce duce ironia într-o lume halucinantă, încât odată treziţi din mahmureala de după banchet, participanţii ar avea impresia că un zeu îşi bate joc de ei, încâlcindu-le minţile. Cam aceasta este şi impresia unui spectator care face cunoştinţă cu Fellini prin Satyricon, fără a i se prezenta înainte viziunea lui cinematografică. Primele scene îi vor părea o călătorie printr-un balamuc în care nişte fiinţe captive au fost obligate de un artist nebun să se deghizeze în cetăţeni romani, punând în scenă un spectacol absurd, fără noimă. Dar aceast aparent delir vizual este unul minuţios, meticulos planificat şi asumat în cel mai mic detaliu de un regizor care, pasionat de psihanaliza lui Jung, a transformat realiatatea într-un vis plin de imagini sublime, în care fiecare personaj este un simbol ce nu se vrea elucidat, ci doar contemplat în toată desfăşurarea excentrică de care este capabil.  

Cea mai mare greşeală este să te aştepti la o redare scandaloasă a vechii Rome, prin scene cât se poate de explicite. Deşi anumite secvenţe oferă sugestii de o senzualitate incandescentă, Fellini a refuzat imaginea facilă a unei Rome desfrânate. Nu l-a interesat readucerea în prim-plan a unei capodopere a literaturii subversive (Petronius devenind la fel de controversat după ce a scris Satyricon cum avea să fie Marchizul de Sade în cercurile moraliştilor), ci transformarea lumii descrise de Petronius într-un teatru oniric, unde se întâlnesc visele devenite nişte fresce pline de personaje bizare, ce pun la cale o coregrafie suprarealistă, în decoruri avangardiste ce reinterpretează estetica Romei antice.

Dacă eşti genul de spectator pentru care un mare cineast este în primul rând un geniu al imaginii, un adept al experimentelor vizuale ce ţintesc mai ales zona inconştientului, aparent lipsită de un sens logic, Satyricon îţi oferă voluptatea unei călătorii într-o galerie ieşită din real. Încă de la primele scene simţi că faci parte dintr-un vis bizar, dar care îţi oferă prilejul unor splendori picturale decadente, unde se întâlnesc lupanarul şi arena în care unul dintre personaje înfruntă minotaurul pentru a primi unicul privilegiu de a fi sclavul unei Ariadne cu apetit de Messalină, paradisul cromatic plin de erotism şi grandoarea cu tentă suprarealistă. La un moment dat, filmul seamănă cu perindarea halucinantă printr-o vilă gigantică, unde proprietarul a pus în scena un banchet spectaculos, în care ai parte de nişte decoruri ce imită frescele, dar unele ce trimit mai mult spre o îmbinare dintre o piesă de teatru antic prezentată în manieră experimentală şi un musical pus în scenă de fanii lui Jim Morrison îmbrăcaţi în costume de romani.  

Despre Satyricons-a mai spus că nu este decât proslavirea cinematografică a unei lumi păgâne, sălbatice, pe cât de ispititoare, pe atât de sângeroase. Dar elementul păgân din film nu ţine de preferinţa pentru zeii de marmură în locul sfinţilor din icoanele smereniei, ci de anularea lucidităţii în favoarea unei reprezentări frenetice, a unui vizual orgiastic prin care starea de veghe raţională pare amorţită. În lumea lui Fellini, coerenţa narativă nu există, privitorul abandonându-se în suprema libertate a vizualului, alături de personajele ce par bezmetice, asemenea vechilor cetăţeni romani care lăsau senzaţiile să le întunece raţiunea, fără a se teme de acea învecinare a plăcerii şi a cruzimii din arenă. Spectatorul lui Fellini trebuie să fie un păgân care amână aprecierea morală pentru a se bucura de voluptatea pur estetică a unei fresce, a unui mozaic, până şi atunci când va descoperi cum perfecta armonizare a unor nuanţe pune în valoare o compoziţie în care o fiara se năpusteşte asupra unui sclav plăpând. Asemenea unor fresce dintr-o lume având alte coduri morale decât cea din care facem parte, Satyricon este un spectacol vizual sulbim, atâta vreme cât profiţi de plăcerea oferită de fiecare scenă ca de acea sofisticată delicatesă pe care o iei ca atare.

Tronul reginei Jinga – Legende africane

Tronul reginei Jinga se parcurge într-un ritm febril, precum o intrigă poliţistă plină de indicii ambigue ce aţâţă imaginaţia, şi cu fascinaţia pe care o trezesc întâmplările controversate din secolele trecute, devenite între timp nişte legende aduse de pe meleaguri exotice. Brazilia lui Alberto Mussa, unde se întâlnesc poveştile africane, contrabandiştii deveniţi noii exploratori ai mediilor clandestine şi parfumul nostalgiei lusitane, este un astfel de loc îndepărtat, născător de legende ce se ţin scai de tine pe tot parcursul romanului, asemenea urmei lăsate de un parfum tare cu mirodenii într-o zi toridă.

Coincidenţa legată de comiterea unor crime în colonia portugheză duce la hăituirea unor grupuri de sclavi fugari, bănuiţi de formarea unei confrerii pregătite să se răzbune pe stăpânii plantaţiilor. Depozitele incendiate, asasinarea unui primar căzut în mrejele unei curtezane locale, jafurile şi o evadare eşuată în ultima clipă aduc laolaltă nişte personaje captivante, din rândul cărora se disting Antunes, un negustor de mirodenii ce s-a îmbogăţit în Goa, un sclav emancipat, cu aplecări intelectuale, şi enigmatica regină Jinga, eroina care te prinde în mreje ori de câte ori Antunes îşi povesteşte aventurile din inima junglei africane, unde intrase în regatul acestei suverane parşive şi sfidătoare în faţa dorinţei sale de a i se băga pe sub piele.

Micile istorioare senzuale, dar şi brutale, ascund nişte indicii sub forma unor simboluri tribale, indispensabile deconspirării criminalilor, favorizând acel suspans desprins din legendele exotice, necesar ispitirii cititorului pregătit să evadeze în spaţii îndepărtate. Toate pornesc de la un personaj real, captivant datorită unei biografii pline de contradicţii şi încheiate printr-o convertire greu de înţeles. Acest personaj este regina Jinga, o ţesătoare de intrigi dintr-un trib african, ce vrea să-şi detroneze fratele şi să-i înfrunte pe coloniştii portughezi, dar care sfârşeşte prin a trece la religia catolică sub numele de Ana de Sousa, devenind protagonista unui episod exotic din manuscrisele şi gravurile realizate de primii călători şi misionari care au avut curajul de a păşi în inima Africii, în secolele în care băştinaşii cu pielea precum abanosul erau consideraţi nişte demoni sau nişte sălbatici periculoşi. Convertirea acestei regine la o religie ce promova smerenia este cu atât mai greu de înţeles din cauza relatărilor care o prezintă drept o suverană arogantă, ce se aşeza pe spinarea fecioarelor din tribul ei, folosindu-le pe post de fotoliu în timpul întâlnirilor cu trimişii portughezilor. Totuşi, romanul este departe de a fi o biografie, urmând mai degrabă calea unei fantezii exotice pline de enigme, fără decoruri kitsch, Alberto Mussa ţinându-se departe de amatorism când vine vorba despre pasajele dedicate culturii africane.

Când ajungi în Brazilia colonială a secolului al XVII-lea, te trezeşti într-o lume ce pulsează de mister, senzualitate, ritualuri tribale, magie africană şi multe superstiţii şi incantaţii mistice în dialectele culese odată cu bogăţiile continentului de abanos cutreierat de Antunes. Dacă îţi doreşti limpezirea apelor întunecate din jurul crimelor, mai bine te laşi păgubaş. Intriga poliţistă este la fel de încâlcită precum o pădure tropicală ce te amăgeşte prin miresmele tari ale sevelor necunoscute, care promit voluptăţi necunoscute până atunci. Fiecare personaj este ispititor datorită poveştilor unice şi viziunii personale asupra crimelor, destăinurile sale adâncind şi mai mult păienjenişul anchetei. Vocea fiecărui personaj despică adevărul în zeci de indicii ce pot fi comparate cu afluenţii mâloşi ai unui fluviu rapace, devenind un pretext ce distrage atenţia de la suspectul identificat, apoi infirmat de varianta prezentată de noul personaj introdus în capitolul următor.

Citind acest roman, vei cunoaşte un scriitor pentru care istoria oficială trebuie acaparată de fabulos. Deşi este un bun cunoscător al documentelor ce păstrează cultura unor triburi mai puţin cunoscute, pierdute în istoria timpurie a Braziliei, la întâlnirea cu influenţele africane Alberto Mussa nu este preocupat de transformarea prozelor şi romanelor sale în observaţii realiste cu influenţe antropologice, dorind mai degrabă o metamorfoză a miturilor într-o realitate paralelă, criptată şi plină de semne ce par incantaţiile magice ascultate de un neiniţiat pitit în preajma locului de întâlnire al unei confrerii având propriile reguli, pe care unii le pot considera sinistre. Autorul brazilian refuză o poveste coerentă în sensul tradiţionalist, având un deznodământ ce abdică în faţa eforturilor de a o înţelege, de a o analiza. El îşi propune să creeze o lume ce trebuie luată ca atare, unde nedreptatea şi binele comunică în subteranele gândirii magico-religioase, fără a fi nevoie de intervenţia unui justiţiar care să echilibreze balanţa în timpul unei ciocniri dintre colonişti şi băştinaşi.

Editura Univers, 2015

imagini: filmul “Njinga, regina Angolei” de Sergio Graciano/es.wikipedia.org

Tangou pentru Lisandra – Dansam pentru a dezgropa trecutul

Tangou pentru Lisandra este varianta românească a titlului dat noului roman scris de Helene Gremillon, La garconniere (un joc de cuvinte ambiguu ce poartă cheia enigmei de la final). Opţiunea pentru titlul ce trimite către dansul pasional argentinian este departe de a fi o simplă strategie de atragere a cititorului spre un nou bestseller din palmaresul scriitoarei cunoscute datorită romanului Confidentul. Acest al doilea roman al ei, construit în jurul misterioasei Lisandra, fantoma ce bântuie personajele cărţii prin absenţa care va căpăta o carnalitate stranie în fanteziile fiecăruia, este precum un tangou în care senzualitatea şi pericolul alcătuiesc o coregrafie irezistibilă. Voluptatea amintirilor se prelinge de-a lungul unei anchete poliţiste clandestine, aşa cum piciorul unei femei se încolăceşte în jurul partenerului, într-un tangou al persuasiunii erotice, dar pe fundalul unor acorduri care îţi dau fiori siniştri.

Tangoul este mai mult decât un dans în romanul lui Helene Gremillon. Este o stare de spirit, o proiecţie a interiorităţii, o exorcizare a traumelor nerostite, o formă de a traversa un trecut rememorat la nivelul epidermei greu încercate. Un dans al pasiunii, al geloziei trăite cu patos, dar şi prin rafinamentul dublicităţii specifice anumitor femei răbdătoare ce se tem de abandon, tangoul este ideal pentru a simboliza fiecare personaj din carte. În el va fi oglindită profesia de psihanalist a doctorului Puig, soţul Lisandrei, care s-a format în tradiţia acelei viziuni asupra psihicului uman conform căreia instinctele vieţii şi ale morţii execută un dans al supremaţiei, amintind şi de sunetele unui tangou în care ademenirea şi pericolul unei răbufniri pasionale se contopesc. Tot în timpul unui tangou, oamenii par nişte vulcani stinşi care se trezesc la viaţă precum secretele pregătite să arunce lava clocotitoare şi cotropitoare, exact cum sunt şi cei studiaţi de una dintre pacientele ce vor fi marcate de întâlnirea cu doctorul Puig, marcându-i la rândul lor existenţa.

În tangoul acaparant se ascund secretele pârjolite de gelozia incandescentă a Lisandrei şi a femeilor ce se consideră bătrâne şi nedorite, care îşi derulează existenţa pe canapeaua psihanalistului. Dincolo de toate aceste coregrafii personale, mai există un tangou colectiv, al torţionarilor care aleg un dans al trupurilor deformate şi apoi dispărute. Această coregrafie inventată de nişte instructori demonici în timpul dictaturilor militare din Argentina îi transformă în prezenţe angelice pe toţi acei delincvenţi ce frecventau stabilimentele rău-famate ale plăcerilor deocheate din porturi, acolo unde se crede că s-ar fi născut primele mişcări ale acestui dans blamat la început, apoi devenit un pansament pentru toate rănile sufleteşti ale protagonistei.

Lisandra dansa pentru a-şi aminti. Ce anume? Abia către final vei afla. Până atunci, o vei regăsi în amintirile soţului ei, carismaticul (şi maleficul?) Vittorio Puig, psihanalistul care a urmărit-o din cabinetul său până la sala unde lua lecţii de tango, după ce aceasta se prezentase iniţial în postura de viitoate pacientă răvăşită de o neîmplinire amoroasă, tot Vittorio Puig fiind şi cel care îi va descoperi corpul izbit de caldarâm. Se prăbuşise precum trupul unei adolescente săltate de pe stradă de acoliţii dictatorului, ce ar fi putut fi şi fata disparută a Evei Maria, pacienta lui Vittorio, singura care va crede în nevinovăţia acestuia şi va porni o anchetă pe cont propriu, ajungând chiar să asculte toate vocile pacienţilor înregistraţi în timpul şedinţelor de terapie, sperând să-l găsească pe adevăratul vinovat, fiind sprijinită de însuşi Vittorio, cu preţul încălcării unei reguli sacre în terapie: confidenţialitatea. O vei mai găsi pe Lisandra şi în imaginaţia uneia dintre pacientele obsedate de menopauză, ce îşi revarsă furia stârnită de femeile mai tinere asupra unei Lisandre absente, seducătoare, perfecte, create de închipuirile născute din frustrarea neputincioasei femei ce se urăşte pe sine, gata de o răfuială cu acea rivală-fantomă. Spre final, Lisandra îţi creează iluzia unei reveniri la viaţă sub forma unei prezenţe ce pluteşte deasupra tuturor, strigându-si traumele sufocante în confesiunile înşelătoare facute profesorului de tango.

Helene Gremillon este o povestitoare abilă şi ademenitoate precum o dansatoare ce oferă indicii facile privind intenţiile, apoi îşi modifică brusc mesajul corporal refunzându-i privitorului o impresie clară. În primul rând intră în pielea unui personaj argentinian, încât uiţi că ai în faţă o traducere din limba franceză (nu ştiu dacă este de vină pasiunea traducătoarei Simona Brânzaru pentru literatura sud-americană, pe lângă cea franceză, sau Helene Gremillon se poate deghiza într-o femeie dintr-o altă cultură, deşi Buenos Aires a fost comparat cu Parisul interbelic). Apoi îşi dă seama că poate oferi voluptăţi diferite, în funcţie de preferinţele cititorului. Dacă îţi plac romanele cu mult suspans şi anchete bazate pe indicii vagi, care amână răspunsul, vei citi romanul pe nerăsuflate, aşteptând să fie deconspirat asasinul protagonistei, de a cărei moarte a fost acuzat însuşi soţul ei, unul dintre cei mai buni psihanalişti din Buenos Aires. Dacă îţi plac romanele în care vrei să găseşti un personaj care să oglindească toate stările şi indignările din relaţiile de cuplu, vei găsi nişte reflecţii asupra geloziei şi neputinţelor unei femei ajunse la menopauză, forţată să vadă  zi de zi prospeţimea celor mai tinere, devenite peste noapte nişte rivale, atunci vei avea parte de nişte pasaje memorabile, în care opiniile necruţătoare amestecate cu acel umor amar pentru amorul propriu te vor face să îţi calci pe inimă şi să te dedai sublinierilor şi postării citatelor pe Facebook. În schimb, dacă îţi plac romanele în care istoria colectivă se sparge în drame personale, vei aprecia talentul lui Helene Gremillon de a descoperi acea continuitate firească (pentru personajele ei) între crimele nepedepsite ale dictaturii şi ramificaţiile acestora în dramele trăite de fiecare personaj în parte. Pe măsură ce fiecare înregistrare se transformă într-un posibil indiciu, dramele fiecărui pacient al doctorului Puig devin o fisură prin care se infiltrează ororile unei dictaturi, prezentate într-o manieră care îţi interzice ignorarea paginilor care ameninţă să te bulverseze. Are Helene Gremillon o forţă de a-ţi da curaj în faţa unei realităţi care promite să te cutremure, folosindu-se de slăbiciunea fiecărui cititor pentru enigme şi suspans, ambele ascunse în spatele pasajelor ce oferă informaţii din istoria brutală.

Tangou pentru Lisandra te poate face să o iei pe urmele pacientei cu talent detectivist, obsedată de prezenţa fantomatică a Lisandrei, în a cărei prăbuşire (provocată de o crimă sau de o sinucidere) o vede pe fiica ei dispărută, apoi începe să descopere conexiuni între detaliile ce nu par să facă parte din aceeaşi situaţie de viaţă sau eveniment. Asemenea ei, vei fi ispitit de indiciile risipite, încât vei avea impresia că tu ai putut prezice întâmplările sau dezvăluirile din paginile următoare, şi, în cazul în care eşti pasionat de literatura argentiniană, te vei întreba dacă nu cumva numele de familie al psihanalistului (Puig) nu este decât un alt joc al simbolurilor descifrate doar de iniţiaţi printr-o complicitate literară, trimiând spre numele scriitorului Manuel Puig, devenit celebru datorită romanului Sărutul femeii-păianjen (El beso de la mujer arana), a cărui acţiune se petrece în celula unde se întâlnesc doi deţinuţi politici din perioada juntei militare (o altă poveste în care pasiunea şi trădarea sunt personajele principale).

Tangou pentru Lisandraeste un roman cameleonic, al cărei autoare se află între două lumi. Este lumea unei senzualităţi terifiante, în care frumuseţea dansului şi oroarea ce se prelinge subtil bântuie încă prezentul Argentinei, şi lumea unei scriitoare ce a beneficiat din plin de cultura franceză, care a îmbinat fascinaţia pentru psihanaliză cu primele încercări de a înţelege mecanismele unei traume colective transgeneraţionale, odată cu studiile unor supravieţuitori ai lagărelor, ajunşi nişte pionieri ai psihoterapiei. Încercarea lui Helene Gremillon de a lega traumele individuale de cele sociale nu este una exagerată. În cărtile psihiatrilor francezi, printre care şi Vladimir Marinov, întâlneşti o legătură între secretele privind gropile comune, atrocităţile nedezvăluite şi tulburările de personalitate sau cele din în relaţia omului modern cu propriul corp, bazate tot pe un secret de tip transgeneraţional.

Editura Humanitas Fiction, 2015

imagini: www.millineryatelier.com/Virginia Torrisi (https://www.flickr.com/photos/virgoh/8413961643/in/album-72157632606691025/)

Laurence Anyways – Drame captive intr-o fantezie plina de culorile anilor ‘80

Dacă vezi numele lui Xavier Dolan, acest copil teribil al noului val cinematografic, aşteaptă-te la o schimbare năucitoare a modului în care sunt reprezentaţi marginalii şi temele controversate legate de relaţiile considerate deviante. Aşa cum a demonstrat şi când a regizat cele două filme despre adolescenţii cu mother issues J’ai tue ma mere (I Killed My Mother) şi Mommy, Dolan ştie cum să fenteze aşteptările şi tentaţia previzibilului din zona de confort, reuşind să aducă tandreţea şi umorul chiar şi acolo unde alţi regizori ar fi mizat pe impactul cutremurător al unui realism brutal, cu tentă scabroasă şi despresivă.

Unul dintre filmele prin care s-a făcut remarcat, Laurence Anyways tratează controversa trezită de bărbatul heterosxual, care descoperă că de fapt îi place să se îmbrace în ţinute specifce sexului opus, ajungând să se simtă mult mai bine când oamenii i se adresează prin adjective la feminin. Xavier Dolan tratează asumarea unei identităţi ascunse într-o manieră care va fi apreciată mai mult de cei care preferă să petreacă o noapte albă în Control pe ritmurile disco din anii ’80 mixate într-o frenezie de culori electrizante, imaginandu-şi amoruri cu boemi ce adoptă un stil vestimentar hermafrodit, asemenea lui David Bowie sau Boy George, fără a se teme să exploreze, măcar la nivel estetic, graniţele dintre feminin şi masculin (aşa cum au fost trasate la nivel social). Personajul central, Laurence, scriitor promiţător şi genul de prof visat de orice adolescent cu neuroni subversivi şi înclinat mai mult spre analiza regulilor, decât pe respectarea lor, începe această explorare prin conştientizarea dorinţei de a se îmbrăca precum un travestit. Din acest moment al revelaţiei cutremurătoare pentru cei din viaţa lui Laurence, Dolan jonglează imprevizibil cu toate prejudecăţile spectatorilor, mai ales ai celor homofobi sau pur şi simplu conservatori. Personajul său nu este homosexual, iubita (interpretată de vecina bună din Mommy) considerată marea lui dragoste nu-l părăseşte (cel puţin nu imediat), iar el nu este un pervers ce îşi hăituieşte elevii de gen masculin care, în ciuda temerilor sale, îi acceptă noua vestimentaţie feminină în culori tari, fiind mult mai preocupaţi de prelegerile despre Marcel Proust sau responsabilitatea morală a scriitorilor colaboraţionişti.

Deşi are în centru povestea unui om care ajunge un paria peste noapte, într-o perioadă în care travestiţii şi homesexualii erau consideraţi nişte umbre ruşinoase ale societăţii chiar şi în ţările civilizate, iar dreptul lor la demnitate, un tabu, în Laurence Anyways nu vei avea parte de marşuri ale solidarităţii, de acele succesiuni cutremurătoare de scene în care protagonistului un pic altfel îi sunt rupte oasele de către o gaşcă de homofobi sceleraţi sau de autoizolarea dezolantă. În locul discursurilor despre libertate, vei avea dialoguri pline de umor picant şi amar despre inadaptare, derulate în spatiul restrâns al unui living, după o mahmureală.

Tristeţea personajelor devine suportabilă când este preluată de o coloană sonoră hipnotizantă, care îi determină până şi pe cei care urăsc moda anilor ’80 să privească hiturile acelei decade prin lentilele unei melancolii în culori trepidante. De fapt, întreaga succesiune de evenimente dramatice apărute în cuplu după ce începe metamorfoza femină a lui Lawrence seamănă cu o feerie disco plină de nuanţe stridente, îmbinate ca într-o pictură în care par să se întâlnească obsesia pop a la Warhol a lui Almodóvar, sensibilitatea acoperită de acel glamour burlesc al petrecerilor pline de travestiţi, gaşca de fete din videoclipurile lui Cindy Lauper şi o defilare marca Vivien Westwood.

La un moment dat ai impresia că toată povestea se pierde în planul secund, iar filmul devine un videoclip ce imită o petrecere în care acea extravaganţă kitsch din anii ’80 se înghesuie în saloanele încărcate de mobilier baroc şi candelabre abundente, urmând un after-party într-un club de noapte în care te aştepţi să apară din moment în moment Madonna fredonând obraznic Get into the groove, Boy  you’ve got to prove your love to me. Dar Xavier Dolan nu pierde controlul. Intermitenţele disco sunt asumate şi nu diluează greutatea poveştii, ci doar îi oferă acea bulă de oxigen boem-visătoare cât să-l revigoreze pe spectator şi apoi să-l implice afectiv ademenindu-l prin piesele ce sigur îi amintesc de petrecerile nebune unde îşi permitea să se dea în spectacol chiar şi pe nişte piese ce ieşeau din zona lui de confort. Importanţa elementelor vizuale desprinse parcă dinr-un pictorial fashion şi nevoia de a prelungi impactul cromatic prin scenele slow-motion dublate de coloana sonoră euforică ţin loc de reflecţiile obositoare prin care personajele vor să propage libertatea exprimării odată cu asumarea identităţii.

În locul discursurilor, implicarea emoţională a spectatorului prin elementele vizuale este maximă, iar Xavier Dolan îşi propune să stimuleze mai mult retina şi timpanul, refuzându-ţi analizele sofisticate. Înţelegerea jocului melancolic-excentric la graniţa dintre femimin şi masculin trebuie să fie una subtilă, cuvintele fiind înlocuite de imaginile puternic încarcate din punct de vedere cromatic, prin care tot ceea ce ar fi putut fi luat drept bizar capătă o senzualitate nelumească precum farmecul inexplicabil al unui hermafrodit. Poţi afirma că în viziunea lui Dolan, toleranţa este mai mult produsul unei abandonări în plăcerea estetică, fiind singura menită să anestezieze ura prin asumarea acelor zone în care se găsesc în stare latentă nişte trăsături (deloc maligne) ale sexului opus, datorită unei dualităţi arhetipale de tip animus şi anima strecurate printre mixurile retro ale unui DJ ce are în spate proiecţiile formate din colaje vizuale ce omagiază estetica ţipătoare din anii ‘80.

Profund, fără a părea greoi, filmul lui Xavier Dolan este prizabil chiar şi în cazul spectatorilor care strâmbă din nas când aud cuvintele travestit, criza identitară sau hiturile anilor ’80. Totuşi, în ciuda nonconformismului, câteva elemente previzibile se păstrează: candoarea adolescentină a protagoniştilor ce pot fi consideraţi nişte figuri iconice pentru hipsteri, aşa cum arătau ei acum trei decenii, alungarea cuplului boem din raiul cu stroboscop plin de un romantism în culori electrizante, refuzul confortului burghez şi tendinţa de a fugi de realitate într-o fantezie pastelată demnă de un love-story, doar că ai un love-story salvat de la clişeele siropoase de un experiment vizual demn de un puşti rebel.

Xavier Dolan are flerul unui regizor care simte curentul unei generaţii astfel încât să conecteze dramele personajelor la trendul unei decade, pentru a focusa mai bine atenţia asupra unei teme controversate. Simţind din plin apetitul pentru tot ce ţinte de contracurent, pentru artele vizuale şi amestecurile muzicale rezultate din reciclarea unor nostalgii retro, în special a celor de la finalul anilor ’80 şi începutul anilor ’90, Dolan leagă individualul de istoria unei decade, dar nu cea din manuale, ci istoria din spaţiile neconvenţionale, afirmată la nivel vestimentar, personal, urban, care permite doar existenţa unei cronologii având ca puncte de reper modificările corporale şi autoasumarea ca punct de plecare pentru orice formă de exprimare.

Ultimele articole